SMILE: CRÍTICA DE CINE

   Smile está escrita y dirigida por Parker Finn “El terror se alimenta de nuestra mente”

La doctora Rose Cotter (Sosie Bacon) vive feliz junto a su pareja Trevor (Jessie Usher) y trabaja como terapeuta en un centro psiquiátrico en el cual pasa más horas de las establecidas, pues se considera responsable de la atención a los pacientes. Un día, tras terminar la jornada y cerrar la puerta de su consulta, suena el teléfono no tardando en abrir de nuevo la puerta y contestar a la urgencia. De esta forma conocerá a Laura Weaver (Caitlin Stasey) quien se presenta en la consulta con un estado de nerviosismo muy elevado, afirmando que la persigue una entidad desconocida y que sabe que va a morir. En pleno ataque de histeria, Rose llama por el teléfono interno para que vengan a ayudarla. Cuando cuelga se encuentra a Laura de pie con una gran sonrisa y con un trozo de un jarrón de porcelana, que ha roto, se corta la cara y el cuello. Desde ese instante Rose comienza a vivir una serie de sucesos paranormales a los que no encuentra explicación.

El guionista y director, Parker Finn, ha dirigido dos cortometrajes, “El escondite” 2018 y “Laura Hash`t Slept” 2020, ahora nos llega su debut en el largometraje con “Smile” 2022

Una sorpresa muy grata, esta sonrisa llena de maldad. Logra sobradamente su objetivo contando con los elementos que siempre considero importantes en el género. Un guion, que aun no siendo original, tiene los suficientes elementos personales como para mantenernos en tensión hasta el final; unas interpretaciones correctas que cumplen sobradamente con sus personajes y una dirección eficaz, que no deja decaer en ningún momento la trama. Siempre está pasando algo aunque en ocasiones creamos lo contrario, sin prescindir de sus toques de humor negro. Pero vayamos por partes.

Uno de los aciertos, además de otros que ya mencionaré, es que el personaje sea una terapeuta en el área de psiquiatría, pues Rose, feliz en su relación, activa en su profesión y desviviéndose por los enfermos, no cree en un principio por el trance insufrible que está pasando su última paciente, para terminar siendo ella quien lo padezca en sus propias carnes, evento que originará el empatizar con la doctora y seguir su historia con más interés, con el propósito de descubrir como afrontar la situación, si es que lo consigue, sobre lo que ve o cree estar viendo, para llegar a traumatizarla de tal forma. Un personaje rico en matices al que Sosie Bacon, sabe sacar el máximo partido pasando por los diferentes estados, hasta llegar al final. Una soberbia interpretación que cala en el espectador y le provoca escalofríos y deseos de protección, pues minuto a minuto seremos testigos de cómo, la doctora Rose, un personaje cabal y segura de sí misma, es presa de la vulnerabilidad más extrema y del inquietante deterioro mental, al ir perdiendo la razón.

Otro de esos aciertos es ese gesto, que desde que vemos esta película ya no nos parece tan reconfortante, la sonrisa. Si bien algunas veces se habla de la terrorífica sonrisa de los payasos u otros personajes de situación, pienso que nunca un espectador ha estado tan alerta con un gesto tan amable, pues desde que lo vemos por primera vez, en una de las pacientes, esperamos no se vuelva a repetir la visión de esa sonrisa que parece extraída de la más cruel de las tragedias griegas, aunque también sabemos que sucederá y cuando  lo hace, saltan todos los resortes. La maldición, que persigue a las víctimas, como reza en la narración, es que nadie ha sobrevivido más de una semana. Cuando Rose se entera de ello por boca de un compañero, le dice que ella lleva sufriéndola cuatro días.

Si bien como decía al comienzo, no inventa nada nuevo, si aporta sus granitos de originalidad que por supuesto no voy a desvelar y que aun sabiendo desde el principio que podemos estar ante una vuelta de tuerca de la transmigración corpórea, quedamos intrigados que si es así, qué origina ese mal, esa oscuridad que pasa de un cuerpo a otro y en qué momento es poseído o poseída. Esa intriga nos llevará hasta el final, un desenlace que tengo que reconocer, no me dejó totalmente satisfecho, pero claro, es que Smile, muy seguramente tendrá su o sus secuelas. No quiero desvelar más y os invito a verla, pues cuenta con una dirección bien calibrada con un tramo final que te rompe los nervios y te quita el aliento. Nos ofrece además una cuidada fotografía de Charlie Sarroff y la banda sonora escrita por Cristobal Tapia de Veer, que elevará gradualmente la tensión.

Mi nota es: 8

REPARTO: Sosie Bacon, Jessie T. Usher, Kyle Gallner, Caitlin Stasey, Kal Penn, Rob Morgan, Judy Reyes, Gillian Zinser, Kevin Keppy, Scot Teller, Nick Arapoglou, Sara Kapner, Setty Brosevelt, Jerry Lobrow, Perry Strong, Vanessa Cozart y Shevy Berkovits Gutiérrez.

PRODUCTORA: Temple Hill// Paramount Players

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Paramount Pictures Spain

PAJARES Y ESTESO AL COMPLETO EN FlixOlé

ZENIT COMUNICACIÓN nos informa que FlixOlé presenta el ciclo Pajares y Esteso al completo, con el estreno de Los energéticos, Los chulos y Todos al suelo.

Las películas de Pajares y Esteso cuentan con un envidiable palmarés dentro de la industria cinematográfica del país: noquearon a Sylvester Stallone con ‘la roquina’, cantaron “¡Bingo!” decenas de veces y obligaron a Star Wars a retrasar la llegada de El imperio contrataca a las salas españolas. Compuesta por nueve títulos que registraron cifras récord en taquilla, la exitosa franquicia protagonizada por el dúo cómico se podrá ver a partir del próximo 30 de septiembre en exclusiva en FlixOlé.

La plataforma especializada en cine español presentará una colección sobre el irrepetible fenómeno que supusieron los filmes erótico-festivos protagonizados por Andrés Pajares y Fernando Esteso. Dentro del especial se incluirá el estreno de Los energéticos, Los chulos y Todos al suelo, largometrajes que se sumarán a los títulos con los que ya contaba FlixOlé, completando así el catálogo de hilarantes escenas que componen el ciclo dirigido por Mariano Ozores.

Cronistas chuscos de una España que caminaba campechana hacia la democracia, el tándem formado por Pajares y Esteso reflejó con comicidad, y no menos desnudos (femeninos), los cambios de mentalidad y costumbres del país a través de sus películas. Los actores, que con tino juntó el productor José Luis Bermúdez de Castro, se convirtieron en héroes del currante medio, y trasladaron sus preocupaciones a la gran pantalla mediante desternillantes tramas. Esta facilidad de conectar con el público, unido al Destape que se vivía, contribuyó a que cada estreno llenase el patio de butacas.  

Ya en su primera aparición conjunta, Los bingueros (1979), la pareja representó al pícaro, pero desafortunado, trabajador español que intentaba cambiar su suerte con el cartón del Bingo. Al calor de las primeras salas de juego, la película obtuvo un rotundo éxito y registró más de millón y medio de espectadores; un rentable balance que se repitió en sucesivas producciones.

A Los bingueros le siguió Los energéticos (1979), donde Pajares y Esteso interpretaron a dos pueblerinos enfrentados contra los intereses espurios de políticos y empresarios, en pleno debate sobre las centrales nucleares. Después llegaron el gancho cómico de Yo hice a Roque III (1980), el mundo de las estafas con Los liantes (1981) y Los chulos (1981), donde religión y cabarés compartían libreto.

Pocas historias se libraban de las coñas del dúo cómico: las películas de atracos fueron parodiadas con Todos al suelo (1982), mientras que los líos de familia y la evasión de capital fueron objeto de risa en Padre no hay más que dos (1982) y Agítese antes de usarla (1983), respectivamente. El irrepetible ciclo lo cerró La Lola nos lleva al huerto (1984), si bien los humoristas continuaron sacando la carcajada al público por separado.

Cerca de una treintena de títulos

Además de las nueve películas que componen el ciclo, la plataforma FlixOlé estrena también en la colección una entrevista a Fernando Esteso recogida en Cómicos nuestros: Fernando Esteso (Ramón Verdet, 2021). Asimismo, el especial recopila otras comedias firmadas de manera individual por cada uno de los actores; aunque no faltaron los cameos del uno en los filmes del otro.

Con respecto a las de Andrés Pajares, se podrán encontrar títulos como El currante (Mariano Ozores, 1983), El donante (Ramón Fernández, 1985) o Makinavaja, el último choriso (Carlos Suárez, 1992); mientras que por parte de Esteso: El soplagaitas (Mariano Ozores, 1981), El hijo del cura (Mariano Ozores, 1982), Caray con el divorcio (Juan Bosch, 1982) y ¡Qué tía la CIA! (Mariano Ozores, 1985), entre muchas otras cintas.

FlixOlé está disponible en Smart TV, tabletas y teléfonos IOS y Android, Fire TV, Orange TV, ZapiTV, Amazon Prime Vídeo o a través del ordenador, además las películas se pueden descargar para verlas sin conexión a internet en cualquier dispositivo móvil.

LA CHICA SALVAJE: CRÍTICA DE CINE

La Chica Salvaje, está dirigida Olivia Newman con guion de Lucy Alibar, basándose en la novela de Delia Owens.

Kya Clark (Daisy Edgar-Jones) es una niña que vive cerca de las marismas, al sur de Estados Unidos a mediados del siglo XX, con sus hermanos y sus padres. Su padre es un maltratador y poco a poco, la familia va abandonando el hogar, primero será la madre, luego todos los hermanos y finalmente, cuando ella se queda con el padre, éste decide también irse, con lo que la joven Kya tiene que aprender a buscarse la vida para sobrevivir. Afortunadamente cuenta con los dueños de la tienda de comestibles, Mabel (Michael Hyatt) y Jumpin (Sterling Macer Jr.) quienes la cuidarán, desde una distancia cómoda para todos.

Kya, desde muy niña conoce a Tate Walker (Taylor John Smith) con quien se lleva muy bien, hasta el punto de hacerse novios, pero Tate tiene el sueño de estudiar una carrera y se va del pueblo. Cinco años más tarde la pretende Chase Andrews (Taylor John Smit), que resulta ser el chulito del pueblo y quien aparece muerto en una zona pantanosa de las marismas, en extrañas circunstancias. Todas las culpas recaen en Kya, la chica salvaje, como es conocida en el entorno.

La guionista y directora, Olivia Newman, obtuvo un B.A. en francés y estudios de la mujer en el Vassar College y una maestría en cine en la Universidad de Columbia. Se inició en el cortometraje con “Blue-Eyed Mary” 2009 y “First Match” 2010 y debutó en el largometraje ocho años más tarde con “Mi primer combate” 2018. Este año nos ofrece “La chica salvaje” 2022. También ha trabajado en algunas series televisivas como “Chicago Fire” 2018/19, “Chicago P.D.”, “Rétame” y “FBI” todas en 2020.

La chica salvaje está basada en el Bestseller de Delia Owens adaptada por Lucy Alibar. No voy a entrar a cuestionar si ha contado con una correcta adaptación o no, pues no he leído la novela, por lo que en esta reseña me ceñiré exclusivamente al punto de vista cinematográfico. Dicho lo cual, comenzaré manifestando que personalmente, he disfrutado de este filme con cierto grado de suspense y mucho de romanticismo envuelto en el dolor y el drama generado por un pasado, el de Kya, marcado por un padre violento; recuerdos que resultan muy difíciles de olvidar, pero que tal vez, rodeándose de las personas adecuadas, se pueda superar en gran parte.

Estamos por tanto ante un thriller dramático narrado desde dos espacios diferentes, el primero en ese ambiente natural y salvaje que proporcionan las marismas, conociendo la vida de la joven Kya desde su niñez hasta la actualidad y el segundo, la sala de juicios, en la cual la joven será sometida a la acusación de asesinato. Un juicio no solo presidido por hombres y mujeres del pueblo, sino alimentado por la ignorancia, los miedos, las envidias, los celos, el rechazo y hasta esos pensamiento puramente clasistas y raciales que habitan en el lugar y que en ocasiones, frenan la inserción de quienes lo precisan. Estos elementos se convierten en algunas de las pruebas de la acusación, mientras que el abogado defensor, Tom Milton, magníficamente interpretado por David Strathairn, desde su mente lúcida y abierta, deberá demostrar que para acusar hay que tener pruebas reales y no solo los chismorreos y vaguedades de quienes creen saber sin preguntar, llevando y trayendo. Un juicio que sirve, una vez más, para juzgar a la sociedad viciada por los bulos y la desinformación que aceptan como cierta. Critica así mismo la violencia de género,  los abusos a menores, la manipulación, el abandono y la soledad, entre otros temas, pues a través de esta narración, en parte un tanto ñoña, las capas de las verdades y mentiras, del dolor y las alegrías, de la vida y la muerte, se van desplegando una a una, como las flores se despiertan al amanecer.

En esa América profunda de los años 60, Newman nos ofrece también ese canto a la naturaleza, a la vida salvaje y al amor por cuanto rodea y vive en esas marismas, revelándonos a una joven que lejos de ser una salvaje, de su humanidad y sencillez germina el naturalismo más genuino, plasmado en la bucólica fotografía de Polly Morgan y abrazada, como tantas veces, por la banda sonora de Mychael Danna. Sí, no voy a negar que el filme tiene ese punto pastelón, pero bienvenido sean estos filmes que logran relajar al espectador tras un duro día o simplemente que busca evadirse del bullicio del exterior. Yo, que siempre me he confesado un romántico empedernido y amante de la naturaleza. Finalmente, mencionar la magnífica interpretación de  Daisy Edgar-Jones, maravillosa guía que encarnando a Kya, nos muestra otra realidad de esa América profunda y de cuantos vicios la rodea.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 30 de septiembre.

REPARTO: Daisy Edgar-Jones, Garret Dillahunt, David Strathairn, Harris Dickinson, Eric Ladin, Taylor John Smith, Michael Hyatt, Ahna O´Reilly, Luke David Blumm, Sterling Macer Jr., Blue Clarke, Jojo Regina, Jayson Warner Smith, Bill Kelly, Calvin Williams, Suzette Lange, Wyatt Parker, Charlie Talbert, Billy Slaughter y Logan Macrae.

PRODUCTORA: 3000 Pictures// Hello Sunshine

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sony Pictures Entertainment (SPE)

INFORMACION DESDE STARZ SOBRE LIONSGATE+

PRISMA IDEAS y EVA CALLEJA nos informan que STARZ presenta el  Rebranding del Servicio Internacional de Streaming STARZPLAY, ahora LIONSGATE+

La marca LIONSGATE+ se despliega en 35 países junto con una nueva imagen de marca global desde hoy 29 de septiembre.

STARZ anuncia hoy que su servicio de streaming internacional premium, STARZPLAY, cambiará de nombre a LIONSGATE+ en 35 países, coincidiendo con una nueva imagen de marca y diseño gráfico, que se despliega hoy  29 de septiembre.

El nuevo aspecto de la marca junto con el paquete de gráficos, la paleta de colores y los elementos de diseño se implementarán en los Estados Unidos y comenzarán a desplegarse en la mayoría de los países en los que STARZ está presente. STARZPLAY pasará a llamarse LIONSGATE+ en 35 mercados de STARZ, excepto en Estados Unidos y Canadá, donde seguirá siendo STARZ. Las marcas STARZPLAY ARABIA y LIONSGATE PLAY en el sur y sudeste de Asia también se mantendrán. 

"Reconocimos pronto el potencial del mercado global de OTT, y en los últimos años hemos construido un increíble servicio de streaming global, que se ha convertido en un lugar de destino para las audiencias que buscan una programación premium y provocativa", ha dicho Jeffrey Hirsch, Presidente y CEO de STARZ. "Operar bajo LIONSGATE+ a nivel internacional aporta una identidad propia y diferenciada en un mercado internacional cada vez más saturado y se apoya en el valor de marca del nombre de Lionsgate, que según nuestras extensas investigaciones es muy sólido en todo el mundo. Incluso con la separación de STARZ y el negocio de los estudios Lionsgate, la marca Lionsgate seguirá siendo valiosa para el éxito continuo de nuestra plataforma internacional."

"Nuestro compromiso de ofrecer historias audaces y selectas en las que superamos los límites y desafiamos las expectativas sigue siendo el mismo", ha dicho Superna Kalle, President, International Networks for STARZ "Hemos construido relaciones sólidas con nuestros espectadores y esperamos seguir ofreciéndoles historias de primera calidad como LIONSGATE+".

Los suscriptores de LIONSGATE+ tienen acceso a una amplia colección de contenidos exclusivos de primerísima calidad que incluye series originales que se estrenan en todo el mundo al mismo tiempo que en EE.UU., como el thriller político "Gaslit", suntuosos dramas de época en su Colección Real, incluida la próxima serie “Amistades Peligrosas” (Dangerous Liaisons), junto con series ambientadas en el universo de la exitosa franquicia "Power". LIONSGATE+ también alberga series originales en español como el drama aclamado por la crítica "Señorita 89", el thriller de ciencia ficción "El Refugio" y el drama policíaco "Express", y ofrece algunas de las series de estreno más solicitadas de la televisión, como la serie de género "The Great" y la serie de acción y suspense "Gangs of London", además de una enorme colección de películas de gran éxito entre la audiencia que se añaden a la plataforma cada mes.

STARZ se estableció como uno de los primeros canales lineales de Estados Unidos en entrar en el mercado global al lanzar su servicio global de SVOD, ahora LIONSGATE+, en 2018, ofreciendo a las audiencias acceso a una narrativa audaz y cuidada. Desde su lanzamiento inicial, junto con su empresa conjunta STARZPLAY Arabia, la huella global de STARZ se ha expandido a 63 países en Asia, Canadá, Europa, América Latina, MENA y el sur y sudeste de Asia.

Con el cambio de marca en vigor, a continuación se detallan los nombres de los servicios en los países en los que está presente el SVOD.

Por otra parte, Lionsgate ha presentado hoy un informe actualizado mediante el formulario 8-K ante la Comisión de Valores y Bolsa, en el que pone al día a los accionistas sobre sus avances en la separación de STARZ y su negocio de estudios Lionsgate.

THE INNOCENTS: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Noruega, Suecia, Dinamarca y Finlandia, The Innocents, está dirigida y escrita por Eskil Vogt. “El mal nunca descansa mientras el bien permanece a la espera”

En un coche viajan, Ida (Rakel Lenora Fløttum) junto a su hermana Anna (Alva Brynsmo Ramstad), con sus padres. La primera ofrece un carácter distante y disfruta de hacer trastadas a su hermana, mientras que Anna padece de autismo. Los cuatro se instalan en un nuevo piso de una urbanización en la cual hay poca gente, debido a las vacaciones de verano.

Ida conocerá a un chico misterioso, Ben (Sam Ashraf) que pronto le desvelará su habilidad para mover objetos, aunque oculta algo más oscuro  y por otro lado, Anna conectará muy pronto con la joven Aisha (Mina Yasmin Bremseth Asheim), que posee la facultad de la telepatía. Los cuatro se hacen amigos y se divierten con sus poderes, pero… El mal nunca descansa.

El productor delegado, guionista y director, Eskil Vogt, estudió dirección en la Escuela Nacional de Cine de Francia, La Fémis. Se inició como guionista para diferentes películas y en la dirección cuenta con los cortometrajes “Une étreinte” 2003 y “Les étrangers” 2004. Debutó en el largometraje con “Blind” 2014 y ahora nos ofrece “The Innocents” 2022. También ha dirigido un episodio de la serie para televisión “Uti Vår Hage” 2008.

Cuatro niños muy diferentes entre ellos, son los protagonistas de este filme de terror psicológico que se debate entre la bondad y lo siniestro. El lado más noble combatiendo contra el más oscuro y si esta premisa, ya de entrada resulta interesante, más lo será cuando, combinada con el autismo y dos cualidades, fenómenos o habilidades, como se les quiera denominar a la telequinesis y a la telepatía, nos abren un gran abanico de posibilidades, algunas de las cuales son aprovechadas por Vogt. Un filme que provoca el cuestionarnos la vulnerabilidad e inocencia que otorgamos a los niños, pues no es la primera vez que en la gran pantalla, en la pequeña e incluso en la vida real, los más jóvenes sorprenden al adulto con actos crueles, impensables y espeluznantes.

Una vez más Eskil Vogt nos desconcierta gratamente creando atmósferas potentes en donde la tensión se dispara entre el drama y el terror, sin la necesidad de recurrir a los tópicos. Por un lado se apoyará en el ir conociendo a sus cuatro protagonistas, sus pensamientos y lo que pueden o no ocasionar y del otro, con el uso extraordinario de la cámara y los planos tan meticulosamente seleccionados, en espacios abiertos como el bosque, en el campo de fútbol, en el parque o desde las terrazas de los pisos, siempre a plena luz del día salvo en algunas de las alucinaciones o alteraciones de la realidad que causa uno de ellos. Me recordó, salvando las diferencias, a “Midsommar” 2019 de Ari Aster, en donde la obra se desarrollaba en medio de la naturaleza y de día. El terror no lo generaba la oscuridad, como es tan socorrido en infinidad de películas o esa música machacona que provoca dolor de cabeza en lugar de crear tensión, en esta ocasión ocurre algo similar. El director no ha recurrido a lo más manido, a lo casi esperado para desesperación del espectador, sino algo totalmente diferente, genuino, tomando la naturaleza y la realidad, como parte de ese todo a medida que los sucesos van cobrando vida. Nos hacemos sus cómplices y nos creemos su fábula, aun siendo conscientes de que es ficción y lo peor de todo, respiramos cuando Vogt, nos permite que lo hagamos. Un excelente trabajo de dirección general sobre el que destaca el actoral.

Y llega el momento de volver a ellos, a los cuatro jovencitos, a las tres chicas y al chico que dan vida de forma terroríficamente realista a la narración. Impecables entres sus miradas, sus silencios, sus frases casi lapidarias, sus gestos y en cada estado que cada personaje debe ofrecer. Creo de justicia, aun estando los cuatro soberbios, destacar a Alva Brynsmo Ramstad encarnando a la chica autista. Está brutal, insuperable y creíble, perdida entre sus miradas, expresiones corporales y vocablos ininteligibles. Aquí si merece la pena mencionar la banda sonora en la partitura de Pessi Levanto y la sobrecogedora fotografía en la mirada de Sturla Brandth Grøvlen.

¿Qué se tiene que hacer cuando alguien es malo?

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 30 de septiembre

REPARTO: Rakel Lenora Fløttum, Sam Ashraf, Alva Brynsmo Ramstad, Kadra Yusuf, Mina Yasmin Bremseth Asheim, Ellen Dorrit Petersen, Morten Svartveit, Marius Kolberstvedt, Lina Tønne, Birgit Nordby, Kim Atle Hansen, Irina Eidsvold Tøien, Nor Erik Vaagland Torgersen y Tone Grøttjord-Glenne.

PRODUCTORA: BUFO// Logical Pictures// Mer Film//Snow Globe Productions// Zentropa International Sweden.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértigo Films.

IBERSERIES & PLATINO INDUSTRIA CELEBRA EL ACTO DE INAUGURACIÓN EN SU SEGUNDA EDICIÓN

 

Iberseries & Platino Industria, la mayor cita industrial del audiovisual iberoamericano, celebra el acto de inauguración de su segunda edición en Matadero Madrid.

Ayer martes 27 de septiembre, ha dado comienzo la segunda edición de Iberseries & Platino Industria, impulsada y organizada por EGEDA y Fundación Secuoya, con el apoyo de FIPCA, Ayuntamiento de Madrid, Comunidad de Madrid, ICEX España Exportación e Inversiones y Ministerio de Cultura y Deporte; y el patrocinio de Madrid Film Office, Film Madrid y Spain Film Commission.

El acto de inauguración ha contado con la asistencia de Marta Rivera de la Cruz, consejera de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid, Enrique Cerezo Torres, presidente de EGEDA y de Platino Industria, Raúl Berdonés, presidente ejecutivo de la Fundación Secuoya y de Iberseries, Adrián Solar, presidente de FIPCA, Matilde García Duarte, coordinadora general del Ayuntamiento de Madrid, y Elisa García Grande, directora ejecutiva ICEX invest in Spain.

Ayer se celebró el acto de inauguración de la segunda edición de Iberseries & Platino Industria, impulsada y organizada por EGEDA y Fundación Secuoya, con el apoyo de FIPCA, Ayuntamiento de Madrid, Comunidad de Madrid, ICEX España Exportación e Inversiones y Ministerio de Cultura y Deporte; y el patrocinio de Madrid Film Office, Film Madrid y Spain Film Commission.

El acto ha tenido lugar en el Auditorio (Casa del Lector) de Matadero Madrid con la asistencia de Marta Rivera de la Cruz, consejera de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid, Enrique Cerezo Torres, presidente de EGEDA y de Platino Industria, Raúl Berdonés, presidente ejecutivo de la Fundación Secuoya y de Iberseries, Adrián Solar, presidente de FIPCA, Matilde García Duarte, coordinadora general del Ayuntamiento de Madrid, y Elisa García Grande, directora ejecutiva ICEX invest in Spain.

“Tras el éxito de la primera edición de Iberseries & Platino Industria, es evidente que la alianza entre ambas instancias fue un éxito y denota la necesidad que existía de la creación de este mercado como lugar de encuentro e intercambio de la profesión. Entre todos, lo convertimos en el mercado internacional de referencia de la industria audiovisual iberoamericana en una sola edición y con estos antecedentes tan positivos, inauguramos hoy la segunda edición de Iberseries & Platino Industria, que espero sea un éxito que supere a la del año anterior”, ha declarado Enrique Cerezo.

Iberseries & Platino Industria 2022 presenta una amplia y exclusiva programación de Actividades PRO, que engloba las secciones de Conferencias y Keynotes, Iberscreenings, Screenings Platino Cine, Foro de Coproducción y Financiación de Series, Foro de Coproducción Platino Industria – SSIFF, Pitch de Plataformas, Productoras y Distribuidoras, Pitch de las Comisiones de Filmaciones a los productores / Film Commissions to Producers, área de Mercado & Networking, Taller de Showrunners y sesiones de Cine y Educación (Exhibición y Encuentros Platino Educa), con alrededor de 300 actividades en su totalidad.  En este sentido, Enrique Cerezo ha expresado que “esta segunda edición repetirá el esquema de la anterior que tan buena acogida tuvo y habrá conferencias en torno a temas claves de negocio, creatividad, talento y plataformas, y por otro lado sobre educación, turismo y audiovisual, animación, videojuegos, inteligencia artificial, financiación y propiedad intelectual, además se mantienen las sesiones de pitching para plataformas. Se pondrá en marcha una sección de cine y educación y se incorporarán dos novedades muy interesantes: el Foro de Coproducción y Financiación de Series y el Foro de Coproducción Platino Industria, que se han presentado recientemente en el Festival de San Sebastián”.

Por su parte Raúl Berdonés, presidente ejecutivo de la Fundación Secuoya y de Iberseries, ha expuesto: “Lo más importante de esta cita es que se ha consolidado y hemos conseguido que más de dos mil personas tengan ahora en mente programar su agenda para el mes de septiembre. Había una oportunidad en este mercado, para ser atractivo, punto de encuentro y que fuese negocio, ya que con negocio todo sector crece, y es un hecho que esta segunda edición de Iberseries & Platino Industria se consolida en 2022. Se valora que aquí hay negocio y que importa estar presente en este mercado. A veces nos reconocen más fuera que dentro, nos ha costado impulsar al sector nacional desde dentro y, sin embargo, desde fuera, hay una clara apuesta desde el principio, una apuesta total y absoluta. Es una época de transformación del sector audiovisual, estamos en un cambio clave del modelo en el que tenemos que buscar más que nunca esa coproducción y esa sinergia con otros países y además arriesgar”.

Berdonés también ha recordado que nuestro país es el segundo de exportación de contenidos de Europa. La oportunidad de contenidos de ficción en España, según un informe de Price Water Hause, genera más de18 mil puestos de trabajo de calidad, talento y visibilidad hacia el exterior.

La consejera de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid, Marta Rivera de la Cruz, ha declarado: “La región madrileña se ha consolidado como uno de los principales centros de producción en Europa, donde solo el año pasado se rodaron 88 largometrajes, 119 cortometrajes, 68 series de ficción, 410 anuncios publicitarios y más de 250 proyectos televisivos y otros formatos audiovisuales. En los últimos años la Comunidad ha reforzado su apoyo al sector con diversas líneas de ayuda y subvención, destinando 2.400.000 euros en 2022, un 9% más de presupuesto que el año anterior. En la actualidad, aglutina más del 30% del total de empresas activas dedicadas a estas actividades en España, según datos de 2020 del Instituto Nacional de Estadística, lo que supone más del 75% de la cifra de negocios (7.329,8 millones de euros) y el 41% del personal ocupado (27.513 personas) a nivel nacional”.
“Desarrollar un mercado profesionalizado como el que vamos a vivir esta semana ha sido un reto para quienes han trabajado en la preparación de este gran evento. No vivimos tiempos fáciles en ningún sector y en ningún país, sin embargo, la industria audiovisual parece que está remontando”, ha revelado Adrián Solar, presidente de FIPCA.

Matilde García Duarte, coordinadora general del Ayuntamiento de Madrid, ha puesto de manifiesto el apoyo inquebrantable del Consistorio hacia el sector audiovisual y a la cultura. “El sector audiovisual es el mejor embajador de Madrid, es el que mejor enseña el talento de Madrid y uno de los grandes tesoros que tenemos es la lengua. En 2021, se rodaron en Madrid 44 largometrajes y 68 series y en lo que va del año se han rodado 38 series y 27 largometrajes. Queremos que esto siga creciendo, por lo que estamos preparando una ordenanza con las mejores condiciones para convertirnos en el mejor plató para rodajes”, ha apuntalado.

Platino Industria es el mercado del audiovisual iberoamericano, el turismo y la educación, estrechamente conectado con los Premios Platino, que tiene por objeto propiciar un espacio de oportunidad para la inversión en proyectos audiovisuales en español y portugués, de intercambio, contactos y negocio, creación de oportunidades para la coproducción, captación de rodajes y exportación de productos audiovisuales.

Iberseries es un evento internacional, punto de encuentro entre profesionales y público vinculados a la creación de series exclusivamente en español, siendo un espacio profesional y promocional donde estos profesionales puedan dar a conocer sus proyectos (presentaciones y exhibiciones) y establecer nexos culturales y económicos que mejoren el futuro de la industria española y latinoamericana.

EL TEATRO LARA NOS INFORMA SOBRE SU PROGRAMACION

El Teatro Lara nos informa que Juanma Pina dirige “PUNTO Y COMA”, una mordaz crítica al mundo del Show Business.

 “Punto y coma”, el estreno más aplaudido del Teatro Lara en la nueva temporada.

La bombonera de Don Cándido ha elegido la producción para celebrar su 142 aniversario, en colaboración con Montgomery Entertainment. Se trata de Punto y coma, que ha sido muy bien acogida por el público en su estreno absoluto.

El Lara recibirá también esta temporada la versión musical de uno de los grandes éxitos del Lara: Lavar, marcar y enterrar.

Para conmemorar su 142 aniversario, el Teatro Lara ha escogido el mejor camino para demostrar una vez más su compromiso con las artes escénicas: producir. De este modo, este mes ha estrenado a nivel nacional una producción propia en colaboración con Montgomery Entertainment, compañía teatral muy ligada a este teatro donde ha cosechado grandes éxitos como Lavar, marcar y enterrar. Se trata de Punto y coma, que ha sido la obra más aplaudida por el público desde su estreno.

Carmen Navarro y Amparo Vega-León sacan todo su arsenal interpretativo para este duelo al sol de dos actrices que se meten en el papel de dos mujeres inteligentes que ya han pasado los cincuenta a las que las une una compleja amistad pero las separan el simple miedo al fracaso.

JuanMa Pina dirige este montaje en el que se realiza una mordaz crítica al mundo del show business. Diálogos ágiles entre dos mujeres que ya no temen ni herir ni sufrir. Se puede disfrutar los sábados y domingos a las 18h15 y los viernes y sábados a las 20h15.

MÁS NOVEDADES

Como muestra de la identidad de este teatro, la cartelera de septiembre de la Sala Cándido Lara está habitada por comedias de alta calidad. Son La madre que me parió, comedia dirigida por Gabriel Olivares (Burundanga, El nombre, Cádiz) que regresó el 21 de septiembre; y El abanico de lady Windermere, la comedia más tentadora y escandalosa de Wilde estrenada en 1892 y con la que inició su producción teatral bajo la dirección de Ramón Paso.

Y, como gran novedad del mes de octubre: Lavar, marcar y enterrar. El gran éxito del Lara vuelve en versión musical  en un espectacular montaje que protagonizará Inma Cuevas (Vis a vis, La casa de los espíritus) y su estreno será el 21 de octubre en la sala Cándido Lara, donde se representará de viernes a domingo.

Aquí toda la programación.

"SAFO" LLEGA A LOS TEATROS DEL CANAL

TEATROS DEL CANAL nos informa que Christina Rosenvinge y Marta Pazos llegan con su ‘Safo’ a Teatros del Canal desde este jueves.

“Safo inventó nuestra manera de entender el amor. Esta noche, intentaremos entenderla a ella”. Bajo esta premisa, las creadoras Marta Pazos, Christina Rosenvinge y María Folguera aterrizan en la Sala Roja de Teatros del Canal con su nuevo espectáculo, Safo: un poema visual, musical y escénico que podrá verse en diez únicas funciones, desde este jueves al 9 de octubre.

Christina Rosenvinge firma la dramaturgia junto a Pazos y Folguera y asume, además, la dirección musical y la interpretación de Safo, así como la composición de las canciones originales que podrán escucharse en directo durante el espectáculo. De su mano, Safo es rock electrónico en estado puro. Precisamente, los temas musicales de Safo formarán parte de un nuevo disco que la artista planea grabar el próximo año.

Para Rosenvinge, esta es su primera vez como intérprete de un espectáculo teatral. En él ha querido evocar a la gran poeta de la antigüedad, cuya figura ha sido reinterpretada de muchas formas -todas inciertas- a lo largo de la historia. Su obra sufrió la censura del cristianismo y a nuestros días solo han llegado algunos poemas incompletos, fragmentos, pese a haber sido autora de más de diez mil versos.

Safo es, en realidad, un enigma. Su leyenda dio pie al término lesbianismo y llegó a ser tan famosa que se acuñó una moneda con su rostro. Platón la nombró la décima musa. Nacida en la isla de Lesbos, está considerada una de las grandes poetas de la Grecia antigua. Para Christina Rosenvinge: “Safo fue una estrella del pop en la antigüedad; es la primera de la estirpe a la que yo pertenezco. Ahora vivimos una época maravillosa para recrear su figura, imaginarla y recuperar su legado”.

Por su parte, el universo plástico y visual de la directora de escena Marta Pazos, una de las creadoras más relevantes de la vanguardia teatral española, inunda el escenario en una experiencia estética desbordante, con una escenografía que se inspira en referentes como Vanessa Beecroft, Paula Rego, Patty Carrol, Mathew Barney, Ángela de la Cruz o Christo and Jeanne-Claude. Con Safo, Pazos nos acerca una propuesta exuberante, que revive el deseo, el hedonismo y la sensualidad de quien pudo ser la primera cantautora de la historia. Safo escribía, componía y le cantaba al placer. De este modo, la puesta en escena de Pazos -velada como lo ha estado la figura de Safo a lo largo de los siglos- tiene el deseo como hilo conductor, para revivir la poesía personal y erótica de la gran poeta griega.

Para la dramaturga María Folguera, Safo está conectada con el hedonismo femenino: “Si profundizas en los poemas de Safo, lo que hay es una celebración del amor. No es un yo sufriente, sino un yo deseante. No hay que olvidar que es el primer yo deseante de la historia. Safo fue quien introdujo la subjetividad en la poesía. Antes todo había sido poesía épica”. Y continúa: “Nuestra mirada quiere reconocer a la Safo poeta, de la que se sabe muy poco biográficamente, pero sobre la que operan todo tipo de mitos. Traer a las Musas a escena nos permite jugar con esas dudas y proyecciones. El teatro es el lugar para el encuentro de lo irresoluble, un sitio donde por fin podemos hacer, por ejemplo, que Safo pida cuentas a Ovidio por alterar su mito con una leyenda falsamente biográfica”.

En el elenco de Safo destacan virtuosas creadoras, músicas e intérpretes de la escena musical y teatral contemporánea -Irene Novoa, Xerach Peñate, Lucía Rey, Juliane Heinemann, Lucía Bocanegra, María Pizarro y Natalia Huarte-, que arropan sobre las tablas a la propia Rosenvinge en la piel de Safo.

La transversalidad de este equipo de artistas femeninas está presenta en Safo en todo momento: música, poesía, danza, performance, textos y escenografía se funden en escena de un modo singular y conviven en un conjunto de bellas y poderosas imágenes que buscan aproximar la figura de la poeta a la contemporaneidad.

“Un exorcismo pletórico y abrumador", según la crítica

Tras su estreno absoluto en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y su paso por el prestigioso Grec Festival de Barcelona este verano, la obra ha recibido una calurosa acogida -no exenta de debate- por parte del público y la crítica, que ha destacado de ella:

“En Safo, impresionante espectáculo musical, las cocreadoras Christina Rosenvinge, Marta Pazos y María Folguera, junto con las siete intérpretes, conjuran un exorcismo pletórico y abrumador. El escenario es un aquelarre (…). Safo es a la vez un resarcimiento o, mejor dicho, un acto de justicia poética, y una estocada directa al presente” (El País, Amanda Mauri).

“Un proyecto que no deja indiferente y que muestra que las artes escénicas tienen su gran cómplice en la libertad creativa y la falta de límites. Safo es teatro en estado puro” (Teatre Barcelona, Sílvia Moreno Palomar).

“Referencias al mundo clásico, a la mitología, a la sociedad griega… nos muestran que, antes de poner a Safo en escena, ha habido un trabajo de investigación largo y riguroso. Christina Rosenvinge, Marta Pazos y María Folguera querían hacer las cosas bien hechas, y lo han logrado” (Espectáculos BCN, Nicolas Larruy).

Los Teatros del Canal de Madrid serán ahora testigo de esta propuesta escénica única, que recorre el universo de la gran poeta de Lesbos, venerada y enigmática, que compuso más de diez mil versos, de los que apenas nos han llegado poemas completos.

Sobre el espectáculo

En un jardín de Lesbos, isla entre Oriente y Occidente, la poeta Safo ha convocado a las Musas protectoras del arte para saber qué será de su nombre. Las diosas detienen su juego para iniciar a Safo en un viaje a través del tiempo: de Ovidio al siglo XXI, de los versos perdidos a una subasta en Christie’s. Pero también nos acercaremos a la Safo humana, a la artista que tocaba en bodas y cantó al deseo por distintas mujeres. Safo inventó nuestra forma de entender el amor. Esta noche, de la mano de las Musas, intentaremos entenderla a ella.

Safo es un poema escénico, musical y visual que explora la figura de la gran poeta de Lesbos. Enigmática y misteriosa, es una autora venerada hasta hoy, que compuso más de diez mil versos, de los que sin embargo nos han llegado escasos poemas completos y versos sueltos. En contraste con la clamorosa ausencia de su obra, su figura legendaria no ha hecho más que crecer con el tiempo.

Esta propuesta escénica recorre el universo sáfico a través de lo imaginado, lo proyectado, lo especulado por los estudiosos y artistas a lo largo de los siglos, y reconstruye a partir de lo que quedó -los enigmáticos versos incompletos, la influencia en autores posteriores como Ovidio, Catulo, Nosis o Erina-, lo que pudo ser y lo que significa Safo en un canon mayoritariamente masculino que durante siglos ha intentado reinterpretar su figura según los valores y prejuicios de cada época. Un juego metateatral, un diálogo entre presente y pasado para celebrar a Safo.

Safo es una coproducción de Teatre Romea, Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Grec 2022 Festival de Barcelona.

GODLAND: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Dinamarca, Islandia, Francia y Suecia, Godland, está escrita y dirigida por Hlynur Palmason. “Hay demasiadas palabras para la lluvia”

Nos encontramos a finales del siglo XIX en Dinamarca. El obispo (Waage Sandø) está aleccionando a uno de sus sacerdotes, Lucas (Elliott Crosset Hove), quien es destinado a una zona rural y remota de Islandia. Su misión es construir una iglesia y fotografiar el lugar y a sus habitantes. Su superior le informa sobre los problemas a los que se tendrá que enfrentar y que ante ninguna circunstancia, abandone el proyecto. Lucas emprenderá un largo viaje hasta llegar a su destino, pero las cosas no saldrán como él espera.

El guionista y director, Hlynur Palmason, se graduó en la Escuela Nacional de Cine de Dinamarca en 2013. Se inició en el cortometraje con “En dag eller to” 2012 continuando con “En maler” 2013 y “Seven Boats” 2014 para debutar en el largometraje con “Winter Brothers” 2017 al que siguió “Un blanco, blanco día” 2019. Este año 2022 ha estrenado el cortometraje “Nest” y el largometraje “Godland”.

Godland ha sido rodada en formato cuadrado o también conocido por 1.33:1 académico o 4:3, cuyos bordes se han redondeado. Nos recuerda a las estampas de otros tiempos, de finales del siglo XIX e inspirándose, como nos comentan al comienzo, en siete fotografías de placa húmeda que fueron tomadas por un sacerdote danés.

Palmason somete al espectador a un duro ejercicio de paciencia e incluso de sometimiento a la climatología reinante en esos parajes, prácticamente abandonados de la Islandia más profunda en tiempos coloniales, en los cuales las disputas entre ambos países, Dinamarca e Islandia, eran bastante evidentes. Desde el comienzo podremos escuchar frases lapidarias como las pronunciadas por el guía del grupo, Ragnar (Ingvar Eggert Sigurðsson) llamando “diablo danés” al sacerdote, mientras le prepara un caballo y le enseña como montar, de forma correcta.

En ese comienzo, en ese largo y duro camino, que junto a los guías emprende el sacerdote, oiremos cánticos tradicionales, seremos testigos de cómo guarecerse en las noches frías en esos territorios desolados, del encuentro con comerciantes que venden pasto para los caballos, el desollar a una oveja para poder alimentarse o el relatarse historias de antaño al abrigo de las fogatas; pues el camino, el largo camino da para todo, inclusive para los primeros enfrentamientos, mientras se trasladan a pie o sobre los caballos. Un auténtico viacrucis para el sacerdote, que llegará exhausto al destino tanto en cuerpo, como en pensamiento.

Mientras asistía a esa primera parte del filme, a esa dura peregrinación, a mi mente llegaron los recuerdos de otra película reciente,  “Lunana: A Yak In The Classroom” de Pawo Choyning Dorji. En aquella ocasión era un maestro quien debía llegar a un pequeño pueblo para enseñar a los niños y en ésta, le toca a un sacerdote con el cometido de levantar una iglesia; aun en sus diferencias, los objetivos de ambas películas son claros, el presentarnos al ser humano en su estado más natural frente al que viene de la civilización, debiendo adaptarse al nuevo idioma, a los lugareños y a esos lugares vírgenes y perdidos, que han sido abrazados por la naturaleza más abrupta. Una naturaleza que les habla con su propio lenguaje, que les curte con la climatología que les rodea y  lo que encierra en sus entrañas.

Godland, se presenta al espectador como un filme contemplativo, que se apoya en el impresionante paisaje de Islandia, deslumbrándonos con sus ríos, lagos y glaciares y los más de 200 volcanes que sufren erupciones, cada determinado tiempo, siendo testigos del poder de uno de ellos, así como el percibir esa atmósfera adversa en la que predominan la nieve, las lluvias y los fuertes vientos. Hlynur aprovecha y se explaya en lo bucólico de estas estampas, al más puro estilo documental fraccionado, en medio de la historia que desea contar, para convertirlo en protagonista de excepción y con ello realizar, cómodamente, las transiciones que el filme requiere.

La narración recibe un corte radical sobre la mitad de la misma, justo en el momento en el que un volcán entra en erupción y observamos como su lava incandescente, negra y espesa, se va adueñando de un espacio determinado. Una explosión que vaticina el cansancio acumulado, las diferencias en el idioma, los enfrentamientos dialecticos principalmente con Ragnar, quien se niega a hablar en danés, considerando a Lucas como un usurpador, más cuando el sacerdote en vez de acercarse al pueblo, parece tratarles con desdén, considerando a los islandeses como gente tosca. Un ejemplo de ese desprecio lo encontramos cuando la iglesia está prácticamente terminada y se niega a celebrar una boda en su interior. Un filme que respira arrogancia, luchas internas y rivalidades por la tierra que pisan, abriéndose paso a través de la vida y la muerte que forman parte del entorno y deambulando entre los habitantes, como fantasma en busca de almas desorientadas.

Entre los acordes de las acordeones que suenan en medio de las estampas rústicas y festivas, la narración se alarga desplegando las costumbres de esos colonos con sus miedos y cautelas como Carl, que prefiere que el sacerdote viva, mientras se levanta la iglesia, en el establo preparado para él, que en su casa con sus dos hijas casaderas, Ida y Anna, pues se le disparan todas las alarmas cuando Lucas, mira a una de ellas, con mirada lasciva.

Un filme marcado por los largos travellings y los planos generales, acercando la cámara en aquellos instantes en los que el director desea escrutar en la intimidad de los protagonistas y en detalles concretos. Cuenta con importantes interpretaciones y disfruta de una excepcional y deslumbrante fotografía en la mirada de María von Hausswolff, acompañada por una banda sonora naturalista y dramática en la partitura de Alex Zhang Hungtai, la cual se funde sutilmente entre los escenarios y los sonidos de la vida. Un film no apto para un público impaciente, pues la lentitud es la seña de identidad de este director islandés.

Ganadora del PREMIO ZABALTAGI-TABAKALERA en la 70ª Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de enero 2023

REPARTO: Elliott Crosset Hove, Ingvar Eggert Sigurðsson, Vic Carmen Sonne, Jacob Lohmann, Ída Mekkín Hlynsdóttir, Waage Sandø y Hilmar Guðjónsson.

PRODUCTORA: Snowglobe Films// Join Motion Pictures// Maneki Films// Garagefilm Intertational//Film I Väst.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: A Contracorriente Films.

GALA DE CLAUSURA DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN

El sábado tuvo lugar la Gala de Clausura de la 70ª Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián y estos fueron los galardonados.

PALMARÉS DEL FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2022

CONCHA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA

Los Reyes del Mundo de Laura Mora

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO

Runner de Marían Mathias

CONCHA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN:

Genki Kawamura por Kyakka (A Hundred Flowers)

CONCHA DE PLATA A MEJOR INTERPRETACION PRINCIAL

Ex aequo para: Carla Quílez por La Maternal y Paul Kircher por Le Lycéen 

CONCHA DE PLATA A MEJOR INTERPRETACION DE REPARTO

Renata Lerman por La Suplente

PREMIO DEL JURADO A MEJOR GUION

Wang Chao por A Woman

PREMIO DEL JURADO A MEJOR FOTOGRAFÍA

Manuel Abramovich  por Pornomelancolía

PREMIO ZABALTAGI-TABAKALERA

Godland de Hlynur Pálmason

PREMIO NEW DIRECTORS

Fifi de Jeanne Asland y Paul Saintillan

PREMIO HORIZONTES

Tengo sueños eléctricos  de Valentina Mauriel

PREMIO DEL PÚBLICO

Argentina, 1985 de Santiago Mitre

PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELÍCULA EUROPEA

As Bestas de Rodrigo Sorogoyen

PREMIO IRIZAR A LA MEJOR PELÍCULA VASCA

Suro de Mikel Gurrea

MENCIÓN ESPECIAL PREMIO IRIZAR AL CINE VASCO

A los libros y a las mujeres canto de María Elorza

PREMIO COOPERACIÓN ESPAÑOLA

Ruido de Natalia Beristáin

PREMIO TCM DE LA JUVENTUD

A los libros y a las mujeres canto de María Elorza

PREMIO RTVE OTRA MIRADA

El techo amarillo de Isabel Coixet

PREMIO DONOSTIA DEL FESTIVAL

Juliette Binoche

PREMIO DONOSTIA DEL FESTIVAL

David Cronenberg

OTROS PREMIOS DEL FESTIVAL

PREMIO FEROZ ZINEMALDIA

Los reyes del mundo de Laura Mora

PREMIO DUNIA AYASO

Secaderos de Rocío Mesa

MENCIÓN ESPECIAL PREMIO DUNIA AYASO

El techo amarillo de Isabel Coixet

PREMIO FIPRESCI

Suro de Mikel Gurrea

PREMIO EUSKAL GIDOIGILEEN ELKARTEA

Suro de Mikel Gurrea

PREMIO SEBASTIANE

Something you said last night de Luis de Filippis

PREMIO LURRA

Alacarràs de Carla Simón

PREMIO AGENDA 2030 EUSKADI BASQUE COUNTRY

Tori et Lokita de Jean-Pierre y Luc Dardenne

PREMIO SIGNIS

Los reyes del mundo de Laura Mora

MENCION ESPECIAL PREMIO SIGNIS

Runner de Marian Mathias