GODLAND: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Dinamarca, Islandia, Francia y Suecia, Godland, está escrita y dirigida por Hlynur Palmason. “Hay demasiadas palabras para la lluvia”

Nos encontramos a finales del siglo XIX en Dinamarca. El obispo (Waage Sandø) está aleccionando a uno de sus sacerdotes, Lucas (Elliott Crosset Hove), quien es destinado a una zona rural y remota de Islandia. Su misión es construir una iglesia y fotografiar el lugar y a sus habitantes. Su superior le informa sobre los problemas a los que se tendrá que enfrentar y que ante ninguna circunstancia, abandone el proyecto. Lucas emprenderá un largo viaje hasta llegar a su destino, pero las cosas no saldrán como él espera.

El guionista y director, Hlynur Palmason, se graduó en la Escuela Nacional de Cine de Dinamarca en 2013. Se inició en el cortometraje con “En dag eller to” 2012 continuando con “En maler” 2013 y “Seven Boats” 2014 para debutar en el largometraje con “Winter Brothers” 2017 al que siguió “Un blanco, blanco día” 2019. Este año 2022 ha estrenado el cortometraje “Nest” y el largometraje “Godland”.

Godland ha sido rodada en formato cuadrado o también conocido por 1.33:1 académico o 4:3, cuyos bordes se han redondeado. Nos recuerda a las estampas de otros tiempos, de finales del siglo XIX e inspirándose, como nos comentan al comienzo, en siete fotografías de placa húmeda que fueron tomadas por un sacerdote danés.

Palmason somete al espectador a un duro ejercicio de paciencia e incluso de sometimiento a la climatología reinante en esos parajes, prácticamente abandonados de la Islandia más profunda en tiempos coloniales, en los cuales las disputas entre ambos países, Dinamarca e Islandia, eran bastante evidentes. Desde el comienzo podremos escuchar frases lapidarias como las pronunciadas por el guía del grupo, Ragnar (Ingvar Eggert Sigurðsson) llamando “diablo danés” al sacerdote, mientras le prepara un caballo y le enseña como montar, de forma correcta.

En ese comienzo, en ese largo y duro camino, que junto a los guías emprende el sacerdote, oiremos cánticos tradicionales, seremos testigos de cómo guarecerse en las noches frías en esos territorios desolados, del encuentro con comerciantes que venden pasto para los caballos, el desollar a una oveja para poder alimentarse o el relatarse historias de antaño al abrigo de las fogatas; pues el camino, el largo camino da para todo, inclusive para los primeros enfrentamientos, mientras se trasladan a pie o sobre los caballos. Un auténtico viacrucis para el sacerdote, que llegará exhausto al destino tanto en cuerpo, como en pensamiento.

Mientras asistía a esa primera parte del filme, a esa dura peregrinación, a mi mente llegaron los recuerdos de otra película reciente,  “Lunana: A Yak In The Classroom” de Pawo Choyning Dorji. En aquella ocasión era un maestro quien debía llegar a un pequeño pueblo para enseñar a los niños y en ésta, le toca a un sacerdote con el cometido de levantar una iglesia; aun en sus diferencias, los objetivos de ambas películas son claros, el presentarnos al ser humano en su estado más natural frente al que viene de la civilización, debiendo adaptarse al nuevo idioma, a los lugareños y a esos lugares vírgenes y perdidos, que han sido abrazados por la naturaleza más abrupta. Una naturaleza que les habla con su propio lenguaje, que les curte con la climatología que les rodea y  lo que encierra en sus entrañas.

Godland, se presenta al espectador como un filme contemplativo, que se apoya en el impresionante paisaje de Islandia, deslumbrándonos con sus ríos, lagos y glaciares y los más de 200 volcanes que sufren erupciones, cada determinado tiempo, siendo testigos del poder de uno de ellos, así como el percibir esa atmósfera adversa en la que predominan la nieve, las lluvias y los fuertes vientos. Hlynur aprovecha y se explaya en lo bucólico de estas estampas, al más puro estilo documental fraccionado, en medio de la historia que desea contar, para convertirlo en protagonista de excepción y con ello realizar, cómodamente, las transiciones que el filme requiere.

La narración recibe un corte radical sobre la mitad de la misma, justo en el momento en el que un volcán entra en erupción y observamos como su lava incandescente, negra y espesa, se va adueñando de un espacio determinado. Una explosión que vaticina el cansancio acumulado, las diferencias en el idioma, los enfrentamientos dialecticos principalmente con Ragnar, quien se niega a hablar en danés, considerando a Lucas como un usurpador, más cuando el sacerdote en vez de acercarse al pueblo, parece tratarles con desdén, considerando a los islandeses como gente tosca. Un ejemplo de ese desprecio lo encontramos cuando la iglesia está prácticamente terminada y se niega a celebrar una boda en su interior. Un filme que respira arrogancia, luchas internas y rivalidades por la tierra que pisan, abriéndose paso a través de la vida y la muerte que forman parte del entorno y deambulando entre los habitantes, como fantasma en busca de almas desorientadas.

Entre los acordes de las acordeones que suenan en medio de las estampas rústicas y festivas, la narración se alarga desplegando las costumbres de esos colonos con sus miedos y cautelas como Carl, que prefiere que el sacerdote viva, mientras se levanta la iglesia, en el establo preparado para él, que en su casa con sus dos hijas casaderas, Ida y Anna, pues se le disparan todas las alarmas cuando Lucas, mira a una de ellas, con mirada lasciva.

Un filme marcado por los largos travellings y los planos generales, acercando la cámara en aquellos instantes en los que el director desea escrutar en la intimidad de los protagonistas y en detalles concretos. Cuenta con importantes interpretaciones y disfruta de una excepcional y deslumbrante fotografía en la mirada de María von Hausswolff, acompañada por una banda sonora naturalista y dramática en la partitura de Alex Zhang Hungtai, la cual se funde sutilmente entre los escenarios y los sonidos de la vida. Un film no apto para un público impaciente, pues la lentitud es la seña de identidad de este director islandés.

Ganadora del PREMIO ZABALTAGI-TABAKALERA en la 70ª Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de enero 2023

REPARTO: Elliott Crosset Hove, Ingvar Eggert Sigurðsson, Vic Carmen Sonne, Jacob Lohmann, Ída Mekkín Hlynsdóttir, Waage Sandø y Hilmar Guðjónsson.

PRODUCTORA: Snowglobe Films// Join Motion Pictures// Maneki Films// Garagefilm Intertational//Film I Väst.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: A Contracorriente Films.

THE OFFERING: CRÍTICA DE CINE

The Offering, está dirigida por Oliver Park con guion de Hank Hoffman, basándose en una historia del propio guionista junto con Jonathan Yunger.

El agente inmobiliario, Arthur (Nick Blood), está pasando por una mala racha, pues lleva dos años sin vender una casa y hasta el momento, ha conseguido ocultárselo a su mujer, Claire (Emily Wiseman), embarazada de una niña. Decide visitar a su padre Saúl (Allan Corduner), con la intención de que le avale. Saúl vive en la plata superior de la funeraria familiar, que aún sigue regentando. Un día, mientras Arthur está ayudando a su padre a realizar una autopsia y sin pretenderlo, libera a un espíritu maligno que se encontraba encerrado en el cuerpo del fallecido.

El director, Oliver Park, Estudió Arquitectura en la Universidad Metropolitana de Cardiff. Comenzó muy joven a escribir historias de terror y guiones, antes de actuar y producir. Como director se inició con el cortometraje “Vicious” 2016 ganando varios premios internacionales y un año más tarde, dirigió su segundo cortometraje “Still”. En 2019 participó en el largometraje “A Night of Horror: Nightmare Radio” junto a sus compañeros A.J. Briones y Jason Bognacki, y ahora llega el momento de su debut en solitario con “The Offering” 2022. En televisión dirigió un episodio de Strange Events   2015.

Para este filme de terror, su director Park, toma como referente a Abyzou, cuyo demonio procede de los mitos y folclore del Cercano Oriente y Europa, como se nos explica al comienzo del filme. Un demonio femenino que se alimentaba de bebés y que en la tradición hebrea, se le identificaba como Lilith. Ambientada en una comunidad de judíos ortodoxos asentada en Brooklyn, The offering, analiza la cultura jasídica.

No es la primera vez que el cine toma como telón de fondo la religión judía y como ejemplo, citaré la última que recuerdo haber visto, “The Vigil” 2020 de Keith Thomas. En dicho filme se exploraban los sentimientos, las emociones y los rituales religiosos; en esta ocasión se centra en dos temas principales, el primero de ellos en la relación de un padre con su hijo, Saúl y Arthur, que llevan años enemistados, al decidir Arthur casarse con una mujer no judía y el segundo, la buena nueva de que Claire, está embarazada.

The offering está narrada bajo una ambientación lúgubre y unos decorados acorde con la historia a contar. Una casa morgue que nos trae recuerdos de otra película estrenada en el 2016, “La autopsia de Jane Doe” de André Øvredal, en donde un padre y su hijo hacen la autopsia a una joven muerta en extrañas circunstancias; aunque entre ambas existen notorias deferencias, pues ésta se desarrollaba en el mundo de las autopsias y el ámbito que las rodea, mientras que en The offering, gira alrededor de la familia, el pasado, los rencores y las supersticiones. Un interesante filme, que aun bebiendo de obras, entre las ya mencionadas, sobradamente conocidas por los fans del género, se deja ver y entretiene.

Cuenta con una cuidada fotografía de Lorenzo Senataore, quien junto al compositor Christopher Young, logran elevar la atmósfera; Senataore ofreciendo una luz tenue, donde predominan los colores fríos, los contrastes y las texturas, mientras que Young, otorga tensión a través de las notas de su partitura; posiblemente lo más destacable del filme. En cuanto al reparto, cumplen con su objetivo, frente a un guion que nuevamente, flojea. Tras todo lo dicho, estoy seguro que los amantes del género, la disfrutarán.

Mi nota es: 6

ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de enero.

REPARTO: Nick Blood, Emily Wiseman, Paul Kaye, Allan Corduner, Jonathan Yunger, Velizar Binev, Daniel Ben Zenou, Nathan Cooper, Sofia Weldon, Boyan Anev, Yonko Dimitrov yJodie Jacobs.

PRODUCTORA: Millennium Media.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértice Cine.

LA BALLENA (THE WHALE): CRÍTICA DE CINE

La ballena (The Whale), dirigida por Darren Aronofsky, está basada en la obra teatral de Samuel D. Hunter, que el propio autor adapta para la gran pantalla.

Charlie (Brendan Fraser),  imparte clases particulares  de escritura online a un grupo de alumnos, a quienes nunca muestra su imagen. Está separado de Mary (Samantha Morton) y tiene una hija adolescente y rebelde, Ellie (Sadie Sink), a la que no ve desde hace muchos años. Charlie vive solo, sumido en sus recuerdos y con la única compañía de Liz (Hong Chau), su amiga y enfermera que lo visita con frecuencia, pues padece insuficiencia cardiaca congestiva, debido a su obesidad mórbida. La vida de Charlie se verá trastocada cuando aparecen dos personas: Thomas (Ty Simpkins), un misionero de la Iglesia Nueva Vida, cuyo cometido es que Charlie encuentre a Dios en la soledad y la enfermedad; y su hija Ellie, con propósitos poco honestos. 

El productor, guionista y director, Darren Aronofsky, Estudió en la Universidad de Harward y  en el American Film Institute. Se inició con el cortometraje “Supermarket Sweep” y el mediometraje “Fortune Cookie” ambas en 1991 y tras los cortometrajes “Protozoa” 1993 y “No time” 1994, debutó en el largometraje con “Pi, fe en el caos” 1998. Continuó con “Réquiem por un sueño” 2000, “La fuente de la vida” 2006, “El luchador” 2008, “Cisne Negro” 2010, “Noé” 2014, “Madre!” 2017 y “La ballena (The Whale)” 2022. Cuenta con los cortometrajes “La Nuit de I`Homme” 2011 y “The Truth Is Hard to Find the New York Time: Brian Denton” 2017, el videoclip “Lou Reed & Metallica: The View” 2011 y la participación en las series documentales para televisión “Bienvenidos a la Tierra” 2021 y “Sin límites con Chris Hemsworth” 2022.

Demoledora, abrumadora y reflexiva, son palabras con las que se podría definir The Whale, lo nuevo de Aronofsky, que te aferra a la butaca, cortándote la respiración. Un filme atmosférico e intimista, en gran parte gracias al marco en el que sitúa la acción, el salón de la casa, espacio en el que prácticamente hace su vida Charlie y por el que desfilarán otros personajes que junto a él, acarrean a sus espaldas mochilas en las que viajan las separaciones, la compasión, el  dolor, la ira, el desengaño, el rencor, las culpas, el abandono, la resignación, el amor o la falta de él y hasta la muerte; en busca de la redención y la luz.

Aronosfsky nos ofrece una adaptación de la obra teatral escrita por el dramaturgo Samuel D. Hunter, que vio en el año 2012 y cuya representación le dejó impactado. Durante estos años, mientras nos ofrecía otros trabajos, tanto en televisión como en cine, no ha cesado en la búsqueda del actor idóneo para encarnar a Charlie y de paso, sorprendernos con el giro al cine al que nos tenía acostumbrado, siendo fiel a la obra teatral y el ámbito en el que se desarrolla. Darren nos acomoda, por decirlo de alguna manera, en algún lugar de ese salón entre la penumbra, por el que la cámara se deslizará con absoluta delicadeza, durante el correctísimo metraje y para crear mayor complicidad, cercanía e intimidad con el espectador, emplea el formato de pantalla 4/3 en compañía de la elegante y a la vez austera fotografía de Matthew Libatique.

En este filme, las situaciones surrealistas, perturbadoras y dramáticas, a las que nos tiene acostumbrados el director, mudan hacia lo más clásico y convencional, siendo la palabra y algunas imágenes las que perturben al espectador mientras el drama se intensifica, en la figura de ese hombre cuya obesidad mórbida le impide relacionarse con el exterior, incluso bloqueando su webcam, cuando imparte sus clases online, sin olvidarnos de que apenas puede caminar sino es acompañado de su andador o la silla de ruedas. Su mundo se reduce a las paredes que rodean el salón que habita, hasta que llega la hora de dormir, si es que logra conciliar el sueño. Un hombre que parece ser feliz solo cuando come y de la manera en que lo hace, aunque sepa que le queda poco tiempo de vida. Un personaje cuyos conflictos internos le mantienen en la oscuridad más profunda de su ser, pero a la vez, rebosa optimismo, ofreciendo lecciones plenas de luz, esperanza y humanidad. Una historia tan cruel como hermosa, que no nos abandona aun cuando las luces se encienden y el tiempo discurre.

Toca hablar de él, del actor que ha dado vida a tantos personajes en comedias románticas y de aventuras. Sin la menor duda, Aronofsky le ha puesto en bandeja de oro, el gran papel con el que sueña todo actor y Brendan Fraser, no ha desaprovechado la ocasión de ofrecernos el mejor trabajo de su vida y por el que estoy convencido, se le recordará. Está soberbio e impresionante y no por todos los kilos de prótesis que tiene que soportar, sino por cuanto transmite con las palabras y en especial, con las miradas, exteriorizando un  amplio abanico de sentimientos y emociones. Nos estremece con cada una de sus intervenciones y eleva aún más el clímax dramático, cuando está acompañado por la sobresaliente Hong Chau, quien encarna a Liz, la enfermera y amiga. La conexión entre ambos es absoluta y admirable. Una película que os recomiendo, sin dudar, disfrutando de cada situación y plano que Aronofsky ha cuidado, hasta rozar la perfección.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de enero.

REPARTO: Brendan Fraser, Sadie Sink, Samantha Morton, Ty Simpkins, Hong Chau, Sathya Sridharan y Jacey Sink.

PRODUCTORA: A24// Protozoa Pictures

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: YouPlanet Pictures.

"CONTRACCIONES" con CANDELA PEÑA Y PILAR CASTRO en el TEATRO PAVÓN

Nieves Peñuelas nos informa que Candela Peña y Pilar Castro, vuelven juntas al Teatro Pavón (Madrid) con la Obra “CONTRACCIONES” del 25 de enero al 19 de marzo.

¿Qué estamos dispuestos a hacer para conservar un puesto de trabajo?

Las actrices Candela Peña y Pilar Castro se subirán al escenario del Teatro Pavón el 25 de enero para dar vida a la obra de Mike Barlett. La adaptación de la obra de teatro está hecha por Jorge Kent y la dirección está a cargo de Israel Solá.

Constantemente oímos que deberíamos estar agradecidos por tener un trabajo, que el peor de los trabajos es mejor que no tener ninguno y que tal y como está todo es mejor no quejarse. Y es que en un mundo donde nos dicen que todo está a punto de reventar -la crisis climática, la crisis económica, la crisis energética, la guerra nuclear, las pandemias que han de llegar, ¿quién tiene ánimo de soñar con un futuro mejor y luchar para conseguirlo? Si a duras penas conseguimos conservar lo poco que tenemos. Y ese poco, se convierte en nuestra jaula.

El director Israel Solá comenta “CONTRACCIONES es una obra llena de suspense. Una reunión sucede a otra en aproximadamente una quincena de escenas de ritmo frenético y diálogos afilados entre una jefa y Emma, su empleada. Al acabar un día quieres saber qué pasará en la siguiente reunión -quien cederá, que sorprendente giro dará la situación, como habrá evolucionado todo- como si de un combate de esgrima se tratase.”

Jorge Kent ha adaptado y traducido la obra y dice de ella “Como en todos los textos de Mike Bartlett estamos ante una obra con diálogos precisos. Una partida de poker entre emociones humanas y algoritmos corporativos. Meticuloso en la selección de cada palabra, puntuación o silencio, esconde siempre detrás de cada parlamento un doble fondo, una caja de pandora a punto de ser abierta para dejar salir toda la rabia, angustia, dolor, sangre o vómito de sus personajes.”

SINOPSIS: CONTRACCIONES explora la invasión creciente de las grandes compañías en la intimidad de sus empleados. Con hábil precisión se muestra a una mujer en un cargo de poder que entrevista a Emma, de la sección de ventas, acerca de su vida amorosa. Al principio, hay algo cómico en la definición legalista de la empresa de lo que constituye una relación romántica o sexual. Esto, sin embargo, se convierte en lascivia mórbida cuando la gerente exige detalles íntimos de la aventura de Emma con un colega, Darren.

Las campanas de alarma suenan cuando la relación se prolonga demasiado. El embarazo de Emma conduce a la separación forzada de Darren y la manipulación despiadada de todos los aspectos de su existencia.

A través de Emma se muestra cómo la actitud desafiante ante la injerencia corporativa da paso gradualmente al cumplimiento voluntario por parte de los empleados y cómo estos permiten cada vez más que las empresas se adueñen de ellos en cuerpo y alma.

La obra de teatro tendrá gira por toda España en el 2023 y su próximo destino será Barcelona.

FICHA ARTÍSTICA:

Dramaturgo: Mike Bartlett// Versión: Jorge Kent// Dirección: Israel Solá// Intérpretes: Candela Peña y Pilar Castro// Diseño de Escenografía: Alessio Meloni// Diseño de Iluminación: Rodrigo Ortega// Creación Musical: Guillem William// Jefe de Prensa: Nieves Peñuelas// Diseño de Producción: Eva Paniagua// Producción: Producciones Come y Calla, S.L.

PROGRAMACIÓN ENERO Y FEBRERO EN EL TEATRO LARA 2023

Isabel G. Jerez, nos informa sobre la programación de Enero y Febrero en el Teatro Lara. Comedia comprometida y mucho humor para combatir la cuesta de enero en el Teatro Lara.

El Teatro Lara apuesta por la comedia comprometida y por el humor para combatir la cuesta de enero. Para arrancar el año, el decano del teatro madrileño ofrece muchas novedades en su cartelera y mantiene sus grandes montajes que han recibido un respaldo indiscutible del público. Cuatro es el número total de estrenos absolutos que va a tener el Teatro Lara durante los meses de enero y febrero. 

El teatro comprometido es uno de los grandes protagonistas durante estos primeros meses del año. “Migas de migajas” es el primer montaje con este sello que acaba de recalar en la sala Lola Membrives. 

Es la historia de dos cómicas que no pierden la ilusión ante nada. Dirigida por Chos, clave en la escena teatral alternativa madrileña, narra un periplo de descalabros en una búsqueda de la identidad y de la aceptación de una misma y de los demás. Esta semana, el jueves 19 de enero, Benja de la Rosa desembarca en la misma sala con “Me quedé antigua”, que protagonizan Patricia García Méndez, Veki Velilla y Carmen Mayordomo. En “Me quedé antigua”, De la Rosa aborda las relaciones tóxicas y los peligros de las nuevas tecnologías con una obra inspirada, muy libremente, en la película de Robert Aldrich “El asesinato de la hermana George”. 

El teatro comprometido se pone de nuevo de manifiesto en Blackbird con el 29 de enero. Blackbird no trata solamente del abuso a menores y los daños, propios y colaterales, que ocasiona. Va más allá y pone el dedo en la llaga de un mal que vemos extenderse ante nosotros cada día como un virus imparable: la irresponsabilidad. Además, a los escenarios del Lara acaba de volver la aplaudida “Solitarias de estreno”, protagonizada por Paula Berenguer y Berta Hernández. Durante el mes de febrero más novedades nos esperan sobre las tablas. El 7 de febrero, la polifacética Chos repite en la dirección, esta vez con “Lo que sea: la vida secreta de Baby Jane”. Mientras que los amantes de la comedia pura y dura estarán de enhorabuena porque a partir del 4 de febrero vuelven la aplaudida comedia “Santas y perversas”.

RISAS Y MÁS 

En la sala Cándido Lara, continuará hasta final de temporada como obra principal “La madre que me parió”, el plan perfecto avalado por el apoyo del público en sus seis temporadas en cartel. El elenco está encabezado por María José Ayuso (Aída), Juana Cordero (Cámera Café, La que se avecina) y Aurora Sánchez (Cancún de Olivares, El Apagón de Yllana, Tres y Arizona, de Juan Carlos Rubio, Acacias 38). En la sala Lola Membrives, los amantes de las risas lo van a seguir pasando en grande con “Punto y coma”, de Montgomery Entertainment. Además, el público podrá disfrutar de “Sofá y dos cuerpos”, una comedia dramática sobre el respeto y la tolerancia en la pareja que nace de resultado de un proceso de investigación sobre las relaciones sentimentales. 

También en esta sala, el montaje más personal de Eloy Arenas: “La inmortalidad es pasajera”, escrita e interpretada por este actor que vuelve al espectáculo unipersonal jugando con el pasado, presente y futuro mostrando, desde la duda, los hechos históricos más relevantes de la historia, relacionándolos con acontecimientos y personajes actuales.

Potente, humorístico, divertido, tierno, provocador. Este montaje subirá a la sala Cándido Lara a partir del 11 de febrero donde se podrá disfrutar los sábados a las 22h30. 

Hasta el próximo 29 de enero los amantes de los musicales podrán seguir disfrutando de “Lavar, marcar y enterrar. El musical”. Protagonizado por la actriz Inma Cuevas y Jacinto Bobo bajo la dirección de José Masegosa (El Ascensor, ganador del concurso Talent Madrid, El lamento de las Divas o Macabaret, premio Broadwayworld al Mejor Musical). Cuatro personajes se ven forzados a compartir un pequeño espacio durante una noche de armas sin seguro y peligrosos recuerdos. Los más pequeños va a poder seguir disfrutando de dos funciones que están teniendo mucho éxito entre el público infantil y juvenil: “Sherlock Holmes y el cuadro mágico” y “El pequeño Mozart” en sesiones matinales. 

En definitiva, el Teatro Lara seguirá ofreciendo este 2023 teatro para todos los públicos en el centro de la capital madrileña. 

PROGRAMACIÓN

NOTICIAS BREVES (CLXXI)

 

ELASTICA FILMS y FILMIN distribuyen en España “La belleza y el dolor”, ganadora del Festival de Venecia y que llegará a las salas de cine el 10 de marzo.

Elastica y Filmin se complacen en anunciar la distribución en España de La Belleza y el Dolor (All the Beauty and the Bloodshed), ganadora del León de Oro de la pasada edición del festival de Venecia. 

La película documental dirigida por Laura Poitras (ganadora de un Oscar por CitizenFour), sigue la vida de la artista Nan Goldin y su activismo contra la dinastía farmacéutica de los Sackler, responsables de la mayor epidemia de opioides de la historia de Estados Unidos.

Tras su paso por el festival de Venecia, La Belleza y el Dolor ha sido nominada a los Spirit Awards, a los BIFA (British independent Films Award), Satellite Awards, entre otros, y llegará a las pantallas de cine españolas de la mano de Elastica y Filmin el próximo 10 de marzo. Posteriormente, Filmin la estrenará en VOD en su plataforma.

Sobre Nan Goldin (Washington, 1953)

Considerada una de las fotógrafas vivas más importantes de los Estados Unidos, y una de las artistas fundamentales de la contracultura neoyorquina. Su obra es reconocida por retratar los estragos del sida y la heroína (en la década de los 80) y por plasmar temas como el amor, la sexualidad y el género.

Tras sufrir una lesión, que fue tratada con Oxycontin y que la llevó a una adicción a este opioide, Golden fundó en 2017 el grupo activista PAIN, con el objetivo de presionar a los museos e instituciones artísticas para poner fin a su relación con la familia Sackler, propietarios de la farmacéutica productora del Oxycontin, a la vez que denunciaban su papel en la epidemia que golpeó Estados Unidos.

DEAPLANETA nos informa que “EL PILOTO” de Jean-François Richet   llegará a nuestras salas el 10 de febrero.

El próximo 10 de febrero, DeAPlaneta estrenará en cines El Piloto. Gerard Butler se convierte en un habilidoso piloto dispuesto a todo por salvar a su tripulación en esta trepidante película de acción dirigida por Jean-François Richet.

El actor Mike Colter, conocido por interpretar al primer superhéroe afroamericano de Marvel, Luke Cage, le da la réplica. Completan el reparto Yoson An, Daniella Pineda, Paul Ben-Victor, Lilly Krug y el experimentado especialista de cine Evan Dane Taylor.

La película se estrenó el pasado viernes 13 de enero en Estados Unidos y se ha convertido en el mejor estreno de la semana recaudando más de 11 millones de dólares y consiguiendo una respuesta entusiasta por parte de la prensa y el público, que ha brindado puntuaciones altas en los reconocidos sites Rotten Tomatoes e IMDB. 

Sinopsis: En la noche de fin de año, el piloto experto Brodie Torrance (Gerard Butler) realiza un arriesgado aterrizaje cuando su avión, repleto de pasajeros, es alcanzado por un rayo. Perdidos en medio de una isla devastada por la guerra, Torrance se dará cuenta que sobrevivir al vuelo sólo ha sido el principio de una trepidante aventura llena de peligros. El piloto deberá usar todo su ingenio para llevar a los pasajeros a sus destinos sanos y salvos.  

A parte de interpretar al personaje protagonista, Gerard Butler también ha ejercido como productor de la película: «Es tan increíble como actor como productor. Es muy inteligente y siempre percibe el ritmo que necesita cada escena» comenta el director del filme, Jean-François Richet. 

Richet, con una larga trayectoria en películas de acción, define El piloto como «Una película de acción tradicional, con personajes cercanos que conducen una historia trepidante. Pero esta historia va más allá de la acción. También tiene grandes dosis de tensión, y eso engancha mucho al público».

«Trabajar en El piloto ha sido todo un viaje. Ha sido una de las experiencias más gratificantes de mi vida. Tiene todo lo que me gusta del cine y tengo muchas ganas de poder compartirlo con el público de todo el mundo». Concluye Gerard Butler. 

FILMAX nos informa que “LOBO FEROZ” el remake del título israelí y dirigida por Gustavo Hernández Ibáñez, se estrenará el 27 de enero en cines.

Adriana Ugarte, Javier Gutiérrez y Ruben Ochandiano protagonizan “LOBO FEROZ”,  una dura historia de venganza y atroces crímenes sin resolver dirigida por Gustavo Hernández Ibáñez. Un thriller asfixiante y oscuro con toques de humor ácido que llegará a los cines de toda España el próximo 27 de enero de la mano de Filmax.

En “Lobo Feroz”, los protagonistas se mueven al filo de la ley. Junto a ellos, Antonio Dechent, Juana Acosta, Manu Vega y Fernando Tejero completan el reparto de una historia de personajes que se mueven entre la luz y la oscuridad.

Con guion de Juan Manuel Fodde y Conchi del Río, “Lobo Feroz" es una visión renovada del film israelí “BIG BAD WOLVES” (Aharon Keshales y Navot Papushado, 2013), cinta alabada en su día por Quentin Tarantino como mejor película del año y ganadora del premio a la mejor dirección en Sitges entre otros reconocimientos en numerosos festivales internacionales.

Sinopsis: Un policía al borde de la ley y una mujer en busca de venganza, cruzan sus caminos obsesionados con descubrir al asesino que se esconde tras los brutales crímenes de varias niñas. Ambos están dispuestos a hacer lo que sea necesario para lograr su confesión, aunque para ello tengan que tomarse la justicia por su mano. Una modélica detective luchará contrarreloj para evitar que se cometan errores irreparables y que esa desesperada búsqueda de la verdad se convierta en el más feroz de los lobos.

“El fenómeno de inseguridad en los países hispanoamericanos se volvió muy crítico; actualmente todos los ciudadanos nos sentimos afectados por la violencia. Es cotidiano escuchar trágicos hechos de homicidios, secuestros, asaltos, corrupción y tristemente nos estamos acostumbrando a sobrevivir entre la fatalidad. La ambición de adaptar una película como Big Bad Wolves, nace del contexto de la región donde vivo, y me posibilita a desarrollar una catarsis sobre la injusticia, como ciudadano, padre y cineasta. Mi intención es exponer la temática a través de un thriller ágil, crudo y original, participando al público sobre decisiones éticas y las responsabilidades y consecuencia que sufrirán los protagonistas por sus acciones. La ambigüedad moral se masca en una atmósfera asfixiante y cruda, donde un bosque frío, una casa aislada y un sótano sirven de escenarios para descubrir la verdadera condición humana. Una construcción tensa y poderosa, crecerá suavemente entre la desesperación de los personajes, donde nada es lo que parece, ni el lobo ni el cordero.” Explica Gustavo Hernández.

La película es una producción de Bowfinger International Pictures, con María Luisa Gutiérrez al frente, responsable de las películas más taquilleras en España de los últimos años (como las sagas de A Todo Tren o Padre no hay más que uno) y Lobo Feroz AIE,  en coproducción con la empresa uruguaya Mother Superior liderada por el reconocido Ignacio Cucucovich (Virus 32), Esto También Pasará de Álvaro Ariza (La Casa del Caracol, El Hombre del Saco), Basque Films con Carlos Juarez (que recogió en Toronto el Premio del Público en la Sección Midnight Madness con El hoyo) y FilmSharks de Guido Rud. La película cuenta con el apoyo del ICAA, la participación de Netflix y distribución de Filmax.

Con la historia ambientada en algún punto recóndito de Andalucía, el rodaje se desarrolló íntegramente en la provincia de Cádiz, recorriendo buena parte de la misma gracias a las facilidades recibidas desde los diferentes municipios, como el Ayuntamiento de Cádiz a través de su Film Office y especialmente el apoyo de la Diputación de Cádiz que desde el primer momento entendió el proyecto, que llegaba a la provincia de la mano del coproductor gaditano Álvaro Ariza en su empeño por contribuir a generar un tejido industrial cada vez más sólido que coloque a Cádiz como un plató natural de referencia para las producciones audiovisuales.

NUEVE CARTAS nos informa “LOS CABALLOS MUEREN AL AMANECER”se estrenará en cines el 3 de marzo

El segundo largometraje de la cineasta Ione Atenea (ENERO, 2019), LOS CABALLOS MUEREN AL AMANECER, tendrá su estreno comercial en salas de cine el próximo 3 de marzo.

Unos días antes, la película competirá en la 7.ª edición del Festival Internacional de Cine Independiente de Ibiza/Eivissa, dentro de su Sección Oficial, que se celebrará en la isla balear entre el 17 y el 26 de febrero. El filme se podrá ver el sábado 18 de febrero a las 20:00 en el Can Jeroni Centre de Cultura, que contará con presentación y coloquio a cargo de la directora de la película.

Esta proyección se enmarca en el programa Humans in Focus, sección competitiva internacional con énfasis en personajes ficticios o reales con gran protagonismo, humanos diseccionados por el cine. La película opta al Premio a Mejor Documental. 

El Festival Internacional de Cine Independiente de Ibiza/Eivissa se caracteriza por su exquisita selección de cintas de autor, comprometidas y con puntos de vista que se mueven en fondo y forma hasta los márgenes de las normas del cine comercial.

Estrenada de forma internacional en la sesión inaugural de la 16ª edición del Festival Internacional de Cine Documental de Navarra - Punto de Vista, LOS CABALLOS MUEREN AL AMANECER se alzó con el Premio Panorama España en el Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria; se ha presentado en el Festival Internacional Cinema d’Autor de Barcelona; Documenta Madrid; Festival Cinespaña de Toulouse; Muestra Internacional Documental de Bogotá; Festival de Cine de Cuenca de Ecuador; Festival Porto/Post/Doc de Portugal; Festival Novos Cinemas de Galicia; Festival Rizoma de Madrid; así como en la Muestra Recent Films From Spain del National Gallery de Washington DC, en Estados Unidos; Tour del D’A; y la Mostra Internacional de Films de Dones de Barcelona.

Escrita y dirigida por Ione Atenea, que también se ocupa de la dirección de fotografía, Diana Toucedo se encarga del montaje, y ambas firman el guion. Por su parte, Mirari Echávarri es asesora de dirección, junto a Marina Lameiro, y asesora de voz off, junto a Ainhoa Resano. Jordi Ribas firma el diseño de sonido y las mezclas y Lara Vilanova, el etalonaje. Participan en el film Javiera Izquierdo, Nicole Insogna, Iker Álvarez Calvo, Ione Atenea, Marina Lameiro y Vidal-Dosis.

Filmada en Barcelona, la película está producida por Hiruki Films y coproducida por Zazpi T’erdi. Garazi Erburu, Iñaki Sagastume y Ione Atenea son los productores ejecutivos.

Ganador del Mentoring projects del Festival L’alternativa Barcelona en 2017, seleccionado en el Foro profesional ZINEBI NETWORKING 2020 y asesorado por Luciano Rigolini en el marco del Máster en Documental de Creación (IDEC-UPF) de la Universidad Pompeu Fabra, el proyecto cuenta con el apoyo de Gobierno de Navarra, Generalitat de Catalunya, Ayuntamiento de Barcelona, Institut Ramon Llul,  Institut Català de les Empreses Culturals  (ICEC), Corporació Catalana de Mitjans Audiovisuals (TV3) y Centro de Arte Contemporáneo Huarte.

SINOPSIS: Cuando la directora de la película entra a vivir en la casa de los hermanos García, descubre que sus vidas continúan latentes en los objetos que dejaron: un piano, cientos de dibujos, miles de fotos, montones de casettes... Antonio era dibujante de cómics en la editorial Bruguera, Rosita era cantante de ópera y pianista. Junto con su hermano Juanito, convirtieron su hogar en un espacio de creación y ficción desde el que escapar de la realidad gris de la dictadura franquista. Años más tarde, ya con nuevos habitantes, la casa sigue siendo un lugar donde la vida puede ser de otra manera.

BLOGMEDIA y BUENA VISTA INTERNATIONAL nos informa que “EL HOTEL DE LOS LÍOS” se estrenará en cines el 24 de marzo.

“El hotel de los líos” es un spin-off de ‘García y García’, la superproducción española que superó el millón de euros de recaudación y se colocó en el Top 10 de la taquilla del cine español en 2021. 

“El hotel de los líos” es una comedia familiar dirigida por Ana Murugarren y protagonizada de nuevo por dos de los nombres más importantes de la comedia española, José Mota y Pepe Viyuela, acompañados en esta ocasión por Paz Padilla, Diego Arroba ‘El Cejas’, y una cuadrilla de niños científicos, que acabarán sacándoles de apuros con su extraordinario y revolucionario invento, crucial para vencer a los malos de pacotilla. La película se estrena exclusivamente en cines el próximo 24 de marzo, distribuida por Buena Vista International.

Producida por Joaquín Trincado y coescrita por Ana Murugarren y Ana Galán, completan el reparto Ricardo Castella, Antonio Resines, la italiana Meteora Fontana y los niños Carla Chiorazzo, Carlos Morollón, Daniela Casas, David Calderón y Pablo Fernández, un niño sordo que enriquece la película a través de la lengua de signos con la que se comunica con otros personajes, transmitiendo un mensaje poderosamente integrador.

“El hotel de los líos” es una producción de Blogmedia y Moviegoers AIE, en asociación con la italiana Garbo Produzioni y con la participación de Mogambo, RