CLARA Y CLAIRE: CRÍTICA DE CINE

Adaptada de la novela de Camille Laurens, Clara y Claire está dirigida por Safy Nebbou, quien comparte guion con Julie Peyr.

Claire (Juliette Binoche) es profesora de literatura en una universidad, está divorciada y ha llegado a esa edad clave para cualquier hombre o mujer, los temidos 50. Mientras espía a su amante a través de las redes, Ludo (Guillaume Gouix), se encuentra con las fotografías de Álex (François Civil), un fotógrafo amigo de Ludo. Decide pedirle amistad creándose un perfil falso bajo el nombre de Clara y con la foto de una joven, que ha encontrado por internet.

Cuando Álex, casi treinta años más joven que ella, se enamora por la forma en que le trata Clara a través de los mensajes de WhatsApp y las llamadas telefónicas, sin olvidar la belleza que muestra la foto que ha colgado Claire, buscará la forma de quedar, pero Claire se siente incapaz de descubrir su verdadera identidad.

Safu Mebbou es un conocido director, guionista y actor francés, que comenzó su carrera en el Théâtre des Chimères en París, pasando a dirigir  comerciales para compañías como France Télécom y Renault,  los cortometrajes: “Bertzea” 2001 o  “La bufanda” 2003, hasta llegar a su ópera prima en el largometraje: “El cuello de la jirafa” 2004. Otros de los filmes que encontramos en su filmografía serán: “La Marca del Ángel” 2008, “Comme un homme” 2012 o “En los bosques de Siberia” 2016.

Un nuevo filme con claro carácter femenino se asoma a la gran pantalla, tocando un tema muy en boga como son las redes sociales. Los engaños que a través de las mismas, constantemente se viven entre jóvenes y no tan jóvenes, como sucede con Claire, aprovechando el anonimato y en muchas ocasiones, abusando de la vulnerabilidad del ser ante la soledad, el deseo de encontrar nuevas amistades o incluso una pareja, cuando no es el caso, de espiar y querer saber más de esas personas por las que se siente o se ha sentido ciertos sentimientos, la doble identidad o simplemente la excitación de percibir el poder cuando se controla una determinada situación. Todo ello visto a través de las conversaciones que Claire mantiene con su psicóloga, las preguntas que esta le realiza y las respuestas que recibe.

Las redes sociales, ese "engañoso" mundo que acerca o aleja a las personas, es un arma de doble filo y lo peor es que una mayoría de quienes las utilizan no son conscientes del daño que pueden ocasionar con una simple frase, o un determinado comportamiento. No todo el mundo reacciona de la misma manera, cuando su intimidad y fragilidad quedan al descubierto y no se es lo suficientemente fuertes, para darse cuenta del juego en el que se ha caído.

Un oscuro e intenso drama, que Nebbou utiliza para hacer crítica social de forma elegante, mientras seguimos a estos tres personajes que  viven entre el amor, el deseo de amar y la necesidad de ser amado. Una obra de juegos dialécticos, de acercamientos frustrados, de mentiras, de miedos y de celos, pero también de tensión emocional, como sucede en los encuentros vividos entre Clara y Álex en medio de la multitud, llegando casi a rozan sus mejillas, poder sentir hasta el aliento el uno del otro y ni siquiera saludarse. Ella inmóvil sabiendo quien es él y él, ignorando que la mujer que tiene en frente, es su interlocutora, aquella que le ha despertado el deseo de amar.  

Binoche está simplemente arrebatadora, divertida, emotiva, soñadora y natural. Sus miradas hablan más que sus palabras y su expresión corporal, te hace descubrir cada uno de sus estados y pensamientos, entre los amores perdidos, incompletos, frustrados o la propia lucha por vencer la soledad y los miedos provocados por una edad que se debate entre lo que su mente siente y lo que el espejo le muestra.

