sábado, 16 de noviembre de 2024

CINE Y FESTIVALES (CXLIII)

NUEVE CARTAS nos informa que el documental “16060 EGUN” (16060 DÍAS) de Iñaki Alforja e Iban Toledo, tendrá su estreno mundial en el Festival Zinebi.

El cortometraje documental '16060 EGUN (16060 DÍAS)' de Iñaki Alforja e Iban Toledo tendrá su estreno mundial la próxima semana en el Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao - ZINEBI, cuya 66ª edición se celebra del 8 al 15 noviembre. '16060 EGUN / DÍAS' se proyectará el miércoles 13 de noviembre a las 18:00 en el Auditorio de Azkuna Zentroa. El film está programado dentro de la sección Bertoko begiradak - Miradas desde Euskadi, centrada en los cortometrajes y documentales que tienen la realidad vasca como tema principal.

Dos días después de presentarse en Bilbao, se podrá ver en Pamplona/Iruña, en el marco de la XIX Muestra de cine, el mundo y los derechos humanos. Se ha programado el viernes 15 de noviembre a las 17:30 en Golem Baiona

Producido por Sagone Films y On produkzioak, '16060 EGUN' aborda la búsqueda del cuerpo del pamplonés José Miguel  Etxeberria Álvarez —Naparra—, hecho desaparecer en 1980. Su desaparición fue revindicada por el grupo paramiliar Batallón Vasco Español. Cuarenta años después, su hermano Eneko mantiene viva la esperanza de encontrar su cadáver.

Los directores, Alforja y Toledo, ya habían abordado estos hechos en el largometraje “Historia de un volante', estrenado en la 69ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián y presentado en el 63º Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao - ZINEBI.  En este cortometraje nos sumergen en la atmósfera del segundo intento de exhumación y en los pensamientos de Eneko durante los cuatro días que duró la búsqueda en un robledal en la localidad de Mont de Marsan.

Como explican Iñaki e Iban, "lo que convierte esta historia en cercana y universal es la necesidad humana de saber qué le ocurrió a tu ser querido desaparecido y la necesidad de tener el cuerpo. Desde el mito de Antígona, pasando por las personas desparecidas de la Guerra Civil, los desaparecidos de Argentina, Chile o México hasta nuestros días. Creemos que la necesidad de Verdad y Justicia es común a todas las personas que han visto violados sus derechos humanos".

Con una duración de 22 minutos, '16060 EGUN' está escrito y dirigido por Iñaki Alforja e Iban Toledo, que también se encarga del montaje. On Produkzioak se ocupa del sonido. Lucia Ezker es la productora.

SINOPSIS: En 1980, el grupo Batallón Vasco Español secuestró e hizo desaparecer a Jose Miguel Etxeberria. Su hermano Eneko tenía entonces quince años y ya lleva 44 buscando su cadáver. Un mercenario policial ha dado una información que ubica el cuerpo en un robledal cerca de la localidad francesa de Mont-de-Marsan. ¿Eneko? ¿Será cierto? Este documental plantea las preguntas: ¿Cuánto tiempo buscarías el cadaver de un familiar? ¿Cuándo se pierde la esperanza?

La historia

En 1980, el grupo Batallón Vasco Español secuestró e hizo desaparecer a José Miguel Etxeberria el 11 de junio de 1980. En ese momento, Eneko tenía 17 años. Este suceso ha marcado la vida de Eneko Etxeberria Álvarez. Desde que la familia interpuso en 1999 denuncia en la Audiencia Nacional española por su desaparición, Eneko ha acompañado a sus padres Celes y Patxi en el intento de recuperar los restos de José Miguel.

Tras perder a sus padres en 2006 y 2018, Eneko asumió la carga de 44 años de incansable lucha en la búsqueda de verdad, justicia y reconocimiento de lo sucedido con su hermano. Esta búsqueda le ha llevado a la sede de la ONU en Ginebra en dos ocasiones participando en el Grupo de trabajo de desapariciones forzadas.

En 2021 se estrena el largometraje documental 'Historia de un volante', que finalizaba con el intento de exhumación en una ubicación aportada por un exmiembro del Cesid que sería desmentida por el reconocido antropólogo forense Paco Etxeberriade de la sociedad Aranzadi, que demostró más probable una segunda ubicación en Las Landas, entre las localidades de Labrit y Brocas, que no se llegó a investigar.

Ahora, '16060 EGUN / DÍAS' acompaña a Eneko en esa segunda búsqueda que nos traslada los sentimientos de Eneko mientras los militares prospectan el suelo y mueven la tierra del robledal.

BTEAM PICTURES nos informa que “NINA de Andre Jaurrieta, tendrá su Premiere Internacional en el Festival de Toronto.

El segundo largometraje de Andrea Jaurrieta, galardonada con la Biznaga de Plata Premio Especial del Jurado de la Crítica en el Festival de Málaga, tendrá su estreno internacional en el Torino Film Festival, que celebra este año su 42 edición. La película estará en competición en la Sección Oficial del festival.

“NINA” ha participado con el proyecto en los laboratorios de Torino Feature Lab, Residencias Academia de cine de España, New Horizons Studio+, Atlántida Film Fest y Abycine Lanza, entre otros.

SINOPSIS: Nina (Patricia López Arnaiz) decide volver al pueblo costero donde creció, con una escopeta en el bolso y un objetivo: vengarse de Pedro, un famoso escritor al que el pueblo rinde ahora homenaje. El reencuentro con su lugar de origen, con sus recuerdos del pasado y con Blas, un amigo de la infancia, le hará replantearse si la venganza es su única opción.

La película está protagonizada por la ganadora del Premio Goya, Patricia López Arnaiz (Ane, 20.000 especies de abejas), y por el ganador de la Concha de Plata en el Festival de San Sebastián, Darío Grandinetti (Hable con ella, Empieza el baile). Completan el reparto en su primer papel protagonista Aina Picarolo (La casa entre los cactus) como Nina joven, Iñigo Aranburu (Los Europeos), Mar Sodupe (La Caza) y Ramón Agirre (Amor).

Producida por BTEAM PRODS, ICÓNICA PRODUCCIONES, IRUSOIN y LASAI PRODUCCIONES.  "NINA" cuenta con la participación de EITB, MOVISTAR PLUS+, FILMIN, HBO Max y VODAFONE TV, y con la financiación de ICAA, Gobierno Vasco, Comunidad de Madrid y Gobierno de Navarra.

FILMAX nos informa que "EL SALTO", "¿ES EL ENEMIGO? LA PELÍCULA DE GILA" y "ALUMBRAMIENTO", nominadas a los 37º Premios ASECAN del Cine Andaluz

Filmax suma 4 nominaciones entre todas sus películas candidatas a los galardones de la Asociación de Escritores y Escritoras de Cine de Andalucía (ASECAN)

"EL SALTO": 2 nominaciones

Premio ASECAN dirección de cine para Benito Zambrano

Premio ASECAN guion de cine para Flora González Villanueva

Benito Zambrano, ganador de dos premios Goya, estrenó su nueva película, "EL SALTO", en los cines de toda España, el pasado 12 de abril, tras su paso por la 27ª edición del Festival de Cine de Málaga en la sección oficial fuera de concurso. Ahora la película ya está disponible en Blu-ray, DVD y plataformas digitales.

Moussa Sylla, Edith Martínez-Val, Nansi Nsue, Mariola Fuentes, Paz Sayago, Vicenta Ndongo, Vicky Peña, Norberto Trujillo y Eric Nantchouang son algunos de los protagonistas de la película que se rodó entre la ciudad de Madrid, sus alrededores y Tenerife. Para el rodaje de la valla que separa España de Marruecos, se construyeron más de treinta metros de valla exactamente igual a la de Melilla. Firma el guion Flora González-Villanueva.

Producida por Jesús Ulled Nadal para Cine365 Films Canarias AIE, Cine365 Films Producciones Cinematográficas y Virtual Contenidos; y Carlos Fernández y Laura Fernández Brites, para Castelao Pictures (Filmax), en coproducción con Jèrôme Vidal para Noodles Productions (Francia). La película cuenta con la participación de: RTVE, Movistar Plus+, Orange, Canal Sur Radio y Televisión, y CREA SGR, con la colaboración del Ayuntamiento de Madrid y de la Madrid Film Office; y con la financiación del ICAA - Ministerio de Cultura y Deporte y del ICO.

"¿ES EL ENEMIGO? LA PELÍCULA DE GILA": 1 nominación

Premio AISGE interpretación femenina para Adelfa Calvo

"¿ES EL ENEMIGO? LA PELÍCULA DE GILA", dirigida por Alexis Morante sobre la inolvidable figura del humorista Miguel Gila, tuvo su estreno mundial en las Galas RTVE del Festival de Cine de San Sebastián y llegara a los cines de toda España el próximo 13 de diciembre.

El filme cuenta con un reparto encabezado por el actor, cómico y mago Óscar Lasarte que interpreta a Miguel Gila en su primer papel protagonista, Natalia De Molina (Premio Goya a Mejor Actriz Revelación por “Vivir es fácil con los ojos cerrados” y Premio Goya a Mejor Actriz por “Techo y comida”), Carlos Cuevas (“La abadesa”), Salva Reina (nominado al Premio Carmen a Mejor Actor por “El universo de Óliver” y Biznaga de Plata al mejor actor secundario por “321 días en Míchigan”), Iván Villanueva (“Reyes de la noche”), Antonio Bachiller (“Carne roja”) y David Elvira. Completan el reparto Adelfa Calvo (Premio Goya a Mejor Actriz de Reparto por “El autor”), Vicente Romero (Premio ASECAN al Mejor Actor por “Intemperie”) y Ramón Ibarra (“El secreto de puente viejo”, “Veneno”, “La promesa”).

"¿ES EL ENEMIGO? LA PELÍCULA DE GILA" , es una producción de Pecado Films (Jose Alba y Odile Antonio-Baez), Arcadia Motion Pictures (Ibon Cormenzana, Ignasi Estapé, Sandra Tapia, Ángel Durández) y Philmo Capital AIE en coproducción con Nu Boyana Portugal (Pedro Domingo y Celine Fernandes), que cuenta con la participación de RTVE, Movistar Plus+, Canal Sur y 3Cat, la financiación del ICAA y la participación de CreaSGR. De su distribución en España se encargará Filmax, así como de las ventas internacionales.

"ALUMBRAMIENTO": 1 nominación

Premio AISGE interpretación femenina para Carmen Escudero

"ALUMBRAMIENTO"​, segundo largometraje de Pau Teixidor, es una emocionante película inspirada en hechos reales que cuenta la historia de Lucía, una adolescente que ingresa en un centro para jóvenes embarazadas en la España de 1982. El filme fue doblemente premiado en el reciente BCN Film Fest con los premios a la mejor dirección y mejor actriz, compartido por todo el elenco de jóvenes intérpretes. Ya está disponible en DVD y plataformas digitales.

"ALUMBRAMIENTO" reúne a un prometedor grupo de jóvenes actrices debutantes, liderado por Sofía Milán (“Amar es para siempre”), que encarna prodigiosamente a Lucía en su primer papel para cine. El elenco llega acompañado por unas espléndidas María Vázquez y Laura Gómez-Lacueva, en el que fue su papel póstumo en la gran pantalla. Completan el reparto las jóvenes Celia Lopera, Carmen Escudero, Paula Agulló, Alba Munuera y Victoria Oliver.

Desarrollada en la primera edición de las Residencias de la Academia de Cine y producida por Aquí y Allí Films ("Que nadie duerma"), Minoria Absoluta (“El maestro que prometió el mar”) y la productora rumana Avanpost ("Quo Vadis, Aida?"), la película cuenta con la financiación del ICAA e ICO, la participación de RTVE, la colaboración del Ayuntamiento de Madrid, el aval CREA SGR y participó en los Foros Abycine WIP, Ventana Cinemad y L'Alternativa Mentoring Projects. De las ventas internacionales y de la distribución nacional en cines se encarga Filmax.

DIAMOND FILMS nos informa que “VITTORIA” de Alessandro Cassigoli y Casey Kauffman, se presentará en el Festival de Cine Europeo de Sevilla, tras su paso por La Biennale de Venecia.

La programación de la próxima edición del Festival, acogerá más de 70 títulos, entre los que se encuentra la italiana Vittoria, una película sobre adopción internacional donde sus protagonistas son también la familia que vivió esta historia real.

Sinopsis: Jasmine, a sus 40 años, tiene todo lo que siempre ha querido: un marido atento, tres hijos que la adoran y una peluquería de éxito en Nápoles. Sin embargo, tras la muerte de su padre, no puede ignorar su deseo de tener una hija, la única manera en que siente que puede ser feliz y completa. Para llenar el vacío que siente, se lanza a un proceso de adopción internacional en el que se cuestionarán todos los aspectos de su vida y se pondrá en riesgo la estabilidad que han conseguido.

Basada en hechos reales, Vittoria profundiza en las complejidades de la dinámica familiar y los deseos aparentemente irracionales de la psique humana.

Declaración de los directores:

Alessandro Cassigoli y Casey Kauffman: “Cuando Jasmine nos contó su historia, ambos nos miramos y supimos que teníamos una película. Allí estaba una mujer consumida por un profundo deseo que todos a su alrededor consideraban irracional. ¿Pero lo era? ¿Está mal dejarse llevar por el corazón y el instinto en lugar de por la razón? Nos propusimos explorar estas preguntas dentro del mundo poco conocido de la adopción internacional, un laberinto que navegan los padres aspirantes en un estado emocional intensificado mientras persiguen su deseo de tener un hijo. Las apuestas son altas, incluso existenciales. Desde el principio, estaba claro que Jasmine y su esposo podían interpretar su propia historia, lo que nos permitió mezclar la experiencia real con la dramaturgia clásica. Sin embargo, no habíamos anticipado que la puesta en escena se convertiría en un espacio donde nuestros protagonistas pudieran confrontar sus resentimientos no abordados. Esta autenticidad cruda, capturada en cámara, no solo resultó gratificante para nosotros como directores, sino que también elevó la experiencia emocional para el público”

SURIA COMUNICACIÓN nos informa que, “LOS RESTOS DEL PASAR” de Luis (Soto) Muñoz y Alfredo Picazo, compite en la Sección Panorama Andaluz de la 21ª edición del Festival de Cine Europeo de Sevilla.

Tras obtener el Premio Fipresci al Mejor Largometraje ‘Tierres en Trance’, el Premio AMAE al Mejor Montaje de Película Española y una Mención Especial del Jurado de Cine Español de la 61ª edición del Festival de Gijón-FICX y otra en la Competición Nacional de Documenta Madrid, Los restos del pasar de Luis (Soto) Muñoz y Alfredo Picazo compite en la Sección Panorama Andaluz de la 21ª edición del Festival de Cine Europeo de Sevilla. La película acaba de ser nominada al Premio ASECAN a la Mejor Dirección de Cine.

En esta película rodada en un exquisito blanco y negro, Antonio, en lo que parecen ser sus últimos días de vida, recuerda una Semana Santa de su niñez en Baena, un remoto pueblo cordobés. El proyecto fue seleccionado en su fase de postproducción para representar a España en Cannes Docs del Marché du Film en 2023. Como película terminada ha participado también en la Sección Panorama España del Festival de Cine de Las Palmas.

Los restos del pasar es una producción de Mubox Studio y Du Cardelin Studio, que ha contado con la colaboración del Ayuntamiento de Baena y la participación de Canal Sur, Caja Rural Baena Fundación, con el apoyo de ECAM y el patrocinio de Diputación de Córdoba – Delegación de Cultura. En su fase de proyecto que ha participado en el pitch del Cannes Docs Marché du Film 2023 y en el Semilleru Lab del FICX 2022. 

Les Films de la Résistance estrenará en cines Los restos del pasar el próximo 29 de noviembre.

PRISMA IDEAS Y EVA CALLEJA nos informa que “BUFFALO KIDS”, la película dirigida por Pedro Solís García y Juan Jesús García Galocha “Galo” sigue imparable este 2024.

Acaba de ser nominada como Mejor Película de Animación en los Premios Forqué y como Mejor Ficción en los Premios Oda, que tienen como objetivo reconocer las representaciones justas, equitativas e inclusivas de las personas LGBTIQA+, racializadas o con discapacidad en los medios audiovisuales españoles.

Sus directores han sido nominados en la categoría de Mejor Director de Animación en la primera edición de los Premios Acción, decididos por la Junta Directiva de la Asociación de Directores y Directoras de Cine.

El Premio Valores Humanos Jose Couso-Julio Anguita Parrado, lo recogieron el pasado sábado en Fuentes de Ebro, Zaragoza. Y también recibieron hace unos días el Premio a los Valores Humanos en el Festival de Cine de Cifuentes.

La película, que es candidata a los Premios Goya y Gaudí en varias categorías, además de los Premios Feroz, ha traspasado ya los 800.000 espectadores, más de 5 millones de euros de taquilla y se coloca como la tercera película española del año en recaudación.

BUFFALO KIDS también ha marcado un nuevo hito para el cine de animación español. La película logró el mejor debut de una cinta española de animación desde “Momias”.

“Buffalo Kids” es una producción de Atresmedia Cine, 4Cats Pictures, Little Big Boy AIE, Anangu Grup y Mogambo Entertainment. Warner Bros. Pictures se encarga de la distribución.

SINOPSIS: Tom y Mary, dos hermanos huérfanos, desembarcan en Nueva York a finales del siglo XIX. Para reunirse con su tío, se aventuran como polizones en un tren por el Salvaje Oeste donde conocerán a Nick, un nuevo y extraordinario amigo que cambiará sus vidas para siempre. Juntos se embarcarán en un peligroso viaje, enfrentándose a malvados villanos, haciendo inesperados amigos y viviendo situaciones únicas en una conmovedora y divertida historia sobre la búsqueda de un hogar. 

“Buffalo Kids” , nace del relato “Cuerdas” (que ostenta el récord Guinnes al corto más premiado del mundo), escrito por Pedro Solís.  Codirigida por Pedro Solís y por Juan Jesús Galocha, “Galo”, que anteriormente fue director de arte en “Cuerdas” y en las dos primeras entregas de Tadeo Jones, y que, con “Buffalo Kids”  se pone al frente de su segundo largometraje como co-director, después de dirigir la exitosa “Momias”, que se estrenó en más de 60 países con más de 55 millones de recaudación internacional en cines y es la película española con mayor distribución por parte de un estudio de Hollywood de la historia.

La historia ha sido creada conjuntamente por Jordi Gasull, ganador de cuatro Premios Goya, y por el propio Pedro. El guion, lo escriben Jordi Gasull y Javier Barreira, ganador también de un Premio Goya, que repiten el tandem de éxito tras “Las aventuras de Tadeo Jones”, “Atrapa la bandera” y “Momias”.

La música corre a cargo del ganador del Premio Goya y de un Grammy Latino Fernando Velázquez.

NUEVE CARTAS nos informa que “YANA-WARA”, representa a Perú en los Premios Goya donde opta a Mejor Película Iberoamericana.

La película YANA-WARA, codirigida por Óscar Catacora  y Tito Catacora, es la cinta que representa a Perú en los 39 Premios GOYA, donde está inscrita en la candidatura a Mejor Película Iberoamericana. Este film, que tuvo su estreno internacional en la 27 edición del Festival del Málaga y también representa al país andino en la carrera de los premios Oscar, es un largometraje hablado en lengua aymara que presenta una historia sobrenatural, con elementos de cine de terror fantasía y drama social, que nos acerca a la visión de la vida, la muerte y los misterios de la cosmovisión del universo aymara.

Basada en una idea original de Óscar Catacora, filmada en un vibrante blanco y negro en escenarios naturales de Conduriri, en El Collao, Puno, en Perú —un lugar a casi 4.000 metros de altitud próximo al lago Titicaca—,  con actores no profesionales y con una fotografía impactante, la cinta está protagonizada por la debutante Luz Diana Mamami, a la que acompañan Cecilio Quispe, Juan Choquehuanca, Irma D. Percca y José D. Calisaya.

“Yana-Wara” está inspirada en las creencias, testimonios y mitos acerca de la fuerza de la naturaleza y las presencias positivas y negativas que rigen la vida de las comunidades altoandinas; la existencia de maldiciones que surgen cuando se rompe el orden cósmico y aparecen entes malignos como el Anchanchu, que habita en las cuevas, y la Malahora, tiempo siniestro que trae desgracias que destruyen y castigan.

Producida por Cine Aymara Studios con el apoyo del Ministerio de Cultura de Perú, la película obtuvo el Premio a Mejor Película peruana en la 9ª Semana del Cine Universidad de Lima y se alzó con una Mención de Honor como Mejor Película Peruana en el 27 Festival de Cine de Lima. Además, ganó los premios a Mejor Película, Mejor Dirección y Mejor Guion en los premios APRECI de la crítica peruana. “Yana-Wara”  también participó en la Selección Oficial del 42° Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay y fue la película inaugural en el 20 Festival de Cine de los Derechos Humanos de Bolivia. Asimismo, la cinta ha participado en el 34º Montreal First Peoples Festival; en el 17° Festival del Cine Español y Latinoamericano de Roma, en Italia; y en el Festival de Cine Latinoamericano de Tubingen 2024, en Alemania.

SINOPSIS: La justicia comunal acusa a don Evaristo, de 80 años de edad, por el asesinato de su nieta Yana-Wara, de 13 años de edad. Durante la audiencia, todos se enteran de la trágica historia de esta joven, quien, a causa de la violencia de género, empieza a tener visiones aterradoras tras haber sido tocada por los espíritus malignos que habitan en los lugares prohibidos del Ande.

SURTSEY FILMS EN EL FESTIVAL DE GIJÓN, está presente en la 62ª Edición del Festival Internacional de Cine de Gijón con “¡GLORIA!” de Margherita Vicario.

¡GLORIA!, tras su paso por la Sección Oficial de la Berlinale, tendrá su premiere española en el Festival de Gijón como película inaugural. La película reivindica la memoria de las mujeres compositoras a lo largo de la historia en el contexto de Venecia en los albores del siglo XIX, donde una joven criada del orfanato y conservatorio de San Ignacio llevará a cabo un descubrimiento que supondrá una gran revolución vital y artística.

"A través de mi trabajo como autora y compositora, me he enfrentado durante años a la misma pregunta: ¿qué opinas del papel de las mujeres en la música hoy en día? Para responder me lancé a investigar. Eso me llevó a escribir ¡Gloria! Al rastrear la historia de las compositoras italianas y europeas, lo que más me intrigó fue el fascinante mundo de los cuatro Ospedali (orfanatos) de Venecia", dice Margherita Vicario, directora de la película.

¡Gloria! se estrenará próximamente en cines de la mano de Surtsey Films.

SINOPSIS: En la Venecia de finales del siglo XVIII, Teresa, una joven criada en el orfanato y conservatorio Sant’Ignazio, descubre un fortepiano que revolucionará su vida y la del instituto. Junto a un grupo de talentosas músicos, desafiará las normas del Antiguo Régimen italiano creando una música rebelde y moderna. "¡Gloria!" narra su inspiradora lucha por la libertad artística y la innovación musical.

KARMA FILMS nos informa que estará presente en el Festival de Gijón FICX62 con: “MI VIDA A LO GRANDE”, “TODO SALDRÁ BIEN”, “MISERICORDIA” Y “VERMIGLIO”

MI VIDA A LO GRANDE  (LIVING LARGE) una película de Kristina Dufková

PREMIO DEL JURADO CONTRECHAMP FESTIVAL ANNECY 2024

NOMINADA EFA COMO MEJOR PELÍCULA Y MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

SECCIÓN ENFANTS TERRIBLES FESTIVAL DE GIJÓN FICX62

MI VIDA A LO GRANDE, recientemente nominada a dos premios de la Academia de cine Europeo en las categorías de Mejor Película y Mejor Película de Animación, se presenta en première española en la Sección Enfants Terribles del Festival de Gijón tras su paso por el Festival de Locarno y el Festival de cine de Animación de Annecy, donde obtuvo el Premio del Jurado Contrechamp a la Mejor Película.

La ópera prima de la directora checa Kristina Dufková es una mirada a la adolescencia a través del viaje de autoaceptación de su protagonista Ben, un chico de 12 años apasionado por la cocina que ve cómo su sobrepeso acaba de convertirse en un problema a resolver. Ben decide ponerse a dieta y así frenar el acoso en el instituto de Max y su pandilla y conseguir tambien que la chica que le gusta se fije en él. Para ello contará con el incondicional apoyo de su loca familia y de sus amigos Eric, Klara y Sonia. Un trabajo de animación en stop motion divertido y atractivo para jóvenes y adultos.

MI VIDA A LO GRANDE tiene previsto su estreno en cines en España en 2025.

TODO SALDRÁ BIEN una película de Ray Yeung, con Patra Au Ga Man y Maggie Li Lin Lin.

SELECCIÓN PANORAMA FESTIVAL DE BERLÍN 2024

SECCIÓN OFICIAL ALBAR FESTIVAL DE GIJÓN FICX62

Presentada en la Sección Panorama del Festival de cine de Berlin, donde ganó el Teddy Award a la Mejor Película, TODO SALDRÁ BIEN es el cuarto largometraje del director Ray Yeung tras una extensa y multipremiada trayectoria en el mundo del cortometraje. La película participa en la Sección Oficial Albar del Festival de Gijón donde se proyecta en premiére española.

“Todo saldrá bien”, nos invita a conocer a Angie y Pat, una pareja que ha compartido su vida durante los últimos 40 años. La repentina muerte de Pat, pone a Angie a merced de su familia política, con la que siempre ha tenido una relación cordial y cercana, teniendo que pelear frente a ellos por mantener no solo su dignidad, sino también la casa en la que ambas vivieron juntas durante toda su relación.

TODO SALDRÁ BIEN tiene previsto su estreno en cines en España en 2025.

MISERICORDIA una película de Alain Guiraudie, con Félix Kysyl, Catherine Frot, Jacques Develay, Jean-Baptiste Durand y David Ayala

SELECCIÓN OFICIAL CANNES PREMIÈRE 2024

ESPIGA DE ORO Y MEJOR GUION SEMINCI DE VALLADOLID 2024

SELECCIÓN ESBILLA FESTIVAL DE GIJÓN FICX62

Tras su exitoso paso por SEMINCI donde ganó la Espiga de Oro a la Mejor Película y el premio al Mejor Guion, MISERICORDIA aterriza en el Festival de Gijón. Producida por Andergraun Films (Albert Serra y Montse Triola), MISERICORDIA es un thriller de misterio dirigido por Alain Guiraudie (El desconocido del lago, 2013) que tuvo su premiére internacional en el pasado Festival de cine de Cannes y ahora se presenta en la Sección Esbilla del FICX62.

Guiraudie construye una enigmática historia con tintes de comedia surrealista alrededor del personaje de Jérémie, un joven que regresa a su pueblo natal para asistir al funeral de un antiguo jefe suyo. Ha decidido quedarse unos días en casa de Martine, su viuda, y así tener la oportunidad de reencontrarse con sus orígenes y sus amigos de la infancia. Pero una misteriosa desaparición va a dar un giro inesperado a la tranquila estancia de Jérémie en Saint Martial.

MISERICORDIA tiene previsto su estreno en cines en España el 14 de marzo.

VERMIGLIO una película de Maura Delpero, con Tommaso Ragno, Roberta Rovelli, Martina Scrinzi y Giuseppe de Domenico.

LEÓN DE PLATA GRAN PREMIO DEL JURADO VENECIA 2024

SECCIÓN OFICIAL SEMINCI DE VALLADOLID 2024

CANDIDATA POR ITALIA A LOS OSCAR

SECCIÓN ESBILLA FESTIVAL DE GIJÓN FICX62

VERMIGLIO, candidata por Italia a los Oscar, llega al Festival de Gijon tras su paso por la SEMINCI de Valladolid. El segundo largometraje de la cineasta Maura Delpero tuvo su première internacional en la Sección Oficial de Venecia y se convirtió en una de las grandes sorpresas del festival italiano donde se alzó con el Gran Premio del Jurado.

“Vermiglio” es un drama de época ambientado en un remoto lugar de los Alpes italianos a finales de la Segunda Guerra Mundial. Un relato coral narrado con sensibilidad y delicadeza que nos adentra en la familia del maestro local y nos muestra cómo la llegada de un soldado desertor al pueblo de Vermiglio, altera la vida de todos y cada uno de ellos para el resto de su vida.

VERMIGLIO tiene previsto su estreno en cines en España el 14 de febrero de 2025.  

NUEVE CARTAS nos informa que “EL SILENCIO DE MARCOS TREMMER” con Adriana Ugarte y Benjamín Vicuña, tendrá su estreno Mundial en el Festival de Mara de Plata.

El segundo largometraje de Miguel García de la Calera, EL SILENCIO DE MARCOS TREMMER, protagonizado por la actriz española Adriana Ugarte y el argentino Benjamín Vicuña, tendrá su estreno mundial en la 39ª edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, que se celebra entre  el 21 de noviembre y el 1 de diciembre en Argentina. La cinta de García de la Calera competirá en Sección Oficial del prestigioso certamen argentino, único festival latinoamericano calificado por la FIAPF como Categoría 'A'. En España se estrenará en el primer cuatrimestre de 2025. Próximamente se anunciará la fecha.

Llega así a las salas comerciales esta coproducción de  España, República Dominicana, Uruguay y Chile rodada en 2023 en diversas localizaciones de los tres países. En el caso de España, se filmó en el Museo Thyssen-Bornemisza, Círculo de Bellas Artes, la Cibeles, Plaza Mayor, Gran Vía, La Latina y las Cuatro Torres.

La película cuenta con un elenco formado por Benjamín Vicuña, Adriana Ugarte, Félix Gómez, Daniel Hendler, Hony Estrella, Irene Ferreiro y Mirta Busnelli.

¿Dónde está la línea divisoria entre el altruismo y la soberbia? ¿Se puede llegar a comprender el significado del amor verdadero cuando uno no está dispuesto a hacerse vulnerable frente al otro? Bajo esta premisa temática se ha construido la historia de Marcos Tremmer, un hombre peculiar capaz de renunciar al consuelo que su mujer podría darle los últimos meses de su vida, con tal de evitarle un inmenso sufrimiento. A través de su silencio protege, o cree proteger, a la persona que ama.

El director del filme explica que "estrenar en Mar de Plata es un verdadero honor y un sueño por el prestigio de este certamen; comenzar el recorrido de la película aquí es empezar por la puerta grande.  Estamos súper contentos. Es una película muy bonita; cuenta una historia de amor con el cáncer como telón de fondo. Es una historia con un punto vitalista, emotiva y romántica, que toca aspectos muy humanos como dejarse amar por la persona que quieres en la vida o si  decidir por la persona amada es amor o egoísmo".

Producida por Helix S.R.L., La Higuera Films S.L., Gonitel S.A., e Inversiones y Asesorías Cinematográficas, “El silencio de Marcos Tremmer” está dirigida por Miguel García de la Calera a partir de un guion de Javier Dampierre, Ricardo Urroz. Cuenta con Analía Pollio como directora de Fotografía. Ana Giovanoni es la diseñadora de Producción. Miguel García de la Calera, Adolfo López Sojo, Federico Moreira, Félix Rodríguez y Matías Cardone son los productores.

“El silencio de Marcos Tremmer” cuenta con la financiación de la Dirección General de Cine Dominicano, Uruguay Audiovisual, Programa Ibermedia e incentivos del ICAA. La película tienes una duración de 110 minutos.

SINOPSIS: Marcos Tremmer es un exitoso publicista uruguayo que vive en Madrid, locamente enamorado de su mujer, Lucía. Un día, Marcos descubre que una enfermedad letal acabará con su vida en pocos meses. Para proteger a Lucía del que, por seguro, será un inmenso sufrimiento, toma una decisión arriesgada: ocultar la situación y alejarla. Pero, ¿tiene derecho a decidir por ella? Esto situará a Marcos en una contradicción muy dolorosa, solo asumible con la certeza absoluta de que está haciendo lo correcto…

viernes, 15 de noviembre de 2024

EL TEATRO PAVÓN ESTRENA "EL JEFE DEL JEFE"

 

El jefe del jefe, la disparatada comedia de oficina de Lars Von Trier se estrena en el Teatro Pavón protagonizada por Fernando Gil.

La única comedia que ha filmado el director danés Lars Von Trier, El jefe de todo esto, estrenada en 2006, sube a las tablas del Teatro Pavón en una versión teatral española, El jefe del jefe, que se estrena el próximo 21 de noviembre. El director argentino Ricardo Hornos y el actor Fernando Gil han trabajado conjuntamente para dar forma a un texto que pasa del humor danés al castellano a partir de la adaptación escénica que hizo el director británico Jack McNamara. Carol Rovira, Críspulo Cabezas, Aure Sánchez, Laura Laprida y Vito Suárez completan el reparto de esta obra que permanecerá en cartel hasta el 26 de enero de 2025.

Esta crítica de las grandes corporaciones y la falta de humanidad en las relaciones empresariales, sitúa a sus personajes en la oficina de una empresa que está a punto de venderse. Los compradores quieren conocer al jefe. Pero ese jefe no existe. Es un personaje ficticio creado por el propietario para endosarle las decisiones más incómodas que ha ido tomando. De modo que contrata a un actor para que haga el papel. Sin embargo, el actor querrá poner de su parte más de lo que se le pide. Rodeado de empleados inadaptados a los que se siente próximo, dudará de la misión de vender la empresa que se le ha encomendado.

Fernando Gil, que alterna la interpretación, por ejemplo, en la reciente serie Machos Alfa, con la escritura teatral, interpreta a ese actor “entusiasta y de imaginación desbordante, aunque la mayoría de las veces no es para nada acertada dentro de los códigos de la empresa. Aparenta perfectamente ser el jefe, pero está más perdido que un pulpo en un garaje”, describe el propio Gil.

Al considerar participar en este proyecto que produce MP Producciones, a Gil le atrajo la capacidad de Von Trier de actualizar el estilo de una “pura comedia de enredo” e imprimirle matices de una crítica social hacia la deshumanización que hay detrás del “ultracapitalismo” actual, “en el que el beneficio de un individuo pone en jaque, sin escrúpulos, la vida de un grupo de emprendedores”, explica.

El jefe del jefe pone, pues, en entredicho la falta de escrúpulos que se da dentro de ese sistema capitalista “más férreo y radical”, que anula dotar de cierto sentido humano y social a determinadas decisiones empresariales que atiendan más al grupo que al individuo.

El director del montaje, Ricardo Hornos, apunta a que en muchas corporaciones se diluye, como en esta obra, la responsabilidad última de las decisiones. “Cuando uno escucha el informe trimestral de una empresa grande de Wall Street o de Londres siempre hablan de inversores, pero las decisiones las toman otras personas que después dicen: esto fue el comité de dirección…”.

Gil y Ricardo Hornos afrontaron desde el entendimiento su trabajo conjunto en la versión castellana de El jefe del jefe. “Al ser una película del norte de Europa, a veces le faltaba ese carácter más mediterráneo que demanda el texto para que el público de aquí entrara al trapo desde el minuto uno”, explica el actor. De modo que esta versión se aparta, añade Gil, del “carácter aséptico que tienen los daneses en el trato social para imprimir una personalidad más apasionada y explícita de nuestra cultura”.

“Al pasar del humor danés al español, creo que se ha vuelto bastante más graciosa la cosa”, corrobora Hornos. De hecho, confiesa que trabajando en la obra, se han reído “a carcajadas”. Para él esta adaptación “al español castizo” se explica en la medida en que cree que existen los humores nacionales. “Hay aspectos culturales que hacen que ciertas situaciones, ciertos chistes, ciertos giros, ciertos guiños sobre todo, funcionen mejor en uno idioma que en otro”. De modo que los espectadores se encontrarán con un texto poco danés y muy español. No solo en la lengua, sino en referencias geográficas, y en giros idiomáticos.

Para hacerse una idea del tipo de comedia que destila El jefe del jefe puede pensarse en la serie The office y sus personajes alocados y absurdos, en el teatro de Harold Pinter, en el que es más importante lo que se calla que lo que se dice y en donde el subtexto dentro de cada frase de diálogo es el protagonista. Y hay momentos en el que el enredo lleva a tal absurdo que asoma el teatro de Ionesco.

Tanto Hornos como Fernando Gil y la mayoría de quienes participan en el proyecto vieron la película de Von Trier. “Me pareció una comedia originalísima”, afirma Gil. “Es puramente humor ácido”. Pero Hornos subraya que una cosa es la película y otra la obra de teatro, con sus límites escenográficos, de número de actores, la ausencia de exteriores... lo que exige una adaptación importante. “Y eso es lo que hicimos”. Pero por supuesto tuvieron en cuenta la película como referencia. “Hubiera sido irresponsable no hacerlo”, concluye el director de El jefe del jefe.

jueves, 14 de noviembre de 2024

FLIX OLÉ EXTRENA EN EXCLUSIVA VOLVER A EMPEZAR Y OTROS TÍTULOS DEL DIRECTOR

                             

FlixOlé estrena en exclusiva el primer Oscar al cine español: Volver a empezar, junto a otros títulos de José L. Garci.

La plataforma incorpora Asignatura aprobada, Canción de cuna, Ninette, Luz de domingo y Holmes&Watson: Madrid Days, haciendo un total de 17 las películas del director disponibles en el catálogo.

Por la alfombra roja hollywoodiense habían pasado numerosas películas españolas nominadas al Oscar, pero no fue hasta 1983 cuando una producción patria fue galardonada con la dorada estatuilla. En la 55ª edición de la gala, la actriz alemana Luise Rainer pronunció, a su manera, el título dirigido por José Luis Garci que pasaría a la historia: Volver a empezar (1982). Los ecos del icónico momento resuenan ahora en FlixOlé con el estreno en exclusiva de esta obra maestra. La plataforma incorporará a su catálogo el próximo viernes, 4 de octubre, el oscarizado largometraje, así como otros cinco filmes del autor nostálgico por antonomasia de nuestra cinematografía: Asignatura aprobada (1987), Canción de cuna (1994), Ninette (2005), Luz de domingo (2007) y Holmes&Watson: Madrid Days (2012).

El polifacético divulgador y crítico cinematográfico, guionista y director había ejercido de cronista de la Transición a través de la gran pantalla cuando se aventuró a homenajear a toda una generación que vio interrumpida su juventud por la dictadura con un melodrama de amor tardío que rescataba todo lo que pudo ser y no fue. En Volver a empezar, Garci presenta a Antonio M. Albajara (interpretado por Antonio Ferrandis), un reputado escritor, Nobel en Literatura, que regresa a su Gijón natal después de 40 años de exilio forzado. En este viaje por los recuerdos se reencontrará con Elena (Encarna Paso), el amor de su vida, y ambos intentarán recuperar el tiempo que les fue robado.

El noviazgo de su adolescencia, los paseos por la playa de San Lorenzo, la visita al césped de El Molinón son algunas de las escenas con las que el director tiñó de nostalgia la despedida de Antonio a lo que vivió, y también a lo que nunca llegó a existir.  Este canto a la memoria y a la melancolía de un pasado idealizado, entonado a ritmo del Canon de Pachelbel, el Oh Lord, Why lord de los Pop-Tops y del Begin the beguine de Cole Porter, supuso la consagración de Garci en el panorama nacional e internacional; al tiempo que su Oscar puso la mirada en la nueva generación de cineastas de la industria española.

Más estrenos de Garci 

La película se estrenará en exclusiva en FlixOlé después del proceso de restauración realizado en los laboratorios de la plataforma, permitiendo la visualización del título en unas condiciones de imagen y sonido inmejorables.

Junto a Volver a empezar, FlixOlé incorporará a su catálogo a partir del 4 de octubre cinco películas más de José L. Garci, que se sumarán a los títulos con los que ya contaba la plataforma, haciendo un total de 17 los largometrajes del director disponibles. Así, se añadirán Asignatura aprobada (1987), con la que el realizador cumplió su primera década filmográfica evocando su ópera prima (Asignatura pendiente, 1977) y acentuando el sentimiento de fracaso en las segundas oportunidades.

Transcurridos varios años sin rodar, Garci se situaría de nuevo tras la cámara para iniciar un periodo copado por adaptaciones literarias y que conectaba su sentimiento nostálgico con épocas pasadas en lugar de relacionarlo con la actualidad, como así hizo en sus anteriores filmes. La primera de dichas adaptaciones fue Canción de cuna (1994), un relato sobre la maternidad narrado en un convento de monjas que obtuvo nueve nominaciones y cinco goyas.

Ya en 2005, el autor madrileño de ascendencia asturiana llevaría la obra teatral de Miguel Mihura, Ninette y un señor de Murcia, a la gran pantalla con Elsa Pataky poniendo el acento afrancesado y Carlos Hipólito el del provinciano que cae prendido de los encantos de la joven, dicharachera y sensual Ninette (2005). Dos años después, Garci regresaría a Asturias para filmar Luz de domingo, el adiós de Alfredo Landa al mundo del cine en una adaptación de Ramón Pérez de Ayala con la que representó las prácticas caciquiles en la España rural.

En su penúltimo proyecto, el director decidió hacer un doble homenaje a dos novelistas, Arthur Conan Doyle y a Benito Pérez Galdós, en Holmes & Watson: Madrid Days (2012). Del primero tomó prestado su célebre y detectivesco personaje, Sherlock Holmes, para llevarlo al Madrid galdosiano en el marco de unos crímenes aparentemente relacionados con Jack el Destripador.

Todas estas películas estarán disponibles en FlixOlé junto a otros títulos que ya se pueden reproducir en la plataforma: Asignatura pendiente (1977), Solos en la madrugada (1978), Las verdes praderas (1979), El crack y El crack 2 (1981 y 1983, respectivamente), Sesión continua (1984), La herida luminosa (1997), El abuelo (1998), You’re the one (2000), Historia de un beso (2002) y Tiovivo c. 1950 (2004).

La plataforma está disponible en Smart TV, tabletas y teléfonos IOS y Android, Fire TV, Orange TV, ZapiTV, Amazon Prime Vídeo, Movistar Plus+ y a través del ordenador, además las películas se pueden descargar para verlas sin conexión a internet en cualquier dispositivo móvil.

miércoles, 13 de noviembre de 2024

NUNCA TE SUELTES: CRÍTICA DE CINE

NUNCA TE SUELTES está dirigida por Alexandre Aja con guion de Kevin Coughlin y Ryan Grassby. “Me quiere más a mí”

June (Halle Berry) es una mujer viuda que vive en una cabaña en medio del bosque con sus dos hijos Nolan (Percy Daggs) y Samuel (Anthony B. Jenkins), en constante alarma, angustiada y aterrorizada. La casa es el único lugar de protección para los tres y si salen al exterior en busca de alimentos, deben ir amarrados a una cuerda, cuidando de no soltarse jamás, si esto ocurriera, se despertaría el Mal (Stephanie Lavigne) que se esconde en el bosque y tiene la facultad de mutar de forma, a su antojo. En un momento determinado Nolan se pregunta qué hay de cierto en el peligro que su madre afirma existe en dicho bosque.

El guionista, productor y director, Alexandre Aja, estudió en le Lycée Montaigne y desde muy joven comenzó a trabajar en pequeños papeles con su padre Alexandre Arcady. En la dirección debutó con el cortometraje “Over the Rainbow” 1997 cuando contaba con 18 años y dos años más tarde llegaría su primer largometraje, “Furia” 1999 al que han seguido “Alta tensión” 2003, “Las colinas tienen ojos” 2006, “Reflejos (Mirrors)” 2008, “Piraña 3D” 2010, “Cuernos” 2013, “La resurrección de Louis Drax” 2016, “Infierno bajo el agua” 2019, “Oxígeno” 2021 y este año nos ofrece “Nunca te sueltes” 2024. También ha dirigido los cortometrajes “The Esseker File” 2009 y “Campfire Creepers: The Skull of Sam” 2017 y colaboró en el documental “Cinémas d`Horreur: Apocalypse. Virus. Zombies” 2011.

El filme está dividido en tres partes: I) La cuerda es tu salvavidas, II) Cómo daré de comer a mis hijos y III) Qué será de nosotros. Una pieza dramática con connotaciones psicológicas y paranormales, que no quedan muy bien explicadas y es que de nuevo, el guion o debería decir los guionistas, son los culpables de todos los males y aquí no será por falta de tiempo e ideas, pues a falta de uno son dos para desarrollar la historia.

La película arranca con interés y despegándonos de la butaca. Una familia  aterrada por algo maligno que se esconde en el bosque e incluso dándonos a entender que la humanidad ha desaparecido, aunque por otra parte, nada original, sin ir tan lejos este año hemos visto “Cuando acecha la maldad” de Demián Rugna, “El hombre del saco (Bagman) de Colm McCarathy o “Los vigilantes” de Ishana Shyamalan, por poner tres ejemplos muy diferentes entre ellos pero con un mismo denominador común. Algo se esconde en el bosque, que aterra y mata. Hemos pasado de las casas encantadas, que de vez en cuando regresan a la gran pantalla, a los bosques y lugares apartados de la civilización, y no estoy en contra de esos parajes, todo lo contario, pero sí de las historias que se desarrollan en ellos y la manera en que se cuentan.

En esta ocasión no solo es el entorno, sino la casa, pues esta se nos muestra como el eje central del filme, podríamos decir que es el alma y el corazón que mantiene unida a la familia y con vida, pues mientras permanezcan en su interior nada malo les puede pasar o si deciden salir, lo hagan atados por gruesas cuerdas que parten de un lugar determinado de la casa y que debido a su extensión, les limita ir más allá de cierto espacio. Los que ya estamos curtidos en este género, nos hace pensar si la longitud de la cuerda es casual o tiene una razón de ser. Esa fue la primera pregunta que me hice pero luego, mientras esperaba a que sucediera algo interesante o que me alterase, brotaron otras como ¿Qué fue del padre de los chicos?, ¿Qué sucedió con la madre de June a la que cree ver en determinadas ocasiones? Y una que me llamó la atención. ¿Por qué dice que el Mal, puede tomar la forma que desee, la de una niña, la de un joven o incluso, la de su propia madre?

Demasiados interrogantes que no reciben contestación ni explicación alguna, aunque puedas lucubrar que algo más oscuro oculta June. Toda esa falta de información provoca que llegando a un momento determinado de la narración, el filme caiga al abismo y se pierda cierto interés. Salvo detalles como el escuchar en incontables ocasiones el mantra que utilizan a modo de conjuro y rezo, mientras tocan la madera del interior del hogar, como si se tratara de algo sagrado en una pugna entre lo profano y religioso, entre el bien y el mal; las cortas salidas en busca de alimento o que al miedo, la superstición y la incertidumbre reinantes, se unan las dudas de Nolan, tras reflexionar sobre lo que su madre les ha contado desde muy niños, pues en realidad nunca han sido testigos de ningún acontecimiento extraño. Dudas que se contagian en el espectador.

Por muy buen trabajo que realizan Halle Berry y los dos jóvenes Percy Daggs y Anthony B. Jenkins, dando vida a los tres personajes principales y la cuidada fotografía de Maxime Alexandre, con un delicado uso de la iluminación, nada puede salvar al filme de pasar sin dejar huella, como una película más del género.

Mi nota es: 6

ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de noviembre.

REPARTO: Halle Berry, Percy Daggs IV, Anthony B. Jenkins, Matthew Kevin Anderson, Stephanie Lavigne, Christin Park, Cadence Compton, William Catlell, Mila Morgan y Georges Gracieuse.

PRODUCTORA: 21 Laps Entertainment// Media Capital Technologies// Lions Gate Films// HalleHolly.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértice 360.

martes, 12 de noviembre de 2024

GLADIATOR 2: CRÍTICA DE CINE

GLADIATOR 2 está dirigida por Ridley Scott con guion de David Scarpa. “La arena convierte a los esclavos en gladiadores y a estos, en hombres libres”

Han pasado 16 años de la muerte de Máximo (Russell Crowe). Lucio (Paul Mescal) y su mujer Aristhat (Yuval Gonen) son una pareja de soldados que viven felizmente en Numidia, en la costa norteafricana. Se ven obligados a entrar en contienda contra las legiones romanas a cargo de Marcus Acacius (Pedro Pascal). Aristhat muere atravesada por una flecha y Lucio es apresado y llevado a Roma, gobernada por los emperadores Caracalla (Fred Hechinger) y Geta (Joseph Quinn) que tienen al pueblo sumido en la miseria. Allí es vendido a Macrinus (Denzel Washington), un rico mercader, quien pronto descubrirá en Lucio el potencial para la lucha en la arena como gladiador, a causa de la ira que rezuma en su interior.

En el año 2000, Ridley Scott nos sorprendió con un gran espectáculo ambientado en la época romana, “Gladiator”, colmado de aventuras, intrigas, venganzas y complots. Ganó numerosos premios internacionales entre ellos 5 Oscar.  Este año reemprende aquella historia, con un inicio que nos deja pegados a la butaca, hasta transcurridas las dos horas y media de metraje. Nuevamente y a sus 86 años de edad, el maestro nos sorprende en pleno estado de forma y lucidez. Es impresionante admirar el trabajo que realiza. Una impecable MasterClass de cine clásico y épico, esta última palabra, épico, seguramente la usaré en más de una ocasión a lo largo de esta reseña, pues el filme lo merece y seguramente entraría en debate, al afirmar que la considero más apoteósica que la primera.

Por si existe alguna duda, os comunico que no es un nuevo remake, como habréis intuido en la reseña y algunos pensaban. Estamos ante una segunda y muy digna entrega de “Gladiator”, por lo que os recomiendo, antes de ver este nuevo espectáculo, refresquéis la memoria visionando la original y si consideráis que quedó algún fleco suelto o la duda de que pasó con determinados personajes, no os preocupéis, aquí se resuelve, tomando de nuevo, como telón de fondo esa Roma clásica, por cuyos pilares se filtraba la corrupción, las luchas por el poder y las intrigas políticas. Tras escribirlo y tal y como suena, parece que no hemos avanzado mucho pasados los siglos.

La Roma corrupta, en esta ocasión está bajo el mandato de Caracalla y Geta, dos hermanos que Septimio Severo nombró, antes de morir, coemperadores en el año 211 d. C. Dos miserables y crueles emperadores que mientras disfrutaban de una vida de lujo, de cuantos placeres les ofrecía la vida y de los grandes eventos o espectáculos que les brindaban las sangrientas luchas de gladiadores, el pueblo pasaba hambre. Junto a la corrupción desfilarán las intrigas políticas y las luchas por el poder, durante las cuales los emperadores, senadores e incluso altos cargos de la alta sociedad y del ejército, debían mantener  cubiertas las espaldas, para no sentir el frío aliento de la muerte. No faltará, entre las páginas del guion y las imágenes ofrecidas por Ridley, el espíritu de Máximo presente durante el metraje, sin olvidar las grandes batallas, invadiendo países lejanos o las diseñadas en otros espacios, para sorpresa y goce del espectador, que no haya visto el tráiler. Todo es más grandioso, más espectacular, más brutal y me atrevería a asegurar que más sangriento.

Una narración épica que deslumbra en cada plano, en cada escena, en cada encuadre perfectamente planificado al milímetro, para que nada falle, para que todo resulte apoteósico y sencillamente natural, dentro de lo complejo. Luchas internas y externas que Ridley Scott junto al guionista David Scarpa, con quien trabajó en Napoleón, aprovecha para recrear coreografías navales y terrestres de gran impacto visual, en comunión con los momentos más íntimos y personales de los personajes. Si algo hay que achacarle es que algunos acontecimientos o personajes históricos saltan ciertos años en el espacio tiempo, pero nadie nos ha dicho que sea una recreación fiel a la Historia, sino una de esas película que abrazando hechos históricos, la convierte en un filme inolvidable, de los que por desgracia ya no se hacen.

Ridley se ha vuelto a rodear de un gran grupo de estrellas, actores y actrices que dan vida a estos personajes con gran credibilidad, despuntando a un descomunal Paul Mescal como el nuevo gladiador, un magnífico Pedro Pascal como el general Marcus Acacius y un impresionante Denzel Washington como Macrinus el mercader y en el lado femenino repitiendo personaje, una maravillosa Connie Nielsen como la emperatriz Lucilla; por nombrar alguno de ellos, pues todos, sin excepción, están brutales en sus personajes.

Por todo lo dicho estamos ante un filme de venganzas, de amores y traiciones, de redención, de fidelidad, de corrupción y de esa fuerza que generan los vínculos de sangre. Hay dolor, sudor, rabia y caricias, miradas que atraviesan y otras que alivian, cuerpos fornidos con mentes sensibles y cuerpos débiles con mentes perversas. Quien crea heridas y quien las cura. La gran contienda entre el bien y el mal, la lucha entre la justicia y las injusticias, la eterna batalla de hombres cabales soñando con sobrevivir en un mundo hermoso en contienda con los más viles, viciados por el deseo de poder, dominación y destrucción. La Historia nos enseña, pero parece que no queremos aprender, es como si el ser humano hubiera nacido para destruirse a sí mismo, cuando debería ser todo lo contrario.

Gladiator 2 cuenta con una espectacular y deslumbrante fotografía de John Mathieson, con quien ya ha trabajado en otras películas entre ellas “Gladiator”, “Hannibal” o “El reino de los cielos”, la épica banda sonora de Harry Gregson-Williams, el impresionante vestuario de Janty Yates y  David Crossman o el colosal montaje de Claire Simpson. Si por algo ha destacado siempre el gran maestro Scott, es por la estética en sus filmes, que incluso deja huella en películas menores. Puestas en escena brillantes que la mente captura por su belleza, inclusive cuando la crueldad se desata y aquí me detengo. Ha sido una crítica larga, lo sé, pero creo que merecía la pena. Así que ya sabéis, si visteis la primera parte, no podéis dejar de ver esta y si no fue así, os recomiendo que la veáis y luego disfrutéis de esta obra maestra.  

“Donde tú vas, allí estaré para siempre”

Creo que es fácil intuir que nota voy a poner. Por sí sola se lo merece pero si además, la unimos a su predecesora, con más motivo. Mi nota es 10 y gracias maestro por esta segunda entrega, que no solo yo, sino muchos amantes del cine y de aquel primer “Gladiator” pensábamos si era necesaria. Sí, lo era y es de justicia reconocerlo.

ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de noviembre.

REPARTO: Paul Mescal, Pedro Pascal, Connie Nielsen, Joseph Quinn, Denzel Washington, Fred Hechinger, Derek Jacobi, Lior Raz, Peter Mensah, Matt Lucas, May Calamawy, Chi Lewis-Parry, Alexander Simkin, Mike Parish, Jean Carbonaro, Alex Gasperetti, Rory McCann, Alec Utgoff, Tim Mclnnerny, Alexander Karim, Lee Charles, Riana Duce, Chidi Ajufo, Alfie Tempest, Hadrian Howard, Mikhail Basmadjian, Paul Candelent, Tom Moutchi, Matthew Charlery-Smith, Maxime Durand, Kurt Laferla, Nahna James, Line Ancel, Bernard Meenan y Stathis Papadopoulos.

PRODUCTORA: Scott Free Productions// Red Wagon Productions// Paramount Pictures// Parkes+MacDonal Image Nation// Red Wago Films.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Paramount Pictures Spain.  

BIOGRAFIA DEL DIRECTOR:

Ridley Scott, estudió Arte y Cinematografía en el West Hartlepool Collage of Art y en el Royal Collage of Art, donde desarrolló sus dotes en la pintura, la decoración, la fotografía y el diseño gráfico. Su primer cortometraje lo rodó mientras estudiaba en la escuela de cine, “Boy on a bycicle” 1965 y un capítulo para la serie “Z Cars” de ese mismo año. Continuó en la televisión en series como “Thirty-Minute Theatre” 1966, “Adam Adamant Lives!” 1966/67, “The Infomer” 1967 y “The Troubleshooters”  1969, saltando al cine con “Los duelistas” 1977, “Alien, el octavo pasajero” 1979, “Blade Runner” 1982, “Legend” 1985,  “La sombra del testigo” 1987, Black Rain” 1989, “Thelma & Louise” 1991, “1492; La conquista del paraíso” 1992, “Tormenta blanca” 1996, “La teniente O, Neal” 1997, “Gladiator (El gladiador)” 2000, “Hannibal” y “Black Hawk derribado” 2001, “Los impostores” 2003, “El reino de los cielos” y “Todos los niños invisibles” 2005, “Un buen año” 2006, “American Gangster” 2007, “Red de mentiras” 2008, “Robin Hood” 2010, “Prometheus” 2012, “El consejo” 2013, “Exodus: Dioses y reyes” 2014,  “Marte” 2015, “Alien: Covenant”  y “Todo el dinero del mundo”2017, La Casa Gucci”  y “El último duelo” 2021, “Napoleón” 2023 y este 2024 nos ofrece “Gladiator 2”. No menciono los premios que han obtenido sus obras, porque son numerosos, al igual que los videoclips, sus intervenciones en diversas series de televisión y cortometrajes.

lunes, 11 de noviembre de 2024

EL BAÑO DEL DIABLO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Austria y Alemania, El baño del diablo está escrita y dirigida por Severin Fiala y Veronika Franz.

Una mujer camina con su bebé llorando en brazos, se interna en un bosque, le coloca un collar que parece un amuleto alrededor del cuello y desde lo alto de una gran cascada lo arroja al agua. Lentamente regresa al pueblo, llama a una puerta y cuando abren comenta que ha cometido un crimen, dicha mujer es condenada a muerte y expuesta ante todos.

Estamos en Austria en el siglo XVIII. En un pueblo rodeado de bosques en donde vive Agnes (Anja Plaschg), preparándose para casarse con Wolf (David Scheid). Una boda austera y tranquila. La noche de bodas Wolf parece no tener demasiado interés en consumar la relación y así ocurre el resto de las noches y de los días. Viven de lo poco que da la pesca. Agnes contrae una extraña dolencia física y mental y hasta aquí puedo escribir.

El guionista y director, Severin Fiala, se inició escribiendo y dirigiendo cortometrajes en 2009. En 2012 codirigió el documental “Kern” junto a Veronika Franz. Juntos alcanzarían un gran éxito internacional dos años más tarde con “Buenas noches Mamá” 2014. En su filmografía nos encontramos con el mediometraje “ElePhant Skin” con Ulrike Putzer, el largometraje colectivo “The Field Guide to Evil” 2018, la colaboración en la serie “Servant” 2019 y junto a la directora Veronika Franz los ya mencionados “Kern” 2012 y “Buenas noches Mamá” 2014 además de “La cabaña siniestra” 2019 y este año nos presentan “El baño del diablo” 2024. En cuanto a la guionista y directora, Veronika Franz se graduó en la carrera de filosofía. En sus inicios fue crítica de cine, asistente de dirección y guionista para numeras obras de Ulrich Seidl hasta debutar en la dirección junto a Severin Fiala y en las obras ya mencionadas.

El baño del diablo se nos presentas como un duro drama rural con connotaciones psicológicas. El terror no es físico ni visceral y por descontado tampoco gore, pues este se encuentra en lo más profundo de la psique de la protagonista, quien en ocasiones nos confunde entre sus delirios y extraños comportamientos, en unos tiempos nada fáciles para las mujeres, pues además de reinar el patriarcado, merodeaban a sus anchas la todopoderosa iglesia y el concepto de brujería, cuando algo era difícil de comprender o explicar. Hay un instante en que un personaje le dice a Wolf que cree que su mujer ha recibido “El baño del diablo”, quedando patente la ignorancia y supersticiones de un pueblo apartado de toda civilización y subyugado a los señores, a cambio de un trozo de pan negro y poco más.

Inspirada en hechos reales, una vez más la mujer es el centro de atención y sin duda ellas nos regalan instantes muy interesantes, en particular los que rodean a Agnes, quien conquista al espectador con una interpretación dramática, aplastante, sobrecogedora y terrorífica, cuando exterioriza lo más íntimo del personaje o en escenas como las lavanderas en el río, sus momentos de introspección ante el altar que ella misma ha creado o las conversaciones con su suegra que le reprocha que no atiende bien a su hijo con frases lapidarias como “Al Señor (Dios) le molestará que no cocines para tu marido”

A tener en cuenta los aspectos técnicos que intervienen, actuando como personajes secundarios y vitales, entre los que encontramos la fotografía, la banda sonora o el sonido. En su conjunto logran concebir estampas que visten al filme de un extraño manto, de una atmósfera fría por la que deambulan, sin ningún pudor, la hambruna, la suciedad, la soledad, la tristeza o los desengaños. Todo bajo el amparo de una magnífica fotografía austera y sencilla, bucólica y bella de Martin Gschlacht, entre precisos encuadres, colores apagados, la tenue iluminación que se apoya en instantes muy concisos en la luz que desprende, por ejemplo, el fuego. La escena en la que Agnes está cocinando con una rama prendida en su boca, nos pone en situación de la vida en esos tiempos. En cuanto al sonido asfixiante escucharemos, aunque no entendamos o sí, al bosque, al viento, a los arroyos, el crujir de la hierba y las ramas o el salpicar del agua y en cuanto a la banda sonora de Anja Plaschg, logra que estemos constantemente en alerta y angustia.

En resumen, “El baño del diablo” es un filme duro, con un “terror” que se alimenta del alma, del cerebro, de las supersticiones, de la depresión, de lo inhumano y de una religión férrea, cuyas promesas mal entendidas pueden llevar al desastre. Una interpretación magnífica de Anja Plaschg y de una desasosegante Maria Hofstäffet encarnando a la suegra y quizás, el punto negativo se encuentre en el ritmo tan pausado que los directores otorgan al filme. ¿Algunas veces necesario? Quizás. Finalmente lo que sí debo avisar al público que espera una película de terror al uso con sus sustos, desmembramientos, gritos, gore etc., que esta no lo es, pero que merece la pena verla, desde otros puntos, cinematográficamente hablando, muy interesantes.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de noviembre.

REPARTO: Anja Plaschg, David Scheid, Natalija Baranova, Maria Hofstätter, Lucas Walcher, Claudia Martini, Elias Schützenhofer,

PRODUCTORA: Ulrich Seidl// Film Produktion GmbH// ARTE// Bayerischer Rundfunk (BR) // Heimfilm Gmbh// Österreichischer Rundfunk (ORF)

DISTRIBUIDORA: Caramel Films España.

JAZZMADRID 2024 INFORMA

Nombres de leyenda la próxima semana en JAZZMADRID con Pat Metheny, Dee Dee Bridgewater, John Scofield y Cyrus Chestnut

Pat Metheny, guitarrista icónico del jazz, actuará en el Auditorio Nacional de Música el lunes 11 de noviembre

La colosal voz de Dee Dee Bridgewater brillará en el teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa el martes 12

En el mismo escenario actuará la directora de orquesta María Schneider junto a la Clasijazz Big Band, una formación almeriense, el día 13

Crosscurrents Trio (Dave Holland, Chris Potter y Marcus Gilmore) comparece el día 14

John Scofield, el sábado, y Cyrus Chestnut (en formato de trío), el domingo, cierran una semana con grandes nombres del jazz en este escenario.

La próxima semana JAZZMADRID 2024 brillará a través de una larga lista de nombres legendarios que llegan a sus escenarios. Desde Pat Metheny, guitarrista icónico del jazz que inaugura la semana, al pianista Cyrus Chestnut (en formato trío), que la cierra el domingo, pasando por la voz colosal de Dee Dee Bridgewater o la actuación de John Scofield, los 20 conciertos oficiales programados componen una oferta especialmente atractiva dentro de este festival que organiza el Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid.

La semana comenzará con la actuación, el 11 de noviembre en el Auditorio Nacional de Música, del guitarrista Pat Metheny, un artista cuyo nombre se ha convertido en sinónimo de eficacia y elegante técnica. Después de casi cinco décadas de actividad ininterrumpida, representa uno de los fenómenos interpretativos del jazz con mayor éxito de todo el planeta. El próximo lunes, el público madrileño podrá disfrutar de su proyecto Dream Box, un discreto conjunto de nuevas grabaciones en solitario que nacen de la experimentación durante el tiempo libre que las giras le permitieron tener en lugares como autobuses y habitaciones de hotel.

Conciertos en el teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa

La cantante estadounidense Dee Dee Bridgewater, en formato cuarteto, será la encargada de abrir la semana en el teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa. Será el martes 12 de noviembre, con la representación de su disco We exist!, un recordatorio del impacto del activismo en el arte visto a través de la creación de diferentes mujeres. Las canciones protesta de este repertorio conectan el pasado y el presente, mostrando el camino que se ha recorrido y el que todavía queda por delante. Dee Dee, vocalista/música, como ella misma se define, es una de las artistas con mayor resonancia en el jazz contemporáneo.

Le seguirá el martes 13 algo poco frecuente en la escena del jazz: la actuación de la directora de orquesta María Schneider con la Clasijazz Big Band. Esta formación almeriense la componen algunos de los mejores músicos de nuestro panorama local, como Rita Payés, Enrique Oliver, Irene Reig, Daahoud Salim, a los que acompañará, entre otros, el acordeonista invitado Philippe Thuriot. Casi una veintena de músicos en escena cuyo programa probablemente recorrerá el álbum Decades, recientemente publicado para celebrar el 30 aniversario de la carrera profesional de la directora. 

El jueves 14, en colaboración con Villanos del Jazz, es el turno de Crosscurrents Trio, que reúne a tres generaciones diferentes de intérpretes con un claro objetivo: ofrecer el mejor jazz imaginable. Esa es la definición que mejor se adapta a la peculiar dinámica artística de esta formación, compuesta por el contrabajista Dave Holland, el tenorsaxofonista Chris Potter y el percusionista y baterista Marcus Gilmore- Este último sustituye al componente original del grupo Zakir Hussain, que no podrá actuar en JAZZMADRID por razones de salud.

El futuro del jazz nacional se sube el viernes a las tablas del Fernán Gómez con la Creativa Grand Ensemble. El saxofonista, flautista, arreglista y compositor Patxi Pascual dirige a dos decenas de músicos, estudiantes del grado superior en Interpretación de Músicas Actuales y Jazz de la Escuela de Música Creativa. Son intérpretes que ya tienen un pie en el mundo profesional.

El guitarrista John Scofield será el encargado de llenar de jazz la noche del sábado. Él, junto a Pat Metheny y Bill Frisell, ocupa un lugar privilegiado en el universo de la guitarra contemporánea de jazz. Scofield es un improvisador rotundo y vigoroso, que pasea su música por los límites buscando el ángulo más vivo del blues, libre de cualquier obsesión por conseguir la obra maestra definitiva en cada entrega.

La semana en este escenario la completa el domingo Cyrus Chestnut en formato instrumental de trío. Este pianista, que creció en Baltimore, tiene una historia muy ligada a los estilos de cada una de las estrellas con las que ha tenido el privilegio de compartir música. Desde Wynton Marsalis a Dizzy Gillespie, desde Betty Carter a Freddie Hubbard y desde Jon Hendricks a Kevin Mahogany. Sin olvidar su pasión por el góspel y por la tradición del piano de jazz.

Programación en CentroCentro

La Big Band del Conservatorio Arturo Soria, con sus jóvenes talentos, abrirá la semana jazzística en CentroCentro el martes 12 de noviembre. Ya el jueves 14 actuará Pepe Zaragoza Quinteto -cuyo concierto se aplazó como consecuencia de la DANA que ha azotado Valencia-, gracias al acuerdo que, cada año, JAZZMADRID  renueva con la AIE, Sociedad de Artistas Intérpretes o Ejecutantes de España, dentro de su programa AIEnRuta Jazz. Pepe Zaragoza es un trompetista y compositor formado en el núcleo de la escena de jazz valenciana. Su trabajo La plaça dels somnis le hizo acreedor de numerosos premios y su segundo álbum, La cala de l’encís, estuvo nominado por la Generalitat Valenciana a Mejor Disco de Jazz en 2020.

Otros escenarios

En la Sala Villanos, la próxima semana, actuarán el bajista y músico experimental estadounidense MonoNeon el 11 de noviembre; Goumour Almoctar, alias Bombino, estrella del blues del desierto y originario de Níger, el 12; el trío de funk psicodélico, Balthvs, el 13; la atractiva mezcla de sonidos psicodélicos de Meridian Brothers, el 15; y Álex Conde Trío, el 17. También habrá conciertos oficiales en el Teatro Pavón: Robben Ford, uno de los principales guitarristas de blues de la actualidad, actuará el 12 de noviembre; el trompetista israelí Avishai Cohen, el 13; y los británicos Gogo Penguin, el 15.

Completan la programación los conciertos de Tivon Pennicott Quartet y Ebi Soda el 15 y 16, respectivamente, en Tempo Audiophile Club, y Chema Saiz el domingo 17 en Maravillas Club, dentro de la programación de Jazz con sabor a club de Madrid en vivo.

La programación íntegra puede consultarse en festivaldejazzmadrid.com.

Entradas a la venta

Las entradas para los conciertos de la programación oficial de JAZZMADRID 24 se pueden adquirir en la página web del festival. Por su parte, las entradas para asistir a los espectáculos de Villanos del Jazz están a la venta en ese mismo enlace y en su web.