sábado, 10 de abril de 2021

CINE Y FESTIVALES (VI)

 

MADAVENUE PR. COMMUNICATIONS informa que “MÍA Y MOI”, ópera prima de BORJA DE LA VEGA, en el D’A FILM FESTIVAL.

Está protagonizada por Bruna Cusí,  Ricardo Gómez,  Eneko Sagardoy y Joe Manjón, es la única película española en TALENTS, la sección oficial a competición del festival.

“MÍA Y MOI”, de Borja de la Vega, tendrá su estreno mundial en el D’A FIlm Festival, el Festival de Cine de Autor de Barcelona. Competirá en la sección oficial, Talents, siendo la única película española a concurso en esta edición.  

El 21 de mayo se estrena en cines este drama protagonizado por cuatro de los mejores intérpretes del cine español: los ganadores del Goya Bruna Cusí y Eneko Sagardoy; Ricardo Gómez y el actor de origen galés Joe Manjón. 

“MÍA Y MOI” es una producción de Paciencia y Barajar, Toned Media y FTFcam y supone el debut en la dirección de Borja de la Vega, representante de actores en la agencia Kuranda.

SINOPSIS: Tras perder a su madre, Mía y Moi se refugian en una destartalada casa familiar, en el campo, en mitad de la nada. Con ellos, Biel, el novio de Moi. 

Juntos los tres, tratan de descansar y sanar las heridas. Sobre todo en el caso de Moi, que se recupera de una fuerte crisis nerviosa. Son días de recuperar recuerdos familiares, algunos dolorosos, de reencontrarse, de vivir sin prisa. 

La llegada de Mikel, el novio de Mía, alterará la convivencia y perturbará de distinta manera a cada uno de los habitantes de la casa. La tensión va creciendo hasta que estalla en un acto de violencia de consecuencias irreversibles.

NOTAS DEL DIRECTOR

“Sin duda la familia es el tema central de la película, más concretamente la herencia familiar. La casa destartalada donde viven es un símbolo perfecto de la herencia vital que Mía y Moi han recibido de sus padres. Crecer en una familia en la que el padre abusaba de forma constante de su madre ha marcado a los dos hermanos. ¿Cómo ha afrontado cada uno de ellos esta realidad? ¿Cómo ha definido sus personalidades tan distintas?”, comenta de la Vega.

“Cuatro personajes aislados dan lugar a tantas combinaciones como personas hay en la casa. La obsesión de Mikel con el hermano de su novia, la amistad naciente de Biel y Mikel, excluidos del círculo fraternal, el odio de Moi hacia Mikel... sentimientos que subyacen y amenazan con salir a la superficie”, concluye.

“Mía y Moi” es el primer largometraje escrito y dirigido por Borja de la Vega, representante de actores en Kuranda desde 2013, agencia que dirige junto a su fundadora Katrina Bayonas desde hace 6 años. 

Antes de dedicarse a la representación, trabajó durante casi 10 años en el sector de la distribución cinematográfica, concretamente en los departamentos de marketing de Fox y Universal. 

En su faceta como creador, fue guionista y director, junto a Carlos del Hoyo, de la webserie Diarios de la Webcam, adquirida por Antena 3 y emitida por televisión en el canal Neox. Su siguiente proyecto, ya en solitario como guionista y director, fue la webserie 60m2, un drama naturalista sobre un complicado triángulo amoroso. 

En 2017 debutó como autor y director teatral con la obra Amor de niños, representada en la sala Intemperie Teatro de Madrid y protagonizada por Andrea Guasch y Joe Manjón. MÍA Y MOI es su primera película. 

TONED MEDIA ESTRENARÁ MÍA Y MOI EL 21 DE MAYO EN CINES.

DYP COMUNICACIÓN nos informa que “EL VIENTRE DEL MAR” de  AGUSTÍ VILLARONGA participará en la Sección Oficial a Concurso del MOSCOW INTERNATIONAL FILM FESTIVAL, que se celebrará entre el 22 y el 29 de Abril.

EL VIENTRE DEL MAR, con guion y dirección de Agustí Villaronga,  ha sido seleccionada para participar en la  43 Edición del MOSCOW INTERNATIONAL FILM FESTIVAL, el segundo festival  internacional de cine más antiguo del mundo y de reconocido prestigio a nivel mundial, que se celebrará entre el 22 y 29 de abril, próximos.

La película, protagonizada por Roger Casamajor, Oscar Kapoya y Mumi Diallo, está producida por Testamento y  La Perifèrica Produccions  en coproducción con Turkana Films / Link-up Barcelona / Bastera Films.

EL VIENTRE DEL MAR, cuyo rodaje tuvo lugar íntegramente en la isla de MALLORCA durante el  pasado mes de agosto, cuenta con la participación de TV3 e IB3, el soporte del ICEC y la financiación del Gobierno de España (ICAA), además del patrocinio de la Fundació Mallorca Turisme y la Mallorca Film Commission. 

Inspirada en un texto de Alessandro Baricco, El VIENTRE DEL MAR es una película basada en hechos reales. Tras el naufragio de un buque, 147 hombres intentan salvarse, confinados en una balsa a la deriva en medio del mar. . Este naufragio fue inmortalizado por Théodore Géricault en el famoso lienzo “La balsa de la Medusa”, conservado en el Museo del Louvre. El escritor italiano Alessandro Baricco narra estos hechos en la novela Oceano Mare, concentrados en un capítulo titulado “El Vientre del mar”.

SINOPSIS: Junio de 1816. La fragata Alliance, de la Marina francesa, embarranca ante las costas de Senegal. Como los botes disponibles para la evacuación no son suficientes para acoger a todos los tripulantes, se construye una precaria embarcación en la que obligan a subir a 147 hombres: soldados, marineros, algún pasajero y unos pocos oficiales. El plan previsto es que los botes remolquen la balsa hasta la orilla pero el pánico y la confusión se apoderan del convoy y cortan la soga de remolque, abandonando la balsa a su suerte. El hambre, la inclemencia del mar, la locura y una lucha encarnizada se desata en aquella balsa a la deriva.
Un horror que duró días y días.

De esos 147 hombres sólo nueve lograron salvar sus vidas. Entre ellos estaban Savigny, un oficial médico implacable y Thomas, un rebelde marinero raso. Enfrentados, viven esos hechos mostrando diferentes actitudes para sobrevivir.

AGUSTÍ VILLARONGA (Palma de Mallorca, 1953), es sin duda, una  de las voces más personales del cine europeo. Siempre transgresor, se mueve por caminos valientes e implacables. A veces viaja por el cine de género pero con frecuencia lo desborda, explorando con rigor territorios poco frecuentados, colocándose sin paliativos en la parte del mal y la muerte como exorcismo y reflexión profunda.

Sus películas han sido premiadas en Festivales de Berlín, Cannes, Montreal, San Sebastián, Tokio... y en dos ocasiones ha sido seleccionado para representar a España y México en los Oscar de Hollywood.

De su filmografia han salido títulos como Tras el Cristal (1985) El hijo de la luna (1989) El mar (2000) Aro Tolbukhin (2002) Pa negre (2010) El rey de La Habana (2015) Gloria incierta (2017) Nacido rey (2018).

WANDA VISIÓN informa que Isabelle Huppert presentará MAMÁ MARÍA junto a Jean-Paul Salomé en el Barcelona Film Festival

La gran dama del cine francés, Isabelle Huppert, llega a la cartelera de nuestros cines con MAMÁ MARÍA, del director Jean-Paul Salomé, que se estrenará el próximo 23 de abril tras su paso por el Barcelona Film Festival.

La ganadora de un Globo de Oro y nominada al Oscar por ELLE, protagoniza esta inteligente thriller con puntos de comedia donde Patience, una intérprete que trabaja para la policía con una aparente vida normal, se convierte en Mamá María, la jefa de una red de venta de marihuana. 

Isabelle Huppert es: 50%POLI 50%NARCO 100%PURA

Sinopsis: Patience es una traductora especializada en escuchas telefónicas para la brigada de estupefacientes. El trabajo es duro y mal pagado. Durante una investigación descubre que uno de los traficantes a los que escucha es el hijo de la entregada enfermera que cuida de su madre. Decide encubrirle y, sin apenas planearlo, se encuentra con un importante alijo. Con la ayuda de su nuevo compañero, un ex perro policía, aprovecha la oportunidad y se convierte en Mamá María encabezando una red de venta de marihuana gracias a sus conocimientos de la calle y a toda la información que consigue a través de su trabajo.

viernes, 9 de abril de 2021

CUÑADOS: CRÍTICA DE CINE

 

CUÑADOS está dirigida por Toño López con guion de Araceli Gonda. “De esas comedias que se disfrutan de principio a fin”

Eduardo (Miguel de Lira) recibe una carta en la cual le comunican que por una negligencia con los materiales de construcción con los que trabaja, deberá abonar una fuerte suma de dinero y su cuñado Sabonis (Xosé A. Touriñan) se siente abatido ante la petición de divorcio de su mujer, Peque  (María Vázquez). Cuando Eduardo informa a Sabonis, de lo que le pasa, este toma la loca decisión de secuestrar a Modesto (Federico Pérez Rey), el cuñado de Alicia Zamora, la empresaria que ha engañado a Eduardo. El primer problema surge cuando Alicia decide no pagar el rescate y Modesto les propone un plan alternativo y  más audaz. 

Cuñados llega a las salas de la mano de Toño López, quien dirige su ópera prima, en el largometraje, tras haber pasado por la televisión con gran éxito en series como “Auga Seca”, “Luci” o “Matalobos”. Ahora, invade las pantallas de los cines con esta comedia loca, loca, loca, como dice la canción y la propia vida, aunque él lo lleva un poco más allá, con tres actores que están en estado de gracia, contagiando ese  arte y saber hacer a todos sus compañeros de reparto y traspasando las pantallas, para el deleite de los espectadores. 

Estamos ante una comedia de enredos a la gallega aderezada con los mejores ingredientes, entre los que se encuentran: el pulpo, el vino de Ribeiro, la música de Lamatumbá y como postre, el Club Ourense de Baloncesto, haciendo honor y homenaje a la tierra madre del director, Toño López y su productor, Alfonso Blanco; entre otros componentes del equipo y por supuesto, rodada en el idioma original, el gallego, aunque también se podrá ver en versión Española. Las claves para una buena comedia deben estar, primero, en un buen guion, sí, el guion de cualquier película es importante, pero el de una comedia y me repito de otras críticas, es imprescindible y Araceli Gonda, obtiene una buena nota, acercando el humor del pueblo gallego, a todos los espectadores, de nuestra generosa geografía. En segundo lugar, la dirección debe de ser ágil y no caer en lo vulgar y Toño López, en su debut cinematográfico, efectivamente consigue mantener ese fino equilibrio entre la escena, los personajes, el guion  y por supuestos las pausas, tan importantes, para no sobrecargar la narración, pues toda obra, sea del género que sea, precisa respirar y Toño lo sabe, y en tercer lugar, los actores, quienes dan vida a la historia. Reparto actoral que presiden con todo derecho: Miguel de Lira como Eduardo, Xosé A. Touriñan en el papel de Sabonis y Federico Pérez Rey interpretando a Modesto. Y si bien los tres están fantásticos, personalmente me decanto por la loca y disparatada naturalidad que ofrece Xosé, rayando la hilaridad absoluta, con sus ocurrencias más descabelladas. Me reitero, todos están divertidísimos y campechanos, incluyendo al resto del elenco actoral. Termino mencionando la jovial banda sonora compuesta por Santi Jul y la correcta fotografía de Jaime Pérez Fernández. Es tiempo de olvidar las penas y reír un poco, así que nada mejor que este filme, en la gran pantalla, para salir con una gran sonrisa en el rostro y el alma relajada. 

Mi nota es: 7

ESTRENO en ESPAÑA: 9 de Abril

REPARTO: Xosé A. Touriñán, Miguel de Lira, Federico Pérez, Eva Fernández, Iolanda Muíños, María Vázquez, Mela Casal

PRODUCTORA: Portocabo// Televisión de Galicia (TVG)

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Filmax.

jueves, 8 de abril de 2021

LA NUBE: CRÍTICA DE CINE

La Nube está dirigida por Just Philippot con guion de Jérôme Genevray y Franck Victor. ¿Hasta dónde es capaz de llegar el ser humano, para alcanzar sus metas?

Virginie (Suliane Brahim) vive junto a sus dos hijos adolescentes, Laura (Marie Narbonne) y Gaston (Raphael Romand). Tiene un negocio de cría de saltamontes comestibles, un negocio que no le va muy bien por mucho que luche por sacarlo a flote. Un día, tras un extraño incidente, las cosas comienzan a cambiar y Virginie se dedica en cuerpo y alma  hasta el punto de ampliar considerablemente el negocio, pero ese cambio tendrá un precio, un alto precio que repercutirá en la estabilidad de la familia y algo más.

El guionista y director, Just Philippot, obtuvo un Máster en cine por la Facultad de París VIII. Dirigió  cuatro cortometrajes: “A minuit, ici tout s`arrête” 2011,  “Breath” 2015, “Acide” y “4 histoires fantastiques” 2018. Fue guionista junto a Vital Philippot de “Tennis Elbow” 2012 y “Denis Et Les Zombies” 2015 y en 2020 presentó su ópera prima en el largometraje, “La Nube” que ha obtenido el Premio Especial del Jurado y Mejor Actriz para Suliane Brahim, en el Festival de Sitges 2020.

Un filme extraño que navega entre el drama familiar y el terror más inusual e incluso desagradable y con el que Just Philippot, debuta en el largometraje de forma acertada, llevando a la gran pantalla este curioso guion escrito por Jérôme Genevray y Franck Victor. Una historia pausada que no lenta, en la que al espectador se le despiertan no solo las alertas, cuando sabe que está en presencia de un filme de terror y busca, en parte, no verse sorprendido, sino además, la curiosidad ante la presentación de los personajes y el entorno en el que se va a desarrollar la acción. Una casa, un trozo de terreno y unos invernaderos en los cuales se crían dichos insectos. Una nueva película minimalista que de entrada entretiene y sorprende. ¿Terror? ¿Tensión? ¿Drama? ¿Suspense?. Eso lo decidirá el espectador, pues ante todo, lo que no deja, es indiferente.

Los efectos digitales y el sonido resultan tan simples como ingeniosos, hasta el punto de pensar en algunos instantes, que son reales. Están milimétricamente incorporados en ese ambiente rural y natural en el que viven esos bichitos, que como dice en un momento uno de los protagonistas, parece que están gritando. Un zumbido que segundo a segundo, va penetrando de tal manera en nuestros oídos, que llegamos a sentir desagrado; sin contar, lo que más tarde se irá viendo o creer ver.

Al principio formulaba la pregunta de hasta dónde es capaz de llegar el ser humano para alcanzar sus metas, o debería decir su ambición y obsesión, porque este, junto a la familia, es uno de los grandes temas que trata la obra. Alcanzar al precio que sea un sueño, aunque para ello dejes de lado a la familia, a los que te rodean e incluso pueda peligrar la propia integridad; y es que este filme, a diferencia de otros largometrajes de terror, se sustenta en sus personajes de carne y hueso, en la humanidad que destilan, en los deseos tan diferentes que tienen los unos y los otros y principalmente, en la unidad familiar. Aunque la familia pueda peligrar, existir diferencias, ante todo debe permanecer unida y si se puede, de paso, feliz. 

La nube tiene muchos simbolismos ocultos que tal vez en un primer instante no se muestren y sean, como me ha pasado a mí, desvelados cuando reflexionas sobre lo que has visto e incluso, escuchado en unos diálogos sencillos, pero importantes en el contexto. Las interpretaciones de los tres protagonistas principales, resultan de lo más naturales, los dos jóvenes te convencen con su ingenuidad y rebeldía, mientras que Suliane Brahim como Virginie, lo hará a través de su aplomo, coraje y obsesiones; mencionar también a Sofian Khammes, como Karin, el vecino al que ella ayudó en su momento y que le sirve de consuelo, cuando ella quiere y quien a diferencia de nuestra protagonista, él se dedica a la plantación de viñedos.

Esta obra sencilla, pero muy interesante, ha contado con una cuidada fotografía de Romain Carcanade y la inquietante banda sonora, que parece fundirse con los sonidos de la naturaleza, a cargo de Vincent Cahay.  Comentaros para finalizar que en el último Festival de Sitges, obtuvo el Premio Especial de Jurado y el más que merecido a la mejor actriz, para Suliane.

Mi nota es: 7

ESTRENO en ESPAÑA: 9 de Abril

REPARTO: Suliane Brahim, Nathalie Boyer, Marie Narbonne, Victor Bonnel, SDofian Khammes y Raphael Romand.

PRODUCTORA: arte France Cinéma// Capricci Films// The Jokers Films.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Capricci Cine.

miércoles, 7 de abril de 2021

SOUND OF METAL: CRÍTICA DE CINE

Sound of Metal,  está dirigida por Darius Marder compartiendo guion con Abraham Marder.

El batería Ruben (Riz Ahmed) forma parte del dúo de metal Blackgammon, junto a su novia Lou (Olivia Cooke), quien además de cantar, toca la guitarra. Son felices viviendo como nómadas en una caravana equipada con lo que precisan, mientras ofrecen conciertos por todo el país. Un día Ruben siente que por momentos pierde la audición y acude a una farmacia. Le recomiendan que visite a un especialista para que le realice una prueba de audición. El especialista le informa que a partir de ese momento solo será capaz de oír entre un 20 a un 30% y que la única solución para poder recuperar parte de la audición, es someterse a una operación de implante coclear, cuyo costo es bastante elevado y no lo cubre el seguro. La vida de Ruben cambiará al ingresar en un grupo de sordos para aprender, como reza el lema, a ser sordo; pero Ruben no está dispuesto a tirar la toalla.

Sound of Metal tuvo su estreno en el Festival Internacional de Cine de Toronto el 6 de Septiembre de 2019 y el 4 de diciembre del pasado año en la plataforma Amazon Prime, cosechando desde entonces un importante éxito. Una historia sencilla en su planteamiento y que conlleva el drama por el que debe pasar una persona que de la noche a la mañana, pierde el sentido del oído. Tal vez, el impacto que le causó a Darius el ver como su abuela se quedaba sorda de repente tras tomar una medicación, le ha llevado a escribir junto a su hermano Abraham, este guion que ha dirigido con gran emotividad. El filme ha sido nominado a 6 Oscar (Mejor Película, Mejor Actor protagonista, Mejor Actor de reparto, Mejor Guion original, Mejor Montaje y el Academy Award for Best Sound)

El editor, guionista y director, Darius Marder, no fue muy buen estudiante, pero con 18 años enseñaba literatura a estudiantes de secundaria. Trabajaría como asistente editorial y alcanzó un importante éxito dirigiendo su primer documental con guion propio,  “Loot” 2008. Ha sido guionista de “El lugar donde todo termina” 2012 de Derek Cianfrance. Su primer largometraje en la dirección de ficción llegó en 2019 con “El sonido del metal” que ahora llega a nuestras pantallas.

Los sentidos y sentimientos se apoderan de la pequeña pantalla, al menos en nuestro país, al haber sido estrenada en la Plataforma Amazon Prime, ante este retrato doloroso y reflexivo sobre la pérdida de la audición, en este caso en la figura de un batería de música. Una historia que nos atrapa en su sencillez y en sus magníficas interpretaciones, principalmente las de Riz Ahmed, Olivia Cooke y Paul Raci en un filme inmersivo, como el que tantas veces nos obsequia ese nuevo cine independiente norteamericano, que pasito a pasito, se ha ido labrando un lugar importante en la cinematografía del país, con temas muy actuales que profundizan en las emociones y sentimientos más humanos y a la vez, acariciando la vulnerabilidad del ser. 

La estrella, además del director, es Riz Ahmed, logrando empatizar con el espectador en  una sobria, natural y maravillosa interpretación a través de sus expresiones corporales, intensas miradas que van desde el desconcierto al temor, pasando por los sentimientos encontrados y haciéndonos sentir incómodos y relajados en medio de ese nuevo mundo que le toca experimentar, el mundo de los silencios. Ese mundo en el que viven las personas sordas, algunas incluso desde su nacimiento, y aquellas que han dado el paso de someterse a una operación de implante coclear, porque la situación era propicia, descubriendo por primera vez los colores del sonido o recuperando lo perdido. Riz pasará por todos los estados, desde la ira, la negación, la frustración, el dolor o la impotencia, por mencionar algunos de ellos y es que junto a Ruben, descubriremos el verdadero valor de la pérdida, de la caída más profunda, hasta volver a alzar el vuelo y percibir que la vida tiene muchos más matices, cuando somos conscientes de ello. Riz a través de Ruben, destila verdad y honestidad, al igual que todos sus compañeros de reparto, entre los que quiero destacar a su compañera de viaje Olivia Cooke y Paul Raci como Joe, quien le mostrará ese mundo desconocido para él. Una obra que lucha por la aceptación y saber afrontar los cambios, no dándose jamás por vencidos. Todo lo expuesto, lo advierte el espectador de forma innata, durante el acertado metraje. 

Además de lo ya mencionado y esa dirección tan sutil, elegante y directa  que nos da la sensación de estar captando la vida en directo, pues nada está forzado, ni siquiera los momentos más dramáticos, hay que destacar el magnífico diseño de sonido, como parte del alma de la historia. Él habla por aquello que no se puede escuchar, pero sí presentir. 

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 4 de Diciembre 2020 Sigue disponible en la plataforma Amazon Prime Video.

REPARTO: Riz Ahmed, Olivia Cooke, Paul Raci, Mathieu Amalric, Tom Kemp, Bill Thorpe, William Xifaras, David Arthur Sousa, Michael Tow, Marisa Defranco, Lauren Ridloff, Jamie Ghazarian, Chris Perfetti, Hillary Baack y Chelsea Bond.

PRODUCTORA: Caviar Films

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Amazon Prime Video.2020: Premios Independent Spirit: Nominada a mejor ópera prima, actor y actor sec.

martes, 6 de abril de 2021

DOCUMENTALES MOVISTAR+ ABRIL 2021

“The Bee Gees”, “El nuevo supremacismo blanco” y “Gervasio Sánchez. Álbum de posguerra”, entre los documentales destacados de abril en Movistar CineDoc&Roll (dial 31) y también disponibles en el servicio bajo demanda de Movistar+.

THE BEE GEES

Desde el viernes 16 de abril en Movistar CineDoc&Roll (dial 31) y disponible en el servicio bajo demanda de Movistar+.

Australia, 1958. Los hermanos Gibb sueñan con formar una banda y saltar al estrellato musical como en su día hicieron The Beatles. Muy unidos desde pequeños y asesorados por su padre, los jóvenes graban sus primeras maquetas y realizan sus primeras actuaciones. 'The Bee Gees' (Frank Marshall) es el documental definitivo sobre estos tres hermanos que alcanzaron el éxito con la banda sonora de 'Fiebre del sábado noche', aunque durante el camino también hubo pérdidas y tristeza. 'Stayin' Alive', 'Night Fever' o 'How Can You Mend a Broken Heart' son sólo algunos de los temas más famosos de este grupo de culto que sigue triunfando y ha perdurado durante más de medio siglo. Los gemelos Maurice y Robin y Barry Gibb formaron una alianza creativa sin precedentes. Narrado por el mismísimo Barry Gibb, este documental autorizado cuenta con la participación de Noel Gallagher, Chris Martin, Justin Timberlake o Nick Jonas, entre otros. 

EL NUEVO SUPREMACISMO BLANCO 

Desde el domingo 18 de abril en Movistar CineDoc&Roll (dial 31) y disponible en el servicio bajo demanda de Movistar+.

El 8 de noviembre de 2016, Donald Trump ganó las elecciones de Estados Unidos. Once días después de este hecho que cambió el mundo, el director Daniel Lombroso comienza a seguir los pasos de varios seguidores del expresidente, entre ellos: Lauren Southern, una influencer de 22 años que viaja hasta Italia para evitar la llegada de refugiados; Richard Spencer, un activista de extrema derecha que alcanzó la fama tras gritar en un mitin “Hail Trump!” y Mike Cernovich, un periodista ultraderechista. Con un trabajo de seguimiento e investigación durante los cuatro años de legislatura de Trump, este trabajo expone cuáles son las raíces de este creciente supremacismo blanco no solo en Estados Unidos, sino en todo el mundo. “El nuevo supremacismo blanco” es el primer documental largometraje de la revista estadounidense The Atlantic.

GERVASIO SÁNCHEZ. ÁLBUM DE POSGUERRA

Desde el martes 27 de abril en Movistar CineDoc&Roll (dial 31) y disponible en el servicio bajo demanda de Movistar+.

El periodista Gervasio Sánchez regresa a Sarajevo 25 años después del asedio a la ciudad para encontrarse con las personas a las que fotografió y conocer cómo la guerra cambió sus vidas para siempre. Gracias al contacto que Gervasio Sánchez pudo mantener con algunos de ellos, el reportero de guerra español emprende un viaje en el espacio y en el tiempo para reencontrarse con ellos y mostrar cómo es posible seguir viviendo después de una guerra. Los habitantes del Sarajevo de los noventa dan vida a estas fotos, unas imágenes que muestran cómo era el día a día de una ciudad agujereada por las balas, pero en la que, a pesar de todo, la vida continuaba. 

THE GO-GO’S: PIONERAS DEL POP

Desde el viernes 23 de abril en Movistar CineDoc&Roll (dial 31) y disponible en el servicio bajo demanda de Movistar+. 

The Go-Go's forman parte de la historia de la música por haber sido la banda que allanó el camino a las mujeres en la industria musical: fueron el primer grupo en que las mujeres componían, tocaban todos los instrumentos y cantaban sus propias canciones. Desde su formación en 1978, la historia de este grupo formado por cuatro mujeres provenientes de la escena punk de Los Ángeles, estuvo plagada de luces y sombras. En 1981 grabaron “Beauty and the Beat”, un álbum debut que las llevó a la cima del éxito y con el que en pocas semanas llegaron a conseguir el Número 1 en la lista Billboard y por el que fueron nominadas al Grammy. En “The Go-Go's: Pioneras del Pop”, la directora Alison Ellwood profundiza en los anales de la historia de esta banda revelando su arduo trabajo: desde sus momentos más emocionantes hasta la disolución del grupo. Además, este trabajo sirve para denunciar el machismo imperante de la época. 

THE COMEDY STORE. LA CUNA DEL HUMOR

Serie documental (5x60'). Desde el jueves 1 de abril en Movistar CineDoc&Roll (dial 31) y disponible en el servicio bajo demanda de Movistar+.

Serie documental de cinco episodios que repasa la evolución de la comedia desde dentro de las paredes del mítico The Comedy Store, un icónico club de Los Ángeles que durante medio siglo ha visto nacer y evolucionar a cómicos tan relevantes como David Letterman, Jim Carrey, Richard Pryor, Whoopi Goldberg, Bill Burr, Robin Williams, Michael Keaton, Chapelle, Jay Leno o Sam Kinison, entre otros. En esta serie documental, Mike Binder repasa cada década (una por episodio) en el club, desde los años 70 hasta los 2000 junto con los cómicos que vivieron, aprendieron y probaron sus textos en el club en esos años. Además de las entrevistas de algunas de las caras más conocidas de la comedia mundial, podremos ver escenas de algunos de los monólogos más icónicos que han pasado por el mágico The Comedy Store.

YUL BRYNNER: EL MAGNÍFICO

Desde el domingo 25 de abril en Movistar CineDoc&Roll (dial 31) y disponible en el servicio bajo demanda de Movistar+.

La vida de Yul Brynner podría ser el guion de una película repleta de giros. Este documental repasa la biografía de este actor considerado el símbolo sexual más exótico desde Rudolph Valentino. Tuvo una vida tan singular como su belleza: además de interpretar a Ramsés II en “Los diez mandamientos” o al rey de Siam en “El rey y yo” -papel por el que consiguió el Oscar-, Yul Brynner se casó cuatro veces y tuvo una larga lista de amantes, trabajó tocando la guitarra en clubs nocturnos de París y fue trapecista en el circo. Este carismático actor nació en Rusia y pese a tener la nacionalidad estadounidense y suiza, nunca se sintió de ninguna parte. Hablaba once idiomas y siempre fue ambiguo sobre sus orígenes. “Yul Brynner: El Magnífico” muestra, por fin, a este singular hombre que se escondía tras la máscara del protagonista de “Westworld”. 

FITO: 20 AÑOS Y UNA NOCHE

Desde el viernes 20 de abril en Movistar CineDoc&Roll (dial 31) y disponible en el servicio bajo demanda de Movistar+.

Con cincuenta discos de platino y más de seiscientos conciertos a sus espaldas, Fito ha alcanzado un éxito musical al alcance de muy pocos: no hay nadie en España que no conozca algunas de sus canciones. Precisamente, mientras estaba recorriendo el país para celebrar sus veinte años de carrera, recibió una llamada que no esperaba: le invitaban a cerrar la gira en el Royal Albert Hall. “Fito: 20 años y una noche” repasa los conciertos de su veinte aniversario y todos los preparativos de ese gran concierto en Londres. Además, este documental también incluye entrevistas a Fito, a la banda y a algunos de los músicos que mejor lo conocen. 

lunes, 5 de abril de 2021

SKY ROJO: CRÍTICA DE SERIE (PRIMERA TEMPORADA)

 

La serie Sky Rojo, está creada por Álex Pina y Esther Martínez Lobato. Una serie dramática con puntos de humor negro, atrevida  y canalla.

Romeo (Asier Etxeandia) es un proxeneta que regenta el club de alterne “Las Novias”. Un burdel de lujo en donde se pueden satisfacer las fantasías más oscuras en medio de luces de neón, música y drogas. Entre las prostitutas nos encontramos con Wendy (Lali Espósito), Coral (Verónica Sánchez) y Gina (Yany Prado); las tres se verán obligadas a huir del burdel en plena noche, cuando Wendy y Coral, salvan a Gina de ser asesinada por Romeo, tras golpearle la cabeza con una figura y pensando que lo han matado.

Pero Romeo no ha muerto, sino que se encuentra en el hospital con medio cuerpo paralizado. En venganza envía a sus dos hombres de confianza, Moisés (Miguel Ángel Silvestre) y Christian (Enric Auquer) en su busca. Romeo las quiere vivas, para hacerlas sufrir, mientras él pasa por la rehabilitación. 

Sky Rojo es una serie original de Netflix, cuya primera temporada ha contado con 8 episodios de 25 minutos. Se estrenó el 19 de marzo de este año. La serie combina diferentes géneros con guiños a películas sobradamente conocidas y a la que sus creadores han denominado “Pulp latino”. Cuenta con un excelente ritmo y un buen montaje en donde cada capítulo sorprende al espectador con las aventuras o deberíamos decir, desventuras de estas tres prostitutas, con quienes simpatizaremos ante la naturalidad, complicidad y desparpajo, con que afrontan los peligros. ¿Seríamos capaces de actuar como lo hacen ella, para sobrevivir sin pensar más allá de lo necesario? Ellas sí.

El creador de “La Casa de Papel” Álex Pina acompañado de Esther Martínez Lobato, regresan a la pequeña pantalla con una serie impactante sobre el mundo de la prostitución, entre proxenetas, prostitutas y clientes, pero como os podéis imaginar, Álex, conociendo su obra, no iba a ofrecernos una historia normal, sino aquello que pudiera impactar al espectador y os puedo asegurar, que no defrauda. A falta de los próximos 8 capítulos de la segunda temporada, que se estrenará el 23 de Julio de este mismo año y que nos narrará el desenlace de este potente drama, esta  primera temporada nos ha dejado con un buen sabor de boca, con un final brutal y provocando que nos cuestionemos que puede suceder y que les deparará a nuestras tres heroínas. Esas tres mujeres cuyos pasados ya conocemos, pero de las que deseamos saber cuál puede ser su futuro y que les tienen reservado los guionistas.

Una Road Movie a bordo de ese coche en el que Wendy, Coral y Gina, nos harán cómplices de sus pensamientos, deseos e intimidades, cuando la acción les da una tregua. Tres personajes impecablemente interpretados por Lali Espósito, Verónica Sánchez y Yany Prado; mientras en el lado opuesto nos encontramos con los proxenetas Moisés, Romeo y Christian que como  lobos hambrientos las acecharán. Ellos, Miguel Ángel Silvestre, Asier Etxeandia y Enric Auquer, también nos desvelarán sus historias. 

Una obra no exenta de polémica, por la temática que trata y cuanto nos van revelando entre flashbacks como los engaños, la esclavitud sexual, el machismo, la toxicidad en dichos locales, las drogas, las amenazas o las humillaciones; disfrazados de riquezas y maquillando la cruda realidad que esconden. Quiero destacar, para finalizar, el extraordinario equipo técnico con el que cuenta.

En la dirección y creación están: Álex Pina (Creador), Esther Martínez Lobato (Creadora), Eduardo Chapero-Jackson, Javier Quintas, Jesús Colmenar, Óscar Pedraza, David Victori y Albert Pintó.

El Guion ha corrido a cargo de: Álex Pina, Esther Martínez Lobato, David Barrocal, Javier Gómez Santander, Mercedes Rodrigo, David Oliva y Juan Salvador López.

En el Reparto nos encontramos con: Verónica Sánchez, Lali Espósito, Yany Prado, Miguel Ángel Silvestre, Asier Etxeandia, Enric Auquer, Luis Zahera, Carmen Santamaría, Elena Sanz, Cecilia Gómez, Godeliv Van den Brandt, Penélope Guerrero, Luisa Vides, Niko Verona, Chema Ruiz, Marc Bosch, Maia Dunne, Aitor Manuel Alonso, Chloe Dunne, Antonio Fdez, Brian Lehane y Daniel Toscano

Está producida por Vancouver Media y distribuida por Netflix.

domingo, 4 de abril de 2021

30 MONEDAS: CRÍTICA DE SERIE

La serie de televisión 30 MONEDAS, está dirigida por Álex de la Iglesia compartiendo guion con Jorge Guerricaechevarría.

En un pueblo tranquilo de Pedraza en Segovia, se instala un nuevo cura: exorcista, boxeador y expresidiario, el padre Vergara (Eduard Fernández), en busca de un lugar donde olvidar su pasado y emprender una nueva vida, pero pronto el pueblo y sus habitantes, comenzarán a sufrir fenómenos paranormales. Paco, el alcalde (Miguel Ángel Silvestre) y Elena (Megan Montaner), la veterinaria del pueblo, se involucrarán en el misterio que rodea a una moneda que Vergara entrega a Elena, y que supuestamente formaba parte de las treinta monedas con las que se pagó a Judas, su traición a Jesús.

La primera de las seis temporadas oficiales, reveladas por HBO, ha finalizado. Su preestreno tuvo lugar en la Sección Oficial del Festival de Cine Fantástico de Sitges  el 11 de Septiembre de 2020 y su estreno en HBO España, el 29 de noviembre de ese mismo año. El escenario principal de la serie se encuentra en el pueblo de Pedraza en Segovia y otras localizaciones como la presa de Aldeadávila, La Biblioteca General de Salamanca, El castillo de Calatrava La Nueva, El palacio del Marqués de Santa Cruz de Ciudad Real o el Instituto del Patrimonio Histórico Español y fuera de nuestro país, en Jerusalén, Nueva York, París y Roma.

Acudir a una cita cinematográfica o a una serie, como es en esta ocasión, con Álex de la Iglesia, es prepararse para lo más disparatado que uno se pueda imaginar. Su cine tan personal crea tantos adeptos como detractores, pues su particular visión de ver a la sociedad, resulta  de lo más singular, como la propia ambientación con la que rodea a la acción. En esta primera temporada, hace alarde de toda su imaginación y posiblemente, sobrecargando los primeros capítulos, pues según mi criterio, provoca que los dos últimos se desinflen como un balón y en especial el último, un tanto incoherente, pues por muchas licencias que le admitamos a Álex en sus obras, llega a tal grado de sinrazón, que te saca de la historia que durante siete capítulos, te ha mantenido enganchado.

Ha contado con un reparto excepcional, de lo mejor del cine español y aquí también, a mi modo de ver, comete un gran error con dos de las actrices, por un lado con Macarena Gómez como Merche, pues el papel de mujer fatal, despechada y vengativa, además de sobreactuado, lo lleva a límites tan extremos, que pasa de la hilaridad al ridículo más absoluto, y en el filo de la sobreactuación, también nos encontramos con Carmen Machi, que se salva por los pelos, gracias a sus cortas intervenciones. En el lado positivo está Megan Montaner encarnando a Elena, la “heroína” de la historia y con quien sufrimos cuando se mete en la boca del lobo. Miguel Ángel Silvestre interpretando a Paco, el alcalde, enfrentado a dos mundos, el de su mujer Merche y el de su amor platónico Elena, y dejo para el final, aunque el resto del reparto cumplen perfectamente con sus personajes, al que considero el alma de la historia, el Padre Vergara, encarnado en Eduard Fernández, en un papel duro, atrevido y con muchas lecturas. 

No sé qué nos deparará la segunda temporada, pero espero que Álex recupere la magia de los primeros episodios de la serie, que nos dejaban con ganas de más y se nos hacían cortos, pues los dos últimos, como ya he comentado, dejan bastante que desear. Destacar también la excelente fotografía de Pablo Rosso y la turbadora banda sonora del maestro Roque Baños.

Entre el numeroso reparto con que cuenta esta serie, destacan: Eduard Fernández (Padre Vergara), Megan Montaner (Elena), Miguel Ángel Silvestre (Paco), Macarena Gómez (Merche, la mujer de Paco), Pepón Nieto (Sargento Lagunas), Manolo Solo (Cardenal Fabio Santoro), Cosimo Fusco (Angelo) y Manuel Tallafé (Enrique)

sábado, 3 de abril de 2021

CINE DE ESTRENOS MOVISTAR+ ABRIL 2021

 


Llega “Tenet” en abril a Movistar+ y más estrenos. El regreso de Christopher Nolan con “Tenet”, una historia de espionaje más allá de los límites del tiempo que encabeza un gran mes de estrenos de cine en Movistar+. Y también “The Mauritanian”, sólo un mes después de su estreno en salas y por la que Jodie Foster se alzó con el Globo de Oro 2021 a la mejor actriz de reparto. “The Way Back”, un drama deportivo con Ben Affleck. Y “No matarás”, thriller por el que Mario Casas ha recibido el Goya al mejor actor protagonista.

“TRASTO”. Desde el jueves 1.

Película de animación que une comedia y aventuras para contar la historia de un perro acostumbrado a todo tipo de lujos cuya vida cambiará radicalmente tras la muerte de su dueña. El valor de la amistad y la necesidad de perseguir los sueños son el centro de esta película especialmente indicada para el público infantil en la que Betty White  pone voz en versión original a la anciana dueña de Trasto.

“¡QUE SUENE LA MÚSICA!”. Desde el viernes 2.

El británico Peter Cattaneo vuelve a la fórmula de su exitosa “Full Monty” con esta comedia 'feel good' con trasfondo dramático. Protagonizada por Kristin Scott Thomas y Sharon Horgan, la película está inspirada en la historia del Military Wives Choirs, un coro de mujeres relacionadas con las fuerzas armadas británicas.

“HISTORIAS DE LA MORGUE”. Desde el lunes 5.

Un Clancy Brown absolutamente irreconocible, Caitlin Fisher y Jacob Elordi protagonizan esta cinta antológica de terror repleta de sustos y mala baba. Una espeluznante propuesta formada por 4 relatos que combinan fantasía, gore y humor irreverente. Presentada en el Festival de Sitges de 2020.

“NO MATARÁS”. Desde el viernes 9.

Mario Casas ganó el Goya y el Feroz 2021 al mejor actor protagonista por este “thriller” dirigido por David Victori, una angustiosa, frenética y, por momentos, violenta película que supone un cambio de registro para Casas, quien interpreta a un tipo introvertido y gris sumido en una espiral de muerte y malas decisiones. Además de dirigir, Victori también coescribe esta propuesta que concibió, en sus palabras, como “un trabajo absolutamente sensorial”.

“UN MUNDO NORMAL”. Desde el domingo 11.

Achero Mañas dirige a Ernesto Alterio, Gala Amyach -su propia hija- y Ruth Díaz en esta comedia agridulce, una “road movie” familiar sobre un padre y una hija que intentan cumplir la última voluntad de la abuela: arrojar su cadáver al mar. Con libreto del propio Mañas, la película se apoya en la espectacular interpretación de Alterio como “álter ego” del cineasta y la debutante Amyach para hablar sobre el misterio de las relaciones familiares, las contradicciones humanas y la importancia de mantenerse fiel a uno mismo.

“FALLING”. Desde el jueves 15.

El actor Viggo Mortensen debuta como director con este drama en torno al choque entre el mundo del protagonista, un hombre maduro que vive en el sur de California junto a su marido y a la hija de ambos, y el de su padre, un granjero conservador, tradicional, homófobo y xenófobo que está perdiendo el contacto con la realidad. Protagonizada por el propio Viggo Mortensen, Lance Henriksen, Sverrir Gudnason, Terry Chen, Laura Linney y Hannah Gross, la película estuvo nominada al Goya 2021 a la mejor película europea y ganó el premio Sebastiane a la mejor cinta LGTBI en San Sebastián 2020.

“THE WAY BACK”.  Desde el viernes 16.

Ben Affleck da vida a un antiguo jugador de baloncesto en horas bajas en este drama deportivo dirigido por Gavin O'Connor. El personaje de Affleck es una antigua estrella del baloncesto de instituto que decidió no volver a tocar un balón tras darse cuenta de que el deporte era lo único que su padre apreciaba de él. Sin embargo, tras recibir una oferta para entrenar al equipo de su antiguo instituto, volverá a las canchas, en lo que quizá sea su última oportunidad de encontrar el camino de vuelta.

“TENET”. Desde el viernes 23.

El director y guionista Christopher Nolan vuelve a jugar con el tiempo (el narrativo y el de la trama) en esta compleja, sugestiva y ambiciosa historia que une ciencia ficción y acción en un argumento que, como se dice en un momento de la película, “no hace falta que entiendas, sólo siéntelo”. Protagonizada por John David Washington, Robert Pattinson, Elizabeth Debicki, Michael Caine y Kenneth Branagh, “Tenet” es una historia de espionaje más allá de los límites del tiempo.

“THE MAURITANIAN”. Desde el viernes 30.

Tahar Rahim, Jodie Foster, Benedict Cumberbatch y Shailene Woodley protagonizan este intenso drama judicial, basado en hechos reales, sobre la desesperada lucha por lograr justicia de Mohamedou Ould Slahi, quien, detenido y encarcelado sin cargos por el gobierno estadounidense por los atentados del 11S, estuvo años en la prisión de Guantánamo sin ser sometido a juicio alguno. Contra todo pronóstico, Slahi encontró ayuda en las abogadas Nancy Hollander y Teri Duncan, cuya lucha acabó desvelando una intrincada conspiración.

viernes, 2 de abril de 2021

JUDAS Y EL MESÍAS NEGRO: CRÍTICA DE CINE

 

Judas y el Mesías negro está dirigida por Shaka King compartiendo el guion con Will Berson, basándose en una historia de Keith Lucas, Kenneth  Lucas, Shaka King y Will Berson. “¿Por qué la placa?... ¿Por qué no usar un cuchillo o una pistola, como un ladrón normal?”… “Porque una placa intimida más que un arma”.

El filme comienza con la entrevista a Bill O´Neal en 1989, preguntándole sobre sus actividades a finales de los 60 y principios de los 70. Se queda pensativo y nos lleva al año del asesinato de Martin Luther King a través de imágenes de archivo,  los disturbios que se originaron y el gran crecimiento de los Panteras Negra, quienes  alimentaban a los niños y cuidaban de la población negra. El líder de dicho grupo, Fred Hampton (Daniel Kaluuya) se convirtió en el enemigo público número uno para el FBI.

William O`Neal (Lakeith Stanfield) irrumpe en un bar haciéndose pasar por un agente del FBI, pero la jugada le sale mal y tiene que huir en un coche robado, siendo detenido por el agente del FBI Roy Martin Mitchell (Jesse Plemons) quien le propone un trato a cambio de retirar todos los cargos que tienen sobre él, para ello debe infiltrarse en los Panteras Negras; objetivo que consiguió al convertirse en uno de los jefes de seguridad del líder Fred Hampton (Daniel Kaluuya) y llevar consigo las llaves de varios cuarteles generales y casas francas de los Panther.

El partido Panteras Negra (Black Panther Party) fue una organización nacionalista negra, socialista y revolucionaria, que estuvo activa en Estados Unidos desde el año 1966 a 1982, creada para la autodefensa del pueblo negro e induciendo a la población negra a ejercer el derecho constitucional de tener armas. Entre sus actividades principales destacaban el asegurar  que todos los niños estuvieran alimentados, la lucha contra las drogas, la habilitación de clínicas gratuitas para la población y el impartir clases gratuitas de derecho y economía, autodefensa y primeros auxilios. William O`Neal dio su primera y única entrevista para la docu-serie “Eyes On The Prize 2”, fue miembro activo del Partido de las Pantera Negras y un informante pagado del FBI hasta principios de 1970, ganando el equivalente actual de más de 200.000 Dólares. Esta es la historia de algunos de sus componentes.

Shaka King, debido a que sus padres eran maestros de escuelas públicas, tuvo una educación en diversos vecindarios de Spanish Harlem y Fort Greene. Asistió a una escuela preparatoria predominantemente blanca en Bay Ridge y fue durante sus años de secundaria, cuando descubrió su pasión por la escritura creativa. Estudió Ciencias Políticas y cursó producción cinematográfica en Vassar Collage. Unos años más tarde ingresó en un programa de posgrado en Cine en la Escuela de Artes Tisch de la Universidad de Nueva York, en donde tuvo como profesor a Spike Lee. Su primer largometraje “Newlyweeds” 2013, fue su proyecto de tesis. Ha dirigido capítulos de series de televisión como: “People of Earth”  y “High Maintenance”, ambas en 2016, “Random Acts of Flyness” 2018 y “Shrill” 2019.  Realizó el cortometraje “Mulignans” 2014 y regresa al largometraje con “Judas y el mesías negro” 2020.

Judas y el mesías negro, nos ofrece una magnífica ambientación entre finales de los 60 a primeros de los 70, recordándonos con su estética visual a los filmes de aquella época a través de sus coches, mobiliario e incluso el vestuario creado por Charlese Antoinette Jones; pero sobre todo en el esmerado uso del color y la iluminación retro, entre planos muy sugerentes, en la mirada del director de fotografía Sean Bobbitt, quien logra sumergirnos, ya de entrada, en un tiempo entre décadas del pasado siglo XX. A tener en cuenta también, la inquietante partitura de Craig Harris y Mark Isham, que nos acompaña a lo largo del metraje.

Está claro que el anterior presidente de los Estados Unidos, con sus pensamientos retrógrados, levantó ampollas y cabreos entre el colectivo afroamericano, surgiendo movimientos como el Black Life Matters, que nos recuerda a otros tiempos que nadie debe olvidar, para que la historia no se repita. Sigo sin entender, como un país que se abraza a la bandera de la democracia y la libertad, presumiendo a los cuatro vientos de ser el país más avanzado, puede seguir tratando a una gran parte de su población como lo hace. Es por ello, que en estos últimos años, estamos observando que la industria del cine ante esa falta de tolerancia, violencia, maltrato y desigualdad, grita a través de la gran pantalla y de la pequeña, aquello que se ha escondido y se desea esconder tras cortinas de humo, con una fuerte crítica socio-política y Judas y el mesías negro, es un claro ejemplo, de lo que está sucediendo en la actualidad, en dicho país.

La película cuenta con un importante reparto actoral, a través del cual destacan sus dos protagonistas principales; ese traidor llamado William O`Neal, interpretado por Lakeith Stanfield y el líder de los Panteras Negra encarnado por un Daniel Kaluuya, en puro estado de gracia. Las interpretaciones de ambos, donde podrían tener una cierta paridad con Judas y el Mesías, elevan la tensión del filme, a través de dos personajes tan dispares y a la vez tan complementarios. Un tándem perfecto para un filme duro y desgarrador, narrando una historia pausada, que estremece de principio a fin.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 26 de Marzo en HBO Max.

REPARTO: Daniel Kaluuya, Lakeith Stanfield, Jesse Plemons, Martin Sheen, Ashton Sanders, Lil Rel Howery, Algee Smith, Jermaine Fowler, Robert Longstreet, Terayle Hill, Dominique Fishback, Nick Fink, Darrell Britt-Gibson, Amber Chardae Robinson, Adam Ratcliffe, Caleb Eberhardt, Zak lee, Alysia Joy Powell, Crystal Lee Brown, Amari Cheatom, Debbie Scaletta, Chris Hahn, Michael Buonomo, James Udom, Michael Harrity, Matt Hudson, Linda D. Gaines, Alonda Shevette, Steve Rizzo, Laura Allen, David Gragg, Peter Lawsn Jones, Mell Bowser, David Haynes, Aaron Kleiber, Tone Tank, Rober Petan, Todd C. Adelman, Anthony Garcia, Chris Drexel, Shalanda Fresh, Chris Breen, Bobby Rodriguez, Chris McCail, Brian Andrus, Suzie Coker, Longa Fry, David Goebel, Dominique Thorne.

PRODUCTORA: Bron Creative// MACRO// Participant Media

DISTRIBUIDORA: Warner Bros y HBO Max.

jueves, 1 de abril de 2021

EL JUICIO DE LOS 7 DE CHICAGO: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Estados Unidos y Reino Unido, El juicio de los 7 de Chicago, está dirigida y escrita por Aaron Sorki.

La película comienza con un prólogo de un noticiario en donde nos informan que ha sido enviada a Vietnam la División Aeromóvil y otras fuerzas, para incrementar los efectivos de 75.000 a 125.000 hombres de forma inmediata e irán aumentando el número cada mes; provocando un reclutamiento masivo obligatorio de jóvenes entre los 18 a los 24 años, acto que provocará las protestas anti-Vietnam, al que se sumaran  el asesinato de Martin Luther King, el de Robert F. Kennedy o el clima de división entre los demócratas, todo ello originará una gran manifestación  en Chicago, durante la Convención del Partido Demócrata. 

Unos meses más tarde, fueron detenidos: Rennie Davis (Alex Sharp) organizador en Chicago del (MOBE), Tom Hayden (Eddie Redmayne), líder y presidente de la organización(SDS), Jerry Rubin (Jeremy Strong)  y Abbie Hoffman (Sacha Baron Cohen), del Partido Internacional de la Juventud (YIPPIES), David Dellinger (John Carrol Lynch) líder de la Movilización para acabar con la Guerra de Vietnam (EL MOBE), Bobby Seale (Yahya Abdul-MateenII), presidente del partido de los Panteras Negras, Lee Weiner (Noah Robbins), estudiante universitario y activista comunitario y John Froines (Daniel Flaherty), químico y activista antiguerra. Los ocho en un principio, siete a partir de un momento del juicio, fueron juzgados en uno de los juicios más mediáticos de la historia del país.

Aaron Sorki, escribió el guion en 2007, con la intención de que fuera Steven Spielberg quien la dirigiera, pero la huelga de guionistas y problemas de presupuesto, provocaron que Spielberg abandonase el proyecto. Tendrían que pasar 11 años para que el guion cambiara de rumbo, siendo el propio Sorki quien la dirigiera entre Chicago y los alrededores de Nueva Yersey. Si bien he mencionado a quienes se sentaron como acusados, es de ley mencionar que los fiscales fueron Richard Schultz (Joseph Gordon-Levitt) y Thomas Foran (J.C. MacKenzie) y en la defensa estuvieron, William Kunstler (Mark Rylance) y Leonard Weinglass (Ben Shenkman)

El guionista, productor, dramaturgo, actor y director, Aaron Sorkin, desde muy joven se interesó por la interpretación, estudió en la Scarsdale High School, fue miembro de los clubes de drama y teatro, graduándose en 1979, año en el que ingresó en la Universidad de Siracusa, graduándose en 1983 con un Bachelor of Arts. Decidió instalarse en Nueva York donde trabajó como actor de forma intermitente. Comenzó a escribir durante un fin de semana, mientras cuidaba la casa de un amigo, su primera obra “Removing All Doubt. Entre sus guiones más importantes encontramos: “Algunos hombres buenos” 1992 y “Mi querido presidente” 1995 de Rod Reiner, “La red social” 2010 de David Fincher o “Steve Jobs” 2015 de Danny Boyle. En 1998 crea la serie “Sports Night” continuando con otras series como “El ala oeste de la Casa Blanca” 1999, “Studio 60 on the Sunset Strip” 2006 y  “The Newsroom” 2012. Su primer largometraje para la gran pantalla llega con “Molly`s Game” 2017 finalizando, de momento, con “El juicio de los 7 de Chicago” 2020.

Sorki se enfrenta a su segundo largometraje, tras una amplia trayectoria como guionista y creador de series televisivas. Lo primero que me ha recordado este nuevo filme, en cuanto a la construcción de la historia e incluso ofreciendo un prólogo potente que nos llevará de nuevo a un intenso y dramático juicio, con un final impactante, como le gusta rematar sus guiones, es a su ópera prima “Molly´s Game”. De nuevo deja claro que lo suyo son los juicios y que se sabe mover como pez en el agua desde el momento en que traspasa las puertas de la sala de vistas, entre abogados defensores, fiscales, jueces, jurado, testigos, mentiras y verdades, política y sociedad y por supuesto, el público, entre los que nos coloca a nosotros, los espectadores, para ir sacando nuestras propias conclusiones, aprobando la postura de unos y criticando la de otros, entre los diversos flashbacks, hasta llegar a ese final en el que el espectador salta en la butaca.

El juicio de los 7 de Chicago, es una obra meditada, escrupulosamente medida y con una importante dirección actoral, no desfalleciendo ante el gran reparto coral con el que cuenta, entre caras muy conocidas y otras no tanto. Quizás esa perfección que tiene a la hora de escribir y dirigir, situando la cámara en el lugar preciso, los exuberantes y profundos diálogos y ese ambiente tan aséptico que se respira, la encorseten un poco, no dejando fluir y respirar a la historia y a los propios personajes, pero no cabe la menor duda que sabe crear tensión y ser tremendamente elegante, ante la exposición de temas tan duros.

Cuenta, como he comentado, con un gran elenco actoral que nos hace disfrutar de cada uno de los personajes, por poco que esté ante la cámara, por lo que no me voy a decantar por ninguno de ellos. Un filme en el que se respira tensión, drama, silencios que invitan a la reflexión, atención ante lo que se dice y lo que se muestra, y con respecto a lo que se muestra, ha confiado  en el director de fotografía Phedon Papamichael, que retrata a la perfección los interiores y exteriores en un amplio abanico de planos, que ayudan a agilizar el metraje, combinándolos con las imágenes de archivo con las que ha contado y para finalizar, destacar la banda sonora, de Daniel Pemberton, en quien ha vuelto a confiar. 

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 16 de Octubre 2020 (Aún está en la cartelera de Netflix)

REPARTO: Eddie Redmayne, Sacha Baron Cohen, Mark Rylance, Frank Langella, Joseph Gordon-Levitt, Jeremy Strong, John Carroll Lynch, Alex Sharp, Yahya Abdul-Matten II, Michael Keaton, Ben Shenkman, J.C. MacKenzie, Noah Robbins, Alice Kremelberg, Danny Flaherty, John Doman, Mike Geraghty, Kelvin Harrison Jr., Caitlin Fitzgerald, John Quilty, Max Adler, Wayne Duvall, Damian Young, C.J. Wilson.

PRODUCTORA: Amblin Partners// Paramount Pictures// Cross Creek Pictures// Marc Platt Productions// Reliance Entertainment// DreamWorks SKG// MadRiver Pictures// ShivHans Pictures.

DISTRIBUIDORA: Netflix.

EL TEATRO LARA ESTRENA "JOHNNY CHICO" CON VÍCTOR PALMERO

 

EL TEATRO LARA nos informa que Víctor Palmero llega con una oda “fuckgender” del australiano Stephen House: JOHNNY CHICO.

Una cruda y emocionante pieza sobre la aceptación personal, avalada por la crítica internacional y bajo la dirección de Eduard Costa. Los viernes a las 20:15 horas. 

Llega a Madrid el valiente monólogo de Stephen House, sobre el conflicto de identidad personal y sexual que vive un joven marginal, que trata de subsistir en una gran ciudad recién llegado de un pueblo, escapando de la violencia familiar y la incomprensión. Pinceladas de ternura, humor, crudeza y emoción, pero sobre todo de realidad, componen esta obra aplaudida por la crítica internacional.

En Johnny chico no hay concesiones, ni tampoco perdón. Es sólo una historia más de un chico que no cuadra en la realidad en la que vive, ni en el cuerpo en el que convive; pero que, aún y así, trata de sobrevivir al mundo que le rodea a pesar de no encajar en él y busca lo mismo que, en el fondo, buscamos todos: ser amado y aceptado.

JOHNNY CHICO es Víctor Palmero.

Texto: Stephen House.

Dirección.

Eduard Costa.

Una producción de MORIARTY & HOLMES

Escenografía: Luis Crespo.

Música Original: Juanjo Ballester.

Iluminación: Mundi Gómez.

Video Mapping: Electric Five

Vestuario: @Perucha63

Producción Ejecutiva

Coque Serrano.