La película, además de una correcta dirección y las cuidadas  interpretaciones, donde aparte de Juliette, disfrutaremos de un François Civil, que desprende vitalidad, romanticismo y sensibilidad. El resto del elenco actoral, cumple sobradamente con sus personajes. Cuenta también con la magnífica fotografía del maestro Gilles Porte y la música de Ibrahim Maalouf.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 31 de mayo

REPARTO: Juliette Binoche, Charles Berling, François Civil, Nicole García, Guillaume Gouix, Jules Houplain, Claude Perron y Maríe-Ange Casta.

PRODUCTORA: Diaphana Distribución

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Wanda Visión.

JOHN WICK CAPITULO 3 - PARABELLUM

¿Quién puede ofrecer más violencia?

Sin la menor duda, John Wick Capitulo 3 – Parabellum el nuevo filme de Chad Stahelski, con guion compartido con Shay Hatten, Chris Collins y  Marc Abrams.

Tras los acontecimientos sucedidos en la entrega anterior, John Wick (Keanu Reeves) tiene las horas contadas, pues sobre su cabeza existe una recompensa de 14 millones de dólares, por lo que todos los mercenarios del Planeta, buscarán darle caza, pero John Wick no está dispuesto a ser cazado.

Después de una carrera a contra reloj, sobre el tiempo que le queda como hombre libre, antes de que comience la caza, John aprovechará para dejar a su fiel compañero de cuatro patas bien protegido en el Continental Hotel por Winston (Ian McShane) y Charon (Lance Reddick), sacar de su caja de seguridad aquello que precisa como "escudo" ante lo que le viene encima y buscar un lugar seguro. ¿Seguro? El planeta entero, a la cuenta de cero, estará pisándole los pies.

Con un gran sentido del humor y  una acción desorbitante, Chad Stahelski nos ofrece esta tercera entrega de la saga de John Wick, nuevamente en solitario como todos esperábamos,  pues nadie como él conoce a John. Si alguien dudaba de que John Wick2, no pudiera ser superada en violencia y acción, estaba totalmente equivocado, en aquella ocasión no pude contar el número de muertos y en esta, aunque me lo hubiera propuesto, hubiera sido imposible. Caen como moscas, pero no sólo ante Wick. Con una duración de algo más de dos horas ni Chad Stahelski  ni  Keanu Reeves, te dejarán respirar. El más todavía, sí es posible.

Chad Stahelski era y es un importante especialista de actores, hasta que decidió ponerse tras las cámaras junto a David Leitch   para dirigir John Wick: otro día para matar. Pero antes de llegar a ese año 2014, Stahelski fue uno de los dobles de su amigo Brandon Lee, en “El cuervo” de Alex Proyas 1994, cuando decidieron finalizar la película tras el desafortunado “accidente” que sufrió Brandon y muriendo antes de terminar la película. También fue doble de Keanu Reeves en la saga de “Matrix” y llegamos a ese año 2014, donde junto David Leitch dirigiría la mencionada John Wick: otro día para matar, una película que no se estrenó en nuestro país en salas comerciales, sino que pasó directamente a la televisión. Tres años más tarde, en 2017 se hizo cargo, en solitario, de la continuación: John Wick: Pacto de Sangre, obteniendo un gran éxito de taquilla, lo que le ha llevado a esta nueva entrega con John Wick: Capítulo3 – Parabellum, una nueva obra, que deja abierta la puerta a una cuarta parte, en la cual sinceramente me cuesta creer que van a hacer para ganar en acción a esta nueva historia, aunque se prevé todo un apocalipsis, pero dejemos el futuro para centrarnos en el presente.

Antes de hablar de otros temas, quiero destacar una vez más los vistosos y espectaculares decorados, cobrando una gran importancia en el transcurso de la obra y superándose a sus antecesoras. Si bien John en la anterior entrega se tenía que enfrentar a salas de espejos con una iluminación muy discotequera, en esta ocasión los espejos serán sustituidos por un laberinto de paredes de cristal transparentes, al igual que los suelo, estancias existentes en el Continental, donde además por el camino se encontrará con vitrinas cuyo interior contiene cabezas humanas, también de cristal. En ese lugar preciso, de desarrollará una de las grandes escenas de artes marciales a la que Wick se tendrá que enfrentar, con enemigos que le idolatran como contrincante. Los creadores de estos decorados y otros muchos que veremos en la película, han corrido a cargo de David Schlesinger con quien ya trabajo en la entrega anterior y Kevin Kavanaugh que también es el director artístico.

 

Continuaré con el equipo técnico y para ello debo mencionar al montador de este filme, que se lo ha tenido que pasar como un adolescente jugando con un video juego, Evan Schiff, realiza un trabajo superior, dotando de un gran  dinamismo a toda la obra, incluso en los instantes sosegados que precisa la película. Otro gran mago es Dan Laustsen con su lujosa, cálida y  vital fotografía. Encuadres perfectos en un rico abanico de planos, que en ocasiones logra jugar al despiste con el propio espectador, a través de un gran uso del color e iluminación, ofreciendo belleza donde habrá muerte. Termino hablando de la banda sonora, nada de sorpresas, son los mismos compositores desde la primera parte: Tyler Bates y Joel J. Richard, que hacen saltar a las notas para no ser salpicadas de sangre, heridas por una bala o recibir un golpe no deseado. Simplemente espectacular y una gran acompañante durante todo el filme.

Por supuesto que no me puedo olvidar ni de las peleas ni de los momentos más bélicos del filme, porque una vez más hay que volver a destacar las explosivas coreografías, grandes protagonistas de este filme, donde no sólo quedan agotados los especialistas que las realizan, sino los espectadores desde sus butacas. Son más largas, más intensas y más demoledoras, y no exagero, sino ya me lo diréis. Algunas de ellas, nos recuerdan un poco a las presentadas en la anterior entrega, pero da igual, se agradecen y además contienen más muertos, más acción, más casquillos de balas rodando por el suelo (se cuentan por cientos) e incluso la compañía de una intrépida “compañera” de batallas. ¿Quién es? No os lo pienso decir. Pero nuestro amigo, no va a estar tan solo como muchos piensan, porque él lo vale y además, tiene sus ases guardados.

La película cuenta con un extraordinario sentido del humor como ya he enunciado, porque si algo han tenido en cuenta los guionistas, es que reírse de uno mismo, es el mejor antídoto para todo, incluso ante los críticos. Situaciones verdaderamente surrealistas que el espectador disfruta y otras tan agotadoras y tensas, que si no sueltas una carcajada, no logras liberar la tensión y las que por el contrario, forman parte de la historia.  Hay escenas tan brutales y ya las veréis, que si no te ríes, no sabes cómo asimilar lo visto.

Vamos con el protagonista principal de esta demoledora saga, ese hombre que parece de acero pero no lo es, porque os aseguro que sangra. Ese hombre que parece que no siente dolor, pero que sí, también lo demuestra, cuando recibe toda clase de golpes, puñaladas e incluso tiros. Ese hombre que parece inmortal y que en ocasiones dudo de su mortalidad, ese hombre es John Wick, quien desde la primera entrega se apropió del cuerpo de Keanu Reeves, un actor que se siente como pez en el agua cuando le dicen, vamos, te reclama Wick. No hay palabras para describir su actuación o sí, y serían muchísimas. Está maravillosamente acompañado por un Ian McShane como el impertérrito e irónico Wilston, dueño del Continental, Laurence Fishburne en el papel del Rey de los Mendigos. Del lado contario estará Mark Dacascos, como Zero, el gran enemigo de John, un experto en artes marciales con quien tendrá que luchar a muerte y en lado femenino nos encontramos con Halle Berry como la implacable Sofía, Asia Kate Dillon, como la juez de la Alta Mesa y una siempre maravillosa Angelica Huston como la Directora, son algunos del cuidadísimo elenco actoral

En cuatro palabras, por decir algo, porque siendo yo, nunca son cuatro palabras, John Wick Capítulo 3 – Parabellum es una locura desatada, controlada y disfrutada por igual. Los seguidores de la saga van a salir de la sala excitados y hablando de las mil anécdotas que la obra nos va regalando y con un final, muy abierto hacia esa cuarta parte, que sin duda puede ser un desenlace definitivo o no.  Ya no me voy a preguntar si puede ser más violenta que las anteriores, porque la respuesta estoy seguro que es un  sí, pero el cómo lo van a lograr ya es otra cuestión. Solo os puedo decir, que hay gente muy cabreada con La Alta Mesa, pero que muy cabreada y Baba Yagá, está entre ellos.

Como bien dice en un momento determinado Winston “Si quieres la paz, prepara la guerra”

Mi nota es: 8,5

ESTRENO en ESPAÑA: 31 de mayo

REPARTO: Keanu Reeves, Halle Berry, Ian McShane, Anjelica Huston, Laurence Fishburne, Lance Reddick, Asia Kate Dillon, Jason Mantzoukas, Mark Dacascos, Yayan Ruhian, Cecep Arif Rahman, Robin Taylor, Tobias Segal, Saïd Taghmaoui, Jerome Flynn, Randall Duk Kim, Margaret Daly y Susan Blommaert.

PRODUCTORA: Lionsgate// Thunder Road Pictures// Summit Entertainment// 87Eleven

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Entertainment One Films Spain.

LA CORRESPONSAL: CRÍTICA DE CINE

La Corresponsal está dirigida por Mattew Heineman con guion de Arash Amel y Marie Brenner. Una obra cruel, realista y directa al corazón.

Marie Colvin (Rosamund Pike) fue una corresponsal de guerra, que cubrió algunos de los conflictos armados más importante: Kosovo, Zimbabue, Sierra Leona, Timor Oriental, Chechenia y la guerra civil de Siria, trabajando para el prestigioso diario británico The Sunday Times, desde el año 1985 hasta su fallecimiento en 2012. Su imagen, tras el impacto de una granada en Sri Lanka y perder su ojo izquierdo, se caracterizó por llevar un parque negro.

Una vida envuelta en cruentas guerras, donde su valor y humanidad en el frente de batalla, no tenían parangón. No solo buscaba la noticia más impactante para su periódico y lectores, sino que se involucraba en la vida de los civiles, que como ella, estaban en peligro constante por las bombas. Ella misma reconocía que su vida personal era un desastre, llegando a casarse en tres ocasiones. Bebía más de la cuenta, algunas veces hasta perder la razón y fue galardonada con números premios por su valor y entrega a su trabajo, ganándose el respeto de los lectores y sus compañeros de profesión.

Murió en Siria, en la ciudad de Homs, desde donde retransmitió para diversas cadenas la barbarie que se estaba cometiendo con los civiles, bombardeando en lugares donde no había militares. Junto a ella, falleció su compañero y fotógrafo de guerra Paul Conroy (Jamie Dornan)

Mattew Heineman, conocidísimo documentalista tomó por primera vez una cámara entre sus manos, en un viaje que realizó con sus amigos, para tener un recuerdo de sus vivencias. Su primer trabajo para la televisión fue con la HBO abordando una serie de películas en torno al Alzheimer, “El proyecto Alzheimer” 2009, al que le seguiría  “Escape Fire: The Fight to Rescue American Healthcare (2012) sobre medicina, continuó con  “Cartel Land”  (2015) sobre el mundo de las drogas y la violencia y en el 2017, presentaría “Ciudad de los fantasmas” sobre la guerra de Siria y el terrorismo. Ahora vuelve a retomar la cruel guerra de Siria, para presentarnos la historia de esta valerosa y humanitaria periodistas.

Una obra intensa, desgarradora, violenta y tremendamente realista, donde su director, experto en el documental, la trata como tal, cuando se sitúa en el frente de batalla. Los escenarios magníficamente fotografiados por Robert Richardson, crean un ambiente claustrofóbico y desolador, en el que nos envuelve de forma sutil, pero muy efectiva, percibiendo el polvo que se desprende de los edificios en ruinas, la sangre vertida por los heridos, el olor a pólvora, el sonido de las bombas e incluso la sensación de ansiedad que presagia el peligro y la muerte. Los decorados han corrido a cargo de Sophie Becher y el sensacional montaje en las manos de Nick Fenton.

El espectador no es consciente de que está ante una biografía, sino con la certeza de ser testigo de una guerra llena de engaños, como otras tantas, descubriendo esa terrible realidad desde primera línea y conociendo a la “heroína” que nos está atrapando, con su historia. Una interpretación magistral de Rosamund Pike, entre los instantes vividos con la clase alta en determinadas recepciones, sus relaciones amorosas, pasando por los estados emocionales de dolor, tristeza o impotencia que sacia con el alcohol hasta, sabiendo que su vida peligra, dar esa última noticia, no escrita, sino convocando a determinadas televisiones, exponer con su propia voz,  lo que realmente está pasando. Una interpretación tan realista, que sobrecoge. Está descomunal.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 31 de mayo

REPARTO: Rosamund Pike, Jamie Dornan, Tom Hollander, Jesuthasan Antonythasan, Pano Masti, Stanley Tucci, Alexandra Moen, Corey Johnson, Hilton McRae y Raad Rawi.

PRODUCTORA: Aviron Pictures// Acacia Filmed Entertainment// Denver and Delilah Productions// Savvy Media Holdings// Thunder Road Pictures.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: DeaPlaneta.

LA CENIZA ES EL BLANCO MÁS PURO: CRÍTICA CINE

La coproducción entre China, Francia y Japón, La ceniza es el blanco más puro, cuenta con guion y dirección de Jia Zhang Ke.

Estamos en 2001. La joven Qiao (Zhao Tao) está enamorada de Bin (Fan Liao), el cabecilla de una organización de la mafia local de Datong. Una noche, mientras ambos van en su coche, son agredidos por una pandilla rival. Bin sale del auto para defenderse, pero no lo logra, quedando gravemente herido. Qiao observa lo que está sucediendo desde la parte de atrás del coche y ante el temor de que maten a Bin, toma la pistola que su pareja le ha regalado y saliendo del auto, lanza dos disparos al aire. En ese instante es detenida por la policía, siendo condenada  a 5 años de cárcel. 

Tras cumplir la condena, Qiao buscará a Bin, pero este ha tomado otro rumbo, descubrirá que tiene una nueva pareja y que él no desea verla. Qiao no se rendirá, regresará a su pueblo natal y buscará la forma de atraerlo hasta el local que ambos regentaban, continuando con las actividades de la mafia del lugar.

Un sólido y espeso filme a través de un impactante ejercicio dramático, entre la angustia, la soledad, las separaciones, la violencia, el mundo de las mafias, el amor y la pérdida del mismo, la resignación, la lucha por sobrevivir, el deseo de venganza y hasta la propia muerte en una historia por momentos poética y en otros, desgarradoramente emocional.

El afamado director chino, Jia Zhang Ke, se inició en la realización, como muchos realizadores, con el cortometraje: “Un día en Beijing” 1994,  “Du Du” y “Xiaoshan vuelve a casa” 1995, para saltar al largometraje con su ópera prima “Xiao Wu” tres años más tarde, continuará con obras como “Zhantai (Platform) 2000, “Placeres desconocidos” 2002, “Shijie (El mundo) 2004, “Un toque de violencia” 2013, Mejor guion en Cannes o “Más allá de las montañas” 2015, premio del público en San Sebastián a mejor película europea.

Una obra  relatada entre los años 2001 al 2018, quedando claramente dividida en tres etapas. La primera de ellas será la presentación de la pareja protagonista: Bin, un mafioso respetado por toda la comunidad y Qiao una mujer valerosa e intrépida. La segunda estará marcada por la separación, debido a los acontecimientos expuestos y la búsqueda de amor perdido, y la tercera, el reencuentro, que como muchas veces sucede en la vida, la distancia en el tiempo, también juega sus cartas. Tres etapas cuidadosamente fotografiadas por Eric Gautier.

Jia Zhang Ke, nos narra una obra  con un marcado carácter femenino, en la cual Zhao Tao, su esposa en la vida real, a través de la extraordinaria interpretación de Qiao, nos invita a viajar con ella por su universo personal. Un mundo rodeado por las sombras y las luces, por los recuerdos del pasado y el incierto presente, sin vislumbrar el futuro. No se rendirá ante las adversidades que la vida le ha reservado. Una mujer temperamental, soñadora y luchadora, con un claro objetivo, recuperar su historia de amor detenida en el tiempo por los avatares de la vida. Un viaje de auto reflexión y de aprendizaje, de madurez y de cerrar las puertas al amor que le ha dado la espalda, descubriendo su verdadera identidad, mientras deja al espectador, en ese camino, múltiples lecturas para ser desgranadas y degustadas, tras salir de la sala.

Si bien Zhao es el alma de toda la obra, con un personaje claramente escrito para su lucimiento, no podemos olvidar la correctísima interpretación de su partner Fan Liao, en el papel de Bin. Un filme para disfrutar sin prisas

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 31 de mayo

REPARTO: Tao Zhao, Liao Fan, Xu Zheng, Casper Liang, Feng Xiaogang y Diao Yinan.

PRODUCTORA: Arte France Cinéma// Beijing Runjin Investment// Huanxi Media Group// MK2 Productions// Office Kitano// Shanghai Film Group// Xstream Pictures.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Golem Distribución.

ROCKETMAN: CRÍTICA DE CINE

El director, actor, productor y guionista, Dexter Fletcher, dirige el magnífico biopic musical, Rocketman, con el excelente guion de Lee Hall.  ¿Cuándo me vas a dar un abrazo?

A través de un pasillo vemos como se acerca Elton John (Taron Egerton) ataviado con un traje naranja de diablo, con sus alas de plumas rojas y cuernos. Abre una puerta y se introduce en una sala, donde varias personas están sentadas en sillas creando un círculo. Está ante un grupo de terapia. Tras presentarse afirma que es alcohólico y que desea dejarlo. Durante esa sesión iremos conociendo su vida, desde su infancia, marcada por unos padres bastante distantes,  la protección de su abuela Ivy White (Gemma Jones), la gran amistad que perduraría en el tiempo de Bernie Taupin (Jamie Bell) letrista de sus canciones; el interesado amante, que solo estaba junto a él por su éxito, John Reid (Richard Madden) o  su gran amiga con la que se casó Renate Blauel (Celinde Schoenmaker)

Hablar de Dexter Fletcher, es recordar el reciente éxito, "Bohemian Rhapsoy" que dirigió en las últimas semanas de rodaje, tras ser despedido Bryan Singer.  Pero Dexter comenzó su formación como actor de teatro en el Club de Teatro Anna Scher Theater, debutando sobre las tablas en la obra de Shakespeare “El sueño de una noche de verano”, luego pasaría por televisión en series como “Press Gang” 1989/93  y “Hotel Babylon” 2006/09 o en el filme “Los Miserables” de Glenn Jordan 1978 en el papel de Gavroche, en su etapa infantil. Saltó a la gran pantalla con “El Hombre Elefante” de David Lynch 1980 y ya de adulto en “Tristán e Isolda” de Kevin Reynolds 2006, “Kick-Ass” de Matthew Vaughn 2010 o “Smoking Guns” de Savvas D. Michael 2016, para terminar en su faceta de director donde nos encontramos con su ópera prima “Wild Bill” 2011, “Eddie el Águila” 2016 y la ya mencionada “Bohemian Rhapsody” aunque no aparezca su nombre como director. Ahora, para su quinta película, nos presenta la obra biográfica del gran músico británico Elton John, en una elegante y brillante dirección.

Es evidente que Dexter tras Bohemian Rhapsody, se siente cómodo con los biopic de grandes músicos y aunque esta obra presenta un esquema muy similar a la anterior, nada tienen que ver la una con la otra, porque ya de entrada el carisma de ambos  cantantes y compositores es muy diferente, aunque compartan fantasmas parecidos.

Fantasmas como la familia, las amistades, los amores, incluso siendo gays casarse con sus mejores amigas, las drogas, el alcohol y la propia homosexualidad, pero a diferencia de Bohemian Rhapsoy que todo quedaba más diluido, bucólico y con ese aire romántico, aquí Dexter y el guionista Lee Hall se atreven a ir más allá, desde presentar la homosexualidad casi desde el comienzo de la película como algo natural y sin dramas, hasta sus grandes adicciones, como él propio personaje afirma poseer: Las drogas, el alcohol y el sexo, pasando por el intento de suicidio, sin olvidar su lado extravagante, creándose un personaje hecho a su medida. Las batallas que tuvo que librar con su padre, un hombre rígido y frío, que nunca le dio un abrazo, cuando de niño se lo pedía o ante la vanidosa de su madre. Solo sintió el amor y la motivación, de su abuela.

Un niño prodigio que aprendió a tocar el piano de oído, para pasar por la Academia Real de la Música;  cuya voz y presencia en el escenario arrollaba y sigue arrollando, con su fuerte personalidad, contando con su gran compañero desde muy joven, el letrista Bernie Taupin, con quien aún continúa trabajando pasados 50 años. Una obra donde reinan las gafas de diseño, los trajes excéntricos, las plumas, las plataformas y la purpurina. El título se extrae de una de las canciones del álbum “Honky Château” de 1972 titulada “Rocket man” que se ha convertido en uno de los mayores éxitos.

Un musical que desborda fantasía, entre pesadillas y traumas del cantante, impecablemente interpretado por Taron Egerton. Un actor que desde el primer plano de la película, es abducido por el magnetismo de Elton John. Cuesta encontrar el momento donde veamos a Taron y por el contrario sí disfrutemos de Elton. Por si alguien no lo sabe, Taron canta todas las canciones de la película. Mención especial merece,  Jamie Bell como Bernie Taupin, aunque una vez más, nos encontramos con un filme arropado por un importante elenco de actores y actrices, la gran mayoría británicos, que coronan la obra.  

Toca hablar de esos personajes invisibles que suelo mencionar casi siempre. Por un lado la fotografía: cuidada, exquisita, rica en planos y con un uso del color excepcional, en la mirada de George Richmond y por supuesto, la gran guinda de este filme, su banda sonora, compuesta por Elton John y  Matthew Margeson. Una banda sonora con la que se disfruta de principio a fin, aunque personalmente eché en falta algunos temas emblemáticos del compositor y cantante.

Dexter Fletcher, sin duda nos ha vuelto a sorprender con su magistral ritmo, enfoque y dirección. Ahora toca esperar para saber con qué nos va a sorprender en su próxima obra.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO en ESPAÑA: 31 de mayo

REPARTO: Taron Egerton, Jamie Bell, Richard Madden, Bryce Dallas Howard, Steven Mackintosh, Gemma Jones, Tom Bennett, Kit Connor, Viktorija Faith, Charlotte Sharland, Layton Williams, Bern Collaco, Ziad Abaza, Jamie Bacon, Kamil Lemieszewski, Israel Ruiz y Graham Fletcher-Cook.

PRODUCTORA: Marv Films// Rocket Pictures// Marv Studios// New Republic Pictures// Pixoloid Studios

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Paramount Pictures Spain.

LA ÚLTIMA LECCIÓN: CRÍTICA DE CINE

El director y guionista francés, Sébastien Marnair, dirige, La Última Lección, compartiendo guion con Elise Griffon.

Durante una de las clases en una de aula de un colegio, y mientras los alumnos realizan sus trabajos en silencio absoluto, el profesor les observa desde atrás. Abre la ventana y tras subirse a una silla, se lanza al vacío, ante la sorpresa de algunos alumnos y la impasibilidad de seis de ellos.

Días más tarde llegará un nuevo profesor, Pierre (Laurent Lafitte) y será entonces cuando conoceremos que se trata de un colegio de gran prestigio, contando con alumnos superdotados, a los que Pierre tendrá que dar clase. Los seis alumnos antes mencionados, además de su indudable inteligencia, presentan brotes de violencia. Pierre los vigilará de cerca, pues algo misterioso les rodea.

Sébastien Marnair estudió arte, especializándose en Ilustración y pintura, para continuar en la Universidad de París VIII logrando su licenciatura en Cine. Sus primeros trabajos estuvieron relacionados con el cortometraje.  El primero de ellos fue “Camille, unos minutos” en 1998 al que le siguieron las colaboraciones con Élise Griffon en “Le Grand Avoir” 2002 y “The Beau Jacques” 2003. Su ópera prima, en el largometraje,  la realizó en 2016 obteniendo un gran éxito de taquilla. Ahora nos ofrece este inquietante y perturbador filme, “La última lección.

De entrada decir que es difícil de clasificar esta película, pues por un lado nos recuerda a “Los chicos del maíz” por poner un ejemplo, cambiando el medio rural por un colegio de niños superdotados, pero también perturbados. Y por otro, apoyándose en imágenes de documentales a través de las cuales seremos testigos del futuro incierto que estamos provocando con nuestro comportamiento hacia la naturaleza, los mares de plásticos, las centrales nucleares, el maltrato animal o el cambio climático, entre otros.

Así mismo,  Sébastien y Elise, criticarán la obsesión que persiguen algunos colegios, padres y alumnos por ser los mejores, los más reconocidos, los más premiados, obteniendo no solo el porcentaje más elevado de aprobados, sino las mayores calificaciones. Una obsesión que en ocasiones no beneficia precisamente a los alumnos y cuyo profesorado puede sufrir brotes psicológicos, al no estar suficientemente preparados, como sucede en esta obra con sus  lamentables e inquietantes comportamientos.  
 

Crítica, también  recibirá al abuso de los teléfonos móviles, en esta ocasión  hacia las grabaciones de videos donde los jóvenes realizan prácticas de riesgo y de violencia; entre ellas verles cómo se golpean con fuerza los unos a los otros o se inmovilizan amarrándose el cuerpo y tirándose a una piscina, para comprobar hasta donde son capaces de aguantar, antes de ser rescatados, como algo totalmente natural.

Seis jóvenes con la creencia de que el fin del mundo está muy próximo y deciden tomar cartas en el asunto. Para ello se refugiarán, en sus horas libres, en una cantera abandonada, como lugar de reuniones, en la cual, en un lugar determinado, guardarán celosamente vídeos que contienen cintas de documentales, extraídas la mayoría de internet sobre desastres ecológicos, perfectamente ordenadas en una caja en cuya tapa reza: CAJA NEGRA.

Un thriller perturbador, a través de unas correctas interpretaciones, que provocan desasosiego, tristeza, dolor y soledad por igual, bajo la mirada de Romain Carcanade en su desconcertante fotografía, al igual que sucede con la banda sonora de Zombie Zombie.  

Mi nota es: 6

ESTRENO en ESPAÑA: 24 de Mayo

REPARTO: Laurent Lafitte, Luàna Bajrami, Pascal Greggory, Victor Bonnel, Emmanuelle Bercot, Claire Rochelle, Félix Lefebvre, Leopold Buchsbaum, Thomas Scimeca, Gringe, Iwen Casteret, Anne Loiret, Cyrille Hertel, Grégory Montel, Thomas Guy, Véronique Ruggia y Bertrand Houdin.

PRODUCTORA: Avenue B Productions

DISTRIBIDORA en ESPAÑA: VerCine