NOMINACIONES A LOS 27 PREMIOS FORQUÉ 2021

 

ZENIT COMUNICACIÓN informa que ya se conocen las nominaciones a las Mejores Producciones de los 27 Premios José María Forqué.

Maixabel, Hierro y La fortuna lideran las nominaciones de la 27 Edición del Premio José María Forqué.

Los Premios José María Forqué han anunciado las nominaciones de su 27 edición, en las que Maixabel, Hierro y La fortuna son las producciones en cine y series más votadas en sus categorías. La entrega de premios presentada por Marta Hazas y Elena S. Sánchez, que dará comienzo a la temporada de reconocimientos de la industria audiovisual española, se celebrará el próximo 11 de diciembre en IFEMA Palacio Municipal, adelantando su fecha habitual para apoyar los estrenos de la temporada.

Las obras finalistas a los galardones de la industria audiovisual española fueron anunciadas en un acto celebrado en una sala de Cinesa Príncipe Pío presentado por Yolanda Flores que contó con la presencia de personalidades como Enrique Cerezo, Jorge Moreta o Gonzalo Cabrera. Los encargados de desvelar las obras finalistas fueron el actor Álvaro Mel, que conoció en directo su candidatura al Forqué por su papel en la serie La fortuna, el actor y director Santiago Segura, la directora Gracia Querejeta, el actor Maxi Iglesias y la actriz Vicky Luengo.

Esta 27 edición de los galardones mirará en su gala de entrega hacia los años ochenta, una prominente década en el ámbito de la creación artística, musical, audiovisual y cultural. Así lo señaló Enrique Cerezo, presidente de EGEDA: “Celebramos los años ochenta en los Premios Forqué como homenaje, memoria y recuerdo de lo que fueron para España y para Madrid. Una explosión de libertad”.

La citada Maixabel, la película más votada en el apartado cinematográfico con cinco nominaciones, competirá con El buen patrón, seleccionada por la Academia de Cine para competir por la nominación a los 94 Premios Oscar, Madres paralelas y Mediterráneo por el Premio José María Forqué al Mejor Largometraje de Ficción o Animación, que asciende a 30.000€.

En el apartado televisivo, donde Hierro y La fortuna optan a tres galardones, las obras que compiten por el galardón a la Mejor Serie de Ficción dotado con 6.000€ son las ya citadas Hierro y La fortuna, e Historias para no dormir y Maricón Perdido.

LA REÑIDA COMPETICIÓN POR EL PREMIO FORQUÉ

Así, la nueva película de Icíar Bollaín, que aborda el conflicto vasco desde un inesperado y desgarrador diálogo entre víctimas y terroristas, opta a cinco candidaturas: Mejor Largometraje de Ficción o Animación, Mejor Interpretación Masculina para Luis Tosar y Urko Olazabal, Mejor Interpretación Femenina para Blanca Portillo y Premio al Cine y Educación en Valores. Siguen por número de nominaciones “Madres Paralelas” y “Meditarraneo” ambas con opciones al Premio Forqué en tres categorías, y “El buen patrón”, con dos candidaturas.

“Madres paralelas”, nueva película de Pedro Almodóvar sobre maternidades y memoria histórica en España estrenada en la 76 edición del Festival de Cine de Venecia, donde Penélope Cruz se alzó con la prestigiosa Copa Volpi, atesora tres candidaturas: Mejor Largometraje de Ficción o Animación, Mejor Interpretación Femenina para la propia Penélope Cruz y Premio al Cine y Educación en Valores. Por su parte, “Mediterráneo”, cinta de Marcel Barrena que narra los orígenes de la ONG Open Arms y finalista en tres categorías, peleará por el trofeo a Mejor Largometraje de Ficción o Animación, Mejor Interpretación Masculina para Eduard Fernández y Premio al Cine y Educación en Valores. También destaca “El buen patrón”, cinta estrenada en el Festival de San Sebastián con la que Fernando León de Aranoa luchará por la nominación a los Premios Oscar en su 94 edición, que atesora dos candidaturas: Mejor Largometraje de Ficción o Animación y Mejor Interpretación Masculina para Javier Bardem.

La gala que se celebrará el 11 de diciembre reconocerá a los mejores actores del pasado curso, con Blanca Portillo (Maixabel), Marta Nieto (Tres), Penélope Cruz (Madres paralelas) y Petra Martínez (La vida era eso) compitiendo por el Forqué a la Mejor Interpretación Femenina en cine; y Eduard Fernández (Mediterráneo), Javier Bardem (El buen patrón), Luis Tosar y Urko Olazabal (Maixabel) luchando por el galardón a la Mejor Interpretación Masculina. Ambos premios ascienden a 3.000€.

HIERRO Y LA FORTUNA, LAS SERIES CON MÁS NOMINACIONES

En las categorías televisivas, que fueron incorporadas en la 26 edición de los Premios Forqué como reconocimiento a la importancia presente y futura de las producciones de la pequeña pantalla, las series más votadas son Hierro y La fortuna, ambas con tres nominaciones. Las dos obras citadas son, junto a Historias para no dormir y Maricón perdido, las candidatas al trofeo a la Mejor Serie de Ficción.

La producción de Pepe Coira que se desarrolla en la canaria isla de El Hierro es candidata en las categorías de la Mejor Serie de Ficción, Mejor Interpretación Femenina de Serie para Candela Peña y Mejor Interpretación Masculina de Serie para Darío Grandinetti. Por su parte, el debut televisivo de Alejandro Amenábar que adapta el cómic El tesoro del Cisne Negro (Paco Roca y Guillermo Corral) inspirado en el ‘Caso Odyssey’ opta al galardón de Mejor Serie de Ficción, Mejor Interpretación Femenina de Serie para Ana Polvorosa y Mejor Interpretación Masculina de Serie para Álvaro Mel.

Así, las actrices que optan al premio a la Mejor Interpretación Femenina de Serie son Ana Polvorosa (La fortuna), Candela Peña (Hierro), Maribel Verdú (Ana Tramel. El juego) y Nadia de Santiago (El tiempo que te doy), mientras que los más votados en la contraparte masculina, el Forqué a la Mejor Interpretación Masculina de Serie, fueron Álvaro Mel (La fortuna), Darío Grandinetti (Hierro), Javier Cámara (Venga Juan) y Javier Gutiérrez (Reyes de la noche). Ambos galardones están dotados con 3.000€

Las candidatas al trofeo al Mejor Largometraje Documental (6.000€) son 100 días con la tata, de Miguel Ángel Muñoz, Buñuel, un cineasta surrealista, de Javier Espada, Héroes: Silencio y Rock & Roll, de Alexis Morante, y Quién lo impide, de Jonás Trueba. Las películas que optan al premio al Mejor Largometraje Latinoamericano (6.000€) son la boliviana 98 segundos sin sombra, de Juan Pablo Richter, la colombiana Lavaperros, de Carlos Moreno, las mexicanas Los lobos, de Samuel Kishi Leopo, y Noche de fuego de Tatiana Huezo.

En la categoría de Mejor Cortometraje (3.000€) son finalistas El monstruo invisible, de Javier Fesser y Guillermo Fesser, Mindanao, de Borja Soler y The Monkey, de Xosé Zapata y Lorenzo Degl'Innocenti; y, finalmente, las candidatas al Premio al Cine y Educación en Valores son 100 días con la tata, Madres paralelas, Maixabel y Mediterráneo. La Medalla de Oro, galardón honorífico de los Premios José María Forqué, se anunciará próximamente.

EGEDA es la entidad sin ánimo de lucro para la gestión de derechos de los productores audiovisuales. Creó estos galardones en 1996 con el objetivo de difundir la importancia de la industria audiovisual y cinematográfica española, impulsar la figura del productor y premiar cada año a las mejores producciones españolas por sus valores técnicos y artísticos.

El Premio Cinematográfico José María Forqué 2021 está organizado por EGEDA con la participación del Ayuntamiento de Madrid, la Comunidad de Madrid y RTVE, y cuenta con la colaboración del Ministerio de Cultura y Deporte y otros patrocinadores como Centro Comercial Príncipe Pío, CINESA, Cornejo, FIPCA o Mercedes-Benz.

FUE LA MANO DE DIOS: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Italia y Estados Unidos, Fue la mano de Dios, está dirigida y escrita por Paolo Sorrentino. “No me gusta la realidad, es patética”

Estamos en los años 80. Fabietto (Filippo Scotti), es un joven napolitano de 17 años, que vive con su padre Saverio Schisa (Toni Servillo), su madre María (Teresa Saponangelo) y su hermano Marchino (Marlon Joubert). Tiene una tía muy sensual llamada Patrizia (Luisa Ranieri), casada con un hombre muy celoso, violento y machista, Franco (Massimiliano Gallo). Fabietto siente el despertar de su sexualidad, cuando mira a su tía y a través de él, conoceremos la historia de su familia, sus actos y comportamientos, así como los dos acontecimientos que cambiarán su vida, la llegada de Diego Armando Maradona, al equipo del Nápoles y el grave accidente que sufrirán sus padres. Unos padres que no precisaban de las palabras o las caricias, para demostrarse lo que se amaban, sino algo tan sencillo, como los silbidos, aunque también, como buenos italianos, mantenían sus acaloradas peleas. 

El director y guionista, Paolo Sorrentino, comenzó a estudiar economía y comercio en la Universidad de Nápoles Federido II, pero decidió abandonar los estudios para dedicarse al cine. Ha trabajado como inspector de producción y asistente de dirección y guionista, tanto para cine como para televisión. En 1994, junto a Stefano Russo,  dirigió su primer cortometraje “Un paraíso” y en 1998 su primer corto en solitario “El amor no tiene límites” al que han seguido “La larga Noche” 2001, “La partida lenta” 2009,  “En el espejo” 2011, “Arena” y “El sueño” ambas en 2014 para finalizar con “Killer in Red” 2017 y “Piccole avventure romance” en 2018. Su debut en el largometraje llegó con “Un hombre de más” 2001 y continuó con “Las consecuencias del amor” 2004, “Un amigo de la familia” 2006, “Il divo” 2008, “Un lugar donde quedarse” 2011, “La gran belleza” 2013 ( ganando el Oscar, el Globo de Oro y el BAFTA a mejor película extranjera, entre otros premios), “La juventud” 2015, “Silvio (y los otros)”, “Loro1” y “Loro2” todas en 2018 y este año nos ofrece, “Fue la mano de Dios”. Para televisión ha dirigido “Sábado, domingo y lunes” 2004, “La voz de dentro” 2014,  la mini serie “The Young Pope” 2016, capítulos para las series “The New Pope” 2019/20 y “Hecho en casa” 2020.

Fue la mano de Dios, hace referencia al gol que Diego Armando Maradona metió con la mano durante el Mundial de Fútbol de 1986, disputado el 22 de junio en el Estadio Azteca de la Ciudad de México. Tras el encuentro, Maradona comentó sobre el tanto “Un poco con la cabeza y un poco con la mano de Dios” y así fue como la prensa, lo bautizó. Años más tarde en su biografía confesaría “Ahora sí puedo contar lo que en aquel momento no podía, lo que en aquel momento definí como “la mano de Dios”… Qué mano de Dios, ¡fue la mano del Diego!” Fuera como fuese, a Maradona se le considera un Dios e incluso el 30 de octubre de 1998, en la ciudad de Rosario, Argentina, se fundó la Iglesia maradoniana. Está claro que Sorrentino es un gran admirador del jugador, pues durante la narración son varios los instantes que dedica al jugador, desde su fichaje por el Nápoles, todo un acontecimiento en el país; la llegada a la ciudad y el creer verlo en cada esquina, las imágenes de los partidos emitidos por la televisión y por supuesto, el famoso y polémico gol.

La narración, aunque no deja en ningún momento de seguir la historia de esta familia, tiene dos partes muy diferenciadas. La primera resulta jovial, emotiva, emocional y sensual, no exenta de broncas familiares y situaciones un tanto surrealistas, con el característico humor de las grandes comedias italianas, gracias a la idiosincrasia histriónica a la que nos tiene acostumbrados el cine italiano y que siempre, nos sorprende para bien; contando con un ritmo muy adecuado. La segunda parte, estará marcada por el dolor y la desdicha, principalmente en la figura de Fabiettto. Un tramo  que oscurece la historia, entre el drama, las reflexiones, las preguntas que no parecen tener respuestas y las frustraciones ante las dudas.

Fue la mano de Dios, se nos presenta como una cautivadora película autobiográfica, narrándonos y retratando pasajes importantes de la vida de Paolo, que el mismo ha guionizado. Una tragedia personal que exterioriza, buscando dejar atrás definitivamente, pues supuso un antes y un después en su adolescencia, con tan solo 17 años, la muerte de sus padres a causa de una fuga de gas y con quienes debería haber estado, sino fuera porque el destino o la mano de dios, decidieron que no era la hora.

Un filme íntimo por el que desfila su gran amor por cine, asistiendo a un rodaje de una película en medio de una de las calles, en claro homenaje a Fellini, cuyo legado se respira en todo el filme; la familia como centro y corazón de la historia, sus primeros impulsos sexuales a través de su tía y…, el machismo arraigado en la cultura italiana, la liberación de la mujer, la muerte, la orfandad, la sensualidad, sexualidad y el futbol; que gracia a uno de esos encuentros jugados por Maradona, ha podido narrarnos algunas historias, incluyendo la suya. Un filme que ha rodado en lugares como Nápoles, la costa de Amalfi y la isla de Stromboli, fotografiada con frescura y elegancia por Daria D`Antonio y con el acompañamiento de la banda sonora de Lele Marchitelli. Para finalizar, comentar que ha contado con un excelente elenco actoral, destacando a su protagonista principal, el joven Filippo Scotti. Espero que este filme, haya servido para liberar todos los fantasmas y malos recuerdos de su pasado y a partir de ahora, siga ofreciéndonos su buen hacer tras las cámara, con nuevas historias que contar.

Mi nota es un 8.

ESTRENO EN ESPAÑA: 3 de Diciembre.

REPARTO: Filippo Scotti, Toni Servillo, Luisa Ranieri, Teresa Saponangelo, Marlon Joubert, Lino Musella, Renato Carpentieri, Sofya Gershevich, Enzo Decaro, Massimiliano Gallo, Elisabetta Pedrazzi, Ciro Capano y Biagio Manna.

PRODUCTORA: The Apartment// Netflix.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Netflix.

CAZAFANTASMAS MÁS ALLÁ : CRÍTICA DE CINE

 

CAZAFANTASMAS: MÁS ALLÁ, está dirigida por Jason Reitman, compartiendo guion con Gil Kenan. “Una afortunada y gran sorpresa para quienes conservamos el recuerdo de los cazafantasmas y un divertimento absoluto, para las nuevas generaciones”

En el prólogo vemos a un hombre conduciendo a gran velocidad en su auto. Presiente que algo le persigue, logra llegar a su granja y provoca al ente, que se esconde en la noche, mostrándole una trampa para fantasmas. Busca que cruce por el camino hacia el porche en el que se encuentra, donde tiene preparadas varias trampas, pero estas fallan y él fallece.

Nos encontramos en el hogar de Callie Spengler (Carrie Coon) que malvive con sus dos hijos, Phoebe Spengler (McKenna Grace), una joven que disfruta con la ciencia y el adolescente Trevor Spengler (Finn Wolfhard). Tras ser  desahuciados se trasladan a la casa que les ha dejado en herencia su abuelo. Al principio los dos jóvenes se niegan a vivir allí, hasta que  Phoebe conoce en el colegio a Podcast (Logan Kim) un friki de la ciencia y Trevor a la bella Lucky (Celeste O´Connor), de la que se enamora a primera vista. 

Jason Reitman, se graduó en el Harvard-Westlake School en 1995 y se especializó en Inglés/Escritura Creativa en la Universidad del Sur de California. Trabajó como actor en diversas producciones y debutó como director con los cortometrajes, “In God We Trust” 2000, “Gulp” 2001 y “Consent” 2004, para saltar al largometraje con “Gracias por fumar” 2005, “Juno” 2007, “Up in the Air” 2009, “Young Adult” 2011, “Una vida en tres días” 2013, “Hombres, mujeres y niños” 2014, “Tully” 2018 y este año nos presenta “Cazafantasmas: Más allá” 2020. Además ha trabajado en las series “Saturday Night Live” 1975, “Casual” 2015 y la miniserie “Princess Bride” 2020.

Pienso que nunca una secuela ha dado la bienvenida a las nuevas generaciones como lo hace este cazafantasmas: más allá, con tanto ingenio, ritmo, dinamismo, diversión y hasta la nostalgia para quienes asistimos en aquel 1984, de la mano de Ivan Reitman, al primer cazafantasmas y cinco años más tarde, a la continuación; porque de la última entrega, mejor nos olvidamos, ¿verdad?. También merece ser destacado el emotivo recuerdo para el desaparecido Harold Ramis, uno de los guionistas y  de los cazafantasmas originales. Está claro y no es casualidad, que este filme respire la atmósfera de aquellos años 80 en el presente, homenajeando a sus predecesoras y a cuantos instantes esconde entre sus fotogramas; pues para quienes no se hayan dado cuenta, Jason Reitman, es el hijo del director de aquel primer y segundo cazafantasmas, que tantos buenos momentos nos hizo pasar, con sus extravagantes personajes y locuras fantasmales. Ahora, los cazafantasmas regresan de nuevo y no podían faltar los doctores Peter Venkman (Bill Murray), Ray Stantz (Dan Aykroyd) y Egon Spengler (Harold Ramis) a quienes se uniría Winston Zeddemore (Ernie Hudson) junto a la inolvidable Sigourney Weaver, encarnando a Dana Barrett, el gran amor de Peter Venkman, como tampoco lo harán, el malo malísimo, Gozer, esa entidad oscura que aquí se vuelve más intratable y el entrañable Stay Puft (El hombre de malvavisco) que si bien en la primera entrega era un gigantón, en esta ocasión serán cientos de diminutos Stay Puft, ocasionando momentos de comicidad y recordándonos a los traviesos Gremlins 1984 de Joe Dante. No será este el único guiño, pues entre otros nos traerá recuerdos de los “Los Goonies” 1985 de Richard Donner o el inolvidable E.T. 1982 de Steven Spielberg; por poner algunos ejemplos, pues como bien he dicho, esta nueva entrega está llena de sorpresas, convirtiéndose en un gran festival para nostálgicos y un perfecto filme de aventuras para las nuevas generaciones. Un divertimento muy apropiado, para toda la familia, en estas fechas que se avecinan.

Hablando de esas nuevas generaciones, los jóvenes, que siempre buscan sacar el lado más positivo de las adversidades, en esta ocasión, lo harán curioseando entre los objetos que la vieja casa, a la que se trasladan a vivir, contiene y más, al husmear en el viejo granero. Entre esos objetos, hallarán la máquina que detectaba la presencia de ectoplasmas, las ingeniosas trampas, las mochilas con su colisionador de positrones y por supuesto, al inolvidable coche (ECTO-1), que pondrán en funcionamiento. Estos jóvenes tienen nombre propio y son Phoebe, Trevol, Podcast y Lucky, y nos harán partícipes de su gran aventura.

Un filme con un ritmo enérgico, que no nos dejarán acomodarnos en nuestras butacas, pues constantemente están sucediendo cosas y en la mayoría de las ocasiones, disparatadas, logrando despertar en el público grandes sonrisas y sonoras carcajadas. La película se apoya en un guion bien elaborado y meditado, escrito por Gil Kenan y Jason Reitman. Este último, además dirige el filme de forma brillante y cargado de una energía muy positiva y nostálgica, con la que sin duda, desea brindar un merecido tributo a su padre. Con respecto a las interpretaciones, todas correctas destacando a Paul Rudd, como el profesor Grooberson y los jóvenes, endiabladamente divertidos.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 3 de Diciembre

REPARTO: Finn Wolfhard, Carrie Coon, McKenna Grace, Sigourney Weaver, Paul Rudd, Celeste O´Connor, Logan Kim, Anne Potts, Bill Murray, Dan Aykroyd, Ernie Hudson, Bokeem Woodbine y Oliver Cooper.

PRODUCTORA: The Montecito Picture Company// Columbia Pictures// Ghostcorps// Bron Studios// Sony Pictures Entertainment (SPE)

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sony Pictures Entertainment Iberia.

NIDO DE VÍBORAS: CRÍTICA DE CINE

NIDO DE VÍBORAS, está escrita y dirigida por Kim Yonghoon, basándose en la novela de Keisuke Sone. “Una bolsa, un asesinato, un maltratador y muchas deudas”

Vemos como alguien transporta una bolsa de mano, que tras un largo paseo, entre los títulos de crédito, introduce en una taquilla. El empleado de la limpieza de una sauna, Joong Man (BAE Sung-Woo), vive con su madre Soon-ja (JOUN Yuh-Jung). Su pareja, Young- sun (Jin Kyung), también trabaja en el servicio de limpieza, en un aeropuerto. Ambos tienen el sueño de abrir su propio negocio, pero sus sueldos no les dan para ahorrar. Limpiando las taquillas de la sauna, se encuentra con la bolsa que antes hemos visto, en cuyo interior hay una gran suma de dinero; sin saber qué hacer, decide esconderla en el almacén.

Conoceremos a otros personajes como: Yeon-Hee (JEON Do-yeon) quien se ha dado a la fuga con el dinero que su novio, Tae-Young (JUNG Woo-sung), le había robado a un prestamista y a Mi-ram (SHIN Hyun-bin), camarera en un local de alterne y maltratada por su marido. Mi-ram, flirteará con el joven Jin Tae (JUNG Ga-ram), quien enamorado de ella, decide matar a su marido, al enterarse de que la maltrata… ¿Qué os parece que lo dejamos aquí? Va a ser mucho mejor, porque os puedo liar más de lo que se enrevesa en sí, este thriller surcoreano, al que no le falta un detalle.

La obra se divide en 6 partes: 1.- La deuda, 2.- El pardillo,  3.- La cadena trófica, 4.- El tiburón, 5.- Lucky Strike y 6.- La bolsa del dinero; que irán marcando el desarrollo de la narración. La película cuenta con un trasfondo dramático, debido a las condiciones tan lamentables en la que viven los infelices personajes, pero serán los instantes de comedia, que originan las insólitas situaciones, los que sobresalgan y más, cuando la maleta misteriosa o mejor dicho, el contenido de la misma, el siempre codiciado dinero, se convierta en el protagonista principal.

Nos trae recuerdos de la súper premiada “Parásitos” 2019 de Bong Jooh-ho y aunque las historias sean distintas, alcanza un alto grado de comicidad similar, gracias a sus enrevesadas maquinaciones. No obstante, Kim, es un gran admirador de Jooh-ho y de los hermanos Coen, entre otros, y es quizás por ese motivo, por el que su ópera prima, respira el método que dichos maestros emplean, al fusionar humor y suspense.

Una narración que nos exige mantener despiertos los cinco sentidos, pues si bien al comienzo Kim Yonghoon, nos va presentando, de forma encadenada a los personajes principales; la trama es tan astutamente engañosa, que puede llevarnos al despiste. Un ejercicio maravilloso en el que todas las piezas encajan, como anillo al dedo, hasta dirigirnos a un final, sorprendente y del que por supuesto, no haré spoiler.  Una crítica feroz hacia la pobreza, los sueldos indignos, los maltratos y en consecuencia, la avaricia, sobre cuyo eje central, gira todo filme, además de la maleta mencionada.

Yonghoon, para su primera película, adapta la novela de Keisuke Sone, pues tras leerla, lo que más le llamó la atención fue la estructura narrativa y el comportamiento que puede llegar a tener la gente, cuando se encuentran con una gran suma de dinero; cuestionándose la ética y la moral de los personajes, ante esa necesidad de salir de la ruina que les persigue y que les muerde al igual que hiciera un tiburón tigre, analogía que como escucharemos en un momento determinado, en medio de una conversación entre dos de las protagonistas, la hembra de dicho tiburón, puede llevar en su interior un gran número de crías que se irán devorando las unas a las otras, hasta quedar solo una. La más fuerte e inteligente. Un filme con toques tarantinianos, que entre risas, carcajadas y suspense, nos va dejando poso, en medio de lecturas  interesantes de analizar.

El filme cuenta con extraordinarias interpretaciones, en un elenco que funciona a la perfección, bajo una extraordinaria dirección actoral, por parte de Kim Yonghoon y entre los que destaco las actuaciones de JEON Do-yeon interpretando a Yeon-Hee  y BAE Sung-Woo como el empleado de la sauna. Dos personajes que tienen mucho que decir, como el resto de sus compañeros.  A destacar también, la impecable fotografía de Kin Tae-Soo, con el empleo de una magnífica gama de colores, que asignan a cada personaje, así como a las emociones y sentimientos que cada uno muestra, durante la obra.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 3 de Diciembre.

REPARTO: Jeon Do-yeon, Bae Sung-woo, Jung Woo-sung, Jung Woo-sung, Shin Hyun-bin, Jung Ga-ram, Jung-Man Seok, Joun Yuh-Jung, Jin Kyung y Jeong Man-Shik.

PRODUCTORA: Megabox Plus M

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Festival Films.

EL AMOR EN SU LUGAR: CRÍTICA DE CINE

 

El amor en su lugar, está dirigida por Rodrigo Cortés, compartiendo guion con David Safier.

Como reza en el comienzo del filme “Enero 1942. 400.000 judíos de toda Polonia llevan más de un año confinados por los nazis en un pequeño gueto, en mitad de la ciudad. Un alto muro de ladrillos les separa de la libertad y de la vida que fuera continua con normalidad; sin embargo, el espíritu de aquellos habitantes no se ha debilitado. Entre ellos se encuentra un grupo de actores judíos que deciden interpretar una comedia musical en el teatro Fémina, para levantar los ánimos de su gente. Esa misma noche debatirán si aprovechan la función, para escapar”. Será a una de esas actrices, Stefcia (Clara Rugaard) a quien veremos salir de casa y abrirse camino entre los viandantes, los soldados nazis, las ruinas que han provocado en la ciudad y el muro, el muro que les separa del resto de sus conciudadanos, hasta que entra por una puerta de servicio al teatro, en donde el grupo de actores, realizan el último ensayo y preparativos, antes de levantar el telón.

El productor, guionista y director, Rodrigo Cortés, es un director autodidacta que comenzó cuando tenía 16 años con el cortometraje en super-8  “El descomedido y espantoso caso del victimario de Salamanca”, tres años más tarde, en 1998 rodó el cortometraje “Yul” en 35mm., obteniendo una veintena de premios, al que siguieron “15 días” 2000,  “Diminutos del calvario” 2001, “Dentro” y “Los 150 metros de Callao” 2002 y “Dirt Devil” 2007, para saltar ese mismo año al largometraje con “Concursantes” 2007 y continuando con “Buried (Enterrado)” 2010, “Luces rojas” 2012 y “Blackwood” 2018. Este año nos trae “El amor en su lugar” 2021. Hay que incluir los cortometrajes “Por activa y por pasiva” 2013 y “1:58” 2014 y la miniserie “Historias para no dormir” 2021.

Rodrigo Cortés nos ofrece un filme en el que combina con gran acierto, dramaturgia, musical y cine. Un filme intimista, sobrio y realista, desarrollándose gran parte de la historia, entre los decorados que forman el teatro y las bambalinas. Espacios por los que los actores, entre ensayos y representación de la obra “Milosc Szuka Mieszkania”, que el dramaturgo Jerzy Jurandot, escribió durante su reclusión en el gueto de Varsovia durante la II Guerra Mundial, deambularán, exponiendo su lado más humano; el de unos seres que no reprimen sus miedos, carencias, amores, celos, deseos y la imperiosa necesidad de ser libres; mientras se apoyan los unos en los otros y sobreviven, haciendo lo que mejor saben hacer, entretener a un público que precisa olvidar, durante un tiempo, lo que sucede fuera del teatro. Cortés ha respetado el texto de la obra reproduciéndola y manteniendo toda la esencia, tal como se estrenó en 1942, junto a las letras de las canciones originales e inclusive, recreando la iluminación con las famosas lámparas de la época.

El filme arranca con un extraordinario plano secuencia de la protagonista, desde su salida de la casa hasta que llega al teatro, penetra en él y entre saludos, vamos conociendo a parte de los protagonistas. Una obra en la que se nos muestra la importancia de la unidad de grupo y la complicidad entre los mismos, pues gracias a ello podrán resistir a la situación tan amarga por la que están pasando, explorando y brindando el lado más positivo, aunque por dentro, el dolor les atenace. Una película que vira entre el drama que se vive detrás del escenario y la comedia que hace reír a los asistentes, al teatro. Un escenario prácticamente limpio de objetos, en el cual, la escultura de un busto, nos hará despertar algunas sonrisas, ante las ocurrencias del propio texto.

Rodrigo Cortés, nos trae un nuevo capítulo de esa guerra, que como algunas veces me habréis leído, pasadas las décadas e incluso cambiando de siglo, sigue viva en quienes sufrieron los avatares de un campo de concentración o simplemente, la vivieron en primera persona. Por mucho que nos podamos imaginar, espero que jamás ninguno de nosotros y de las futuras generaciones, tengan que padecer algo parecido. Cortés realiza una impecable dirección general y actoral, sacando lo mejor de sus actores, que cumplen sobradamente con sus personajes, llegando a implicar al espectador, en ese día tan señalado para ellos. Cuenta con una extraordinaria fotografía de Rafael García, en donde la iluminación, los contrastes y los precisos encuadres, crean atmósferas que se mueven entre el dolor y la perturbación. Termino haciendo mención de la delicada y a la vez potente banda sonora en la partitura de Víctor Reyes.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 3 de Diciembre

REPARTO: Clara Rugaard, Ferdia Walsh-Peelo, Magnus Krepper, Freya Parks, Jack Roth, Henry Goodman, Dalit Streett Tejeda, Anastasia Hille, Valentina Bellè, Mark Davison.

PRODUCTORA: Nostromo Pictures

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: A Contracorriente Films.

BLACK BOX: CRITICA DE CINE

La coproducción entre Francia y Bélgica, Black Box, está dirigida por Yann gozlan, compartiendo guion con Nicolas Bouvet, Jérémie Guez y Simon Noutairou. “Un buen oído e intuición, pueden ser armas peligrosas”

Mathieu Vasseur (Pierre Niney) es técnico analista de la BEA y experto en escuchas de las cajas negras. Tras desaparecer uno de sus compañeros, le asignan la misión de esclarecer lo sucedido en el avión que se ha estrellado en los Alpes, en la alta Saboya, con más de trecientas personas a bordo y ningún superviviente. Se entregará en cuerpo y alma a la misión y gracias a sus dotes acústicas, descubrirá anomalías y sospechas de lo que ha podido suceder.

El guionista y director, Yann Gozlan, estudió economía en la Universidad de Paris IX Dauphine y motivado por su gran pasión por el cine, se matriculó en 1999 en la Universidad de París VIII Saint Denis, en la especialidad de cine.  Sus inicios estuvieron relacionados con el cine experimental, dirigiendo los cortometrajes “Pellis” 2004 “Echo” 2007 y debutando en el largometraje con “Captifs” 2010, al que siguieron “El hombre perfecto” 2015, “Burn Out” 2017 y ahora, llega a nuestras pantallas con un thriller dirigido el pasado año, “Black Box”

Un thriller, que desde el inicio nos hace cuestionarnos varias preguntas, aunque algunas de ellas, junto a sus respuestas, por resultar demasiado evidentes, las desecharemos enseguida; como son la posibilidad de que haya sido un ataque terrorista, demasiado visto ya en otros filmes; negligencias del piloto o un irreparable  fallo técnico; todas ellas poco estimulantes para el espectador curtido en este tipo de películas, que busca algo más. Es entonces cuando nos detendremos en un personaje en concreto, un experto en escuchas de cajas negras, que posee un oído privilegiado, casi al nivel de un superhéroe. Mathieu, a quien hemos visto desde el inicio, se convierte en el hombre a seguir y acompañar a lo largo de todo el metraje, en una arriesgada misión, pues tras ese accidente y la extraña desaparición de su compañero, se esconde una verdad escalofriante y maquiavélicamente urdida.

Drama e intriga, que irá en ascenso a medida que transcurre la acción, entre giros inesperados y otros demasiado evidentes, mientras entran y salen del juego, personajes sospechosos, como el de su mujer, Noémie (Lou de Laâge), quien también trabaja en el gremio. Una obra clásica en su estructura marcada por una cuidada presentación, el nudo y finalmente el desenlace; que como drama que es, no podrá faltar el lado emotivo y predecible, aunque no importe mucho, que así sea, pues durante dos largas horas, ha conseguido mantenernos sentados en la butaca y con la mirada pegada a la pantalla, evadiéndonos de nuestros problemas e incluso del frío reinante en la calle.

Yann Gozlan mantiene en todo momento el equilibro narrativo y visual, apoyándose en un guion que ofrece tensión, elementos claves bien desarrollados y confiando parte del peso argumental, como punto original, en las famosas cajas negras de los aviones y de esta manera, hacer partícipe al espectador de la importancia de las mismas, su contenido y su posible manipulación. Seremos testigos del análisis minucioso que se efectúa sobre ellas, teniendo en cuenta hasta el mínimo detalle de lo que sucede dentro de una cabina en pleno vuelo, de las conversaciones que mantienen los pilotos, de quienes entran y salen, de las posibles interferencias medioambientales, el sonido de los motores u otros factores que ayuden a determinar lo que realmente ha provocado la caída del avión. Al final y aunque como se dice, viajar en avión es la forma más segura de hacerlo, nos deja con un regusto un tanto amargo y pensando hasta qué punto estamos seguros o no, como algunas veces ha sucedido en otros ámbitos de la sociedad, en las manos de los poderosos, de las grandes empresas y en saber qué es lo más importante para ellos, si la seguridad y la vida de los usuarios o llenar sus cuentas bancarias. Yo prefiero creer en lo primero y que lo visto, en este filme, solo sea un alarde de imaginación y ficción, para el disfrute del espectador.

Una película como ya he comentado, bien dirigida, con una excelente fotografía en la mirada de Pierre Cottereau, la música que ayuda a generar más tensión en la batuta de Philippe Rombi y la gran columna vertebral del filme,  Pierre Niney, encarnando a Mathieu, en un personaje tenaz, obsesivo y cuya  virtud más importante es su lado humano; buscando la verdad para que las familias de los fallecidos tengan una explicación a todas las preguntas, que se hacen.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 3 de Diciembre.

REPARTO: Pierre Niney, André Dussollier, Lou de Laâge, Sébastien Pouderoux, Olivier Ramourdin.

PRODUCTORA: 2425 Fims// Wy Productions// France 2 Cinema// Studiocanal// Panache Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: VERCINE.

LOS PREMIOS MiM SERIES, REGRESAN EN SU 9º EDICIÓN

 

RELABEL COMUNICACIÓN nos informa que Los Premios MiM series regresan a sus fechas habituales con el respaldo definitivo de la industria: La votación correrá a cargo de los profesionales del sector.

La 9º edición, que premia la temporada 2020-21, se celebrará el próximo 21 de Diciembre con la tradicional cena de gala.

Con la vuelta a la normalidad y la esperanza de una plena recuperación del sector, los Premios MiM series, regresan también a su formato habitual, una cena de gala que reúne a la industria audiovisual de nuestro país para celebrar lo mejor de la ficción seriada de la temporada. Así, el próximo martes 21 de diciembre tendrá lugar la gala de entrega de los Premios MiM series, que reconocerán los mejores trabajos de la temporada 2020-21.

Consolidados entre la industria y la prensa, e impulsados por la entidad de gestión de los derechos de autor de guionistas, directores y traductores audiovisuales, DAMA, y patrocinados por Coca Cola, los Premios MiM series, llegan este año renovando su fortaleza recibiendo el apoyo de nuevas asociaciones profesionales.

Así, junto a los miembros de MIM SERIES, los guionistas representados por ALMA y por la federación de asociaciones FAGA, los directores asociados en DIRIGE, los productores a través de su entidad PATE y los intérpretes que forman parte de la UNIÓN DE ACTORES, votan estos días las distintas categorías de las que saldrán las nominaciones que serán anunciadas el próximo 1 de diciembre durante un acto para prensa e invitados que tendrá lugar en la sede de DAMA.

Un año más, los Premios MiM series, principal escaparate nacional de ficción seriada de nuestro país y apodados cariñosamente como “los Emmy ibéricos”, celebrarán nuevamente el inmenso talento que cada temporada se concentra detrás de la pantalla otorgando los 10 MiM que premian los trabajos más destacados en DRAMA, COMEDIA, MINISERIE y FICCIÓN DIARIA estrenadas entre el 1 de OCTUBRE de 2020 y el 30 de Septiembre de 2021. Unos premios que incluyen reconocimientos específicos al mejor guion, dirección y las interpretaciones femenina y masculina en las categorías de drama y comedia. 

Una vez se conozcan estas nominaciones, un jurado configurado por profesionales de primer nivel de las diferentes disciplinas, decidirá los ganadores que se desvelarán el martes 21 de diciembre en la cena de gala que se celebrará en el Hotel Puerta de América.

Como en cada edición, MiM series  apostará también por los jóvenes valores otorgando el Premio Joven Talento y reconocerá la trayectoria de un profesional de nuestras series cuyo trabajo haya contribuido de manera relevante a la ficción de nuestro país con el Premio a la Contribución Artística en la Ficción Televisiva. Ambos nombres se darán a conocer las semanas previas a los premios.

MiM series   celebrará también las segundas Jornadas de Creación Audiovisual, que se realizarán los días 15 y 16 de diciembre y cuyo programa se desvelará próximamente.

Mientras tanto, seguiremos asomados a las pantallas de nuestros hogares, atentos a la excepcional oferta de series que nos brinda la industria audiovisual de nuestro país.

CINE INÉDITO DE DICIEMBRE EN MOVISTAR+

 

Cine inédito de diciembre en Movistar+

UN DISFRAZ PARA NICOLÁS. Desde el martes 21.

Película ganadora del Ariel de México al mejor filme de animación que trata con sensibilidad tanto la vida de un niño con Síndrome de Down como, en general, la importancia de la imaginación y de enfrentarse a los miedos, un mensaje válido para todas las edades.

Nicolás es un niño de 10 años con síndrome de Down que tiene una colección de disfraces que le hizo su madre para avivar su infinita imaginación. Tras el fallecimiento de esta, Nicolás, que no entiende bien la situación, se traslada a vivir con sus abuelos y con su primo David, que sufre continuas pesadillas. Con la ayuda de sus disfraces, Nicolás se embarcará en una aventura fantástica para ayudar a su primo a enfrentarse a sus miedos.

AL UNÍSONO. Desde el domingo 12.

El cómico Ed Helms protagoniza, junto a la joven Patti Harrison, esta entrañable comedia sobre la amistad entre un hombre que desea tener un hijo y la mujer que contrata como vientre de alquiler.

Ed Helms da vida a Matt, un diseñador de aplicaciones de mediana edad que ha decidido tener un hijo a través de una gestación subrogada. El personaje al que encarna Patti Harrison es la joven contratada como gestante, una chica que se quedó embarazada de adolescente (y dio a su hijo en adopción) y que quiere el dinero para realizar los estudios universitarios que aquel embarazo le impidió realizar. Poco a poco, la forzada relación entre el entusiasta futuro padre y la madre de alquiler va acercándolos, creando un profundo vínculo de amistad y amor desinteresado.

Esta cálida y divertida historia estuvo nominada al Gran Premio del Jurado en el Festival de Sundance de 2021.

POMPO, LA MAGIA DEL CINE. Desde el martes 7.

Adaptación de la serie de mangas de Shogo Sugitani que muestra una visión divertida y distinta de cómo funciona la industria del cine. En lugar de centrarse en un solo personaje, la película describe el proceso participativo del medio, poniendo a la hiperactiva directora protagonista al mismo nivel que al joven asistente de producción. La película es un colorido homenaje al séptimo arte con multitud de referencias que van desde Roger Corman, a Disney o Satoshi Kon.

Gene es un asistente de producción de la célebre Joelle Davidovich “Pompo” Pomponett, la extrañamente joven jefa de un estudio especializado en películas poco complicadas y de bajo presupuesto. Cuando sorprende a su superior gracias a su habilidad como editor, esta le encarga que dirija un guion escrito por ella misma: una película de prestigio con los actores más populares del momento.

ESTRENOS MOVISTAR+ DICIEMBRE 2021

 

Diciembre se presenta muy movido con los estrenos de cine en Movistar+. Acción, thriller, ciencia ficción y terror llegan en la recta final del año de la mano de estrellas como Guy Ritchie, Bob Onderkirk, Daisy Ridley, Tom Holland, Jason Statham, Samuel L. Jackson, Chris Rock, Diane Lane y Kevin Costner.

NADIE. Desde el viernes 3

Bob Odenkirk se mete en la piel de un peligroso don nadie en esta violenta y divertida cinta de acción escrita por Derek Kolstad, guionista de la saga 'John Wick', con la que comparte ciertas similitudes. Si en “John Wick” es el asesinato de su perro el que desencadena toda una espiral de violencia, en “Nadie” es el asalto a la casa del personaje de Odenkirk

El protagonista de “Better Call Saul” da vida a Hutch Mansell, un hombre que lleva una vida pacífica y gris, hasta el punto de que, cuando su casa familiar es asaltada por unos ladrones, intenta evitar cualquier tipo de enfrentamiento. Sin embargo, cuando vecinos, familia y amigos comienzan a echarle en cara su pasividad, algo estalla en su interior... algo muy, muy violento.

Completan el reparto Aleksey Serebryakov, Connie Nielsen, Christopher Lloyd, Michael Ironside, Gage Munroe y RZA.

CHAOS WALKING. Desde el viernes 10.

El actual Spider-Man, Tom Holland, y la protagonista de la última trilogía de “Star Wars”, Daisy Ridley, protagonizan esta cinta de acción y ciencia ficción distópica basada en la galardonada trilogía de libros para jóvenes adultos de Patrick Ness, autor de “Un monstruo viene a verme”. Dirigida por Doug Liman, la película sitúa la historia en el año 2257 en Nuevo Mundo, un planeta muy similar a la Tierra en el que los hombres son incapaces de ocultar sus pensamientos. En este escenario postapocalíptico, Viola, una joven que aterriza por accidente allí, conoce a uno de sus peculiares habitantes...

Siniestras criaturas, naves espaciales y armas siderales inundan esta adaptación del primer libro de la saga, que cuenta con la participación del danés Mads Mikkelsen, Demián Bichir, Cynthia Erivo, Nick Jonas y David Oyelowo.

SPIRAL: SAW. Desde el sábado 11.

Samuel L. Jackson, Chris Rock y Max Minghella protagonizan esta novena entrega de la mítica saga de terror “Saw”, creada por James Wan y Leigh Whannell. Darren Lynn Bousman, director de “Saw 2”, “Saw 3” y “Saw 4”, vuelve a ponerse tras las cámaras en este título que sigue al detective Ezekiel “Zeke” Banks (Rock) y a su compañero novato (Minghella) quienes, trabajando a la sombra de un policía ya retirado (Jackson), investigan unos asesinatos que recuerdan a los terribles crímenes que asolaron la ciudad en el pasado.

El guion de “Spiral: Saw”, con su sádico psicópata con una retorcida idea de justicia, corre a cargo de Josh Stolberg, Pete Goldfinger y el propio Chris Rock.

MORTAL KOMBAT. Desde el viernes 17.

La franquicia de videojuegos de lucha “Mortal Kombat” se reinicia en la gran pantalla con esta película protagonizada por el actor anglochino Lewis Tan, quien da vida a Cole Young, un excampeón de artes marciales mixtas acostumbrado a recibir palizas por dinero. Desconocedor de su linaje, no sabe por qué el emperador Shang Tsung, del Mundo Exterior, ha enviado a su mejor guerrero para darle caza. Cole tampoco sabe nada de la marca con forma de dragón con la que nació, pero los poseedores de esa señal son la última esperanza para el Reino de la Tierra, que ha sido derrotado por el Mundo Exterior en nueve de los diez torneos del Mortal Kombat.

Mucha acción y mucha, mucha violencia en este reboot de las adaptaciones al cine de la popularísima franquicia de videojuegos creada por Ed Boon y John Tobias. Dirigida en esta ocasión por el galardonado realizador de anuncios publicitarios Simon McQuoid, que se estrena como director de cine, la película está producida por James Wan, Todd Garner, E. Bennett Walsh y el propio McQuoid.

ESTE CUERPO ME SIENTA DE MUERTE. Desde el viernes 24.

Christopher Landon, vuelve a fusionar cine de terror y humor gamberro en esta divertidísima y sangrienta cinta que juega con el intercambio de identidades de sus dos protagonistas (una joven y un asesino), al más puro estilo “Este cuerpo no es el mío”. Con un desatado Vince Vaughn y una joven Kathryn Newton en “dos de las interpretaciones más deliciosas y entregadas que verás en 2020”

La película gira alrededor de un hecho inexplicable que altera por completo la vida de los dos personajes: como resultado de una maldición, Millie (Newton), una adolescente un tanto sosa y pringada, intercambia su cuerpo con el de un sanguinario asesino en serie (Vaughn). Atrapada en otra piel y abrumada por lo sucedido, la joven dispone de 24 horas para revertir el conjuro si no quiere que el cambio sea permanente.

DESPIERTA LA FURIA. Desde el sábado 25.

Guy Ritchie dirige este violento y trepidante thriller de acción con muchos de los ingredientes que marcan el cine más personal del director inglés, aunque con un tono más serio.

Protagonizada por Jason Statham, al que el propio Ritchie convirtió en uno de los grandes del cine de acción del siglo XXI, “Despierta la furia” cuenta la historia de H, que acaba de incorporarse como guardia de seguridad en una compañía de blindados. Durante un intento de atraco a su camión, H muestra habilidades de un soldado profesional, dejando al resto del equipo preguntándose quién es realmente y de dónde viene.

Esta historia de venganza está basada en la película francesa “El transportista” y cuenta también con las interpretaciones de Holt McCallany, Josh Hartnett, Scott Eastwood y Andy García.

UNO DE NOSOTROS. Desde el miércoles 29.

Unos deslumbrantes Kevin Costner y Diane Lane descienden a los infiernos en este thriller en el que sus abatidos personajes luchan por rescatar a su nieto, un niño atrapado en el seno de una familia cruel y poderosa. Venganza, disputas entre clanes y búsqueda de justicia en esta cinta que avanza del drama familiar al terreno del western más oscuro y violento.

Basada en la novela “Let Him Go”, de Larry Watson, “Uno de nosotros” enfrenta a dos familias durante la década de 1960: los Blackledge, heridos tras la muerte de su hijo y centrados en recuperar a su nieto y los bárbaros Weboy, liderados por una despiadada matriarca que tratará de impedirlo.

EXPEDIENTE WARREN: OBLIGADOS POR EL DEMONIO. Desde el viernes 31.

Ed y Lorraine Warren se enfrentan al descubrimiento más siniestro de su carrera en esta tercera entrega de las películas centradas en Los Warren (los demonólogos más famosos del cine) y octava del universo “The Conjuring”. De nuevo con Patrick Wilson y Vera Farmiga en el papel de los Warren, la trama de “Expediente Warren: obligado por el demonio” comienza el 18 de julio de 1981, cuando Ed y Lorraine acuden a grabar al exorcismo del niño David Glatzel. Tras conseguir expulsar al demonio del cuerpo del pequeño, todos piensan que han puesto fin a meses de tormento, pero, para Arne Johnson, solo es el principio.

Basada de nuevo en un caso real, esta escalofriante historia de terror, asesinatos y maldad conmocionó incluso a los verdaderos Ed y Lorraine Warren y terminó convirtiéndose en la primera vez en la que un sospechoso de asesinato utilizaba en Estados Unidos, como defensa, la posesión demoníaca.

Dirigida por Michael Chaves, James Wan pasa esta vez a la producción y es también el coautor de la historia en la que se basa el guion junto al propio guionista, David Leslie Johnson-McGoldrick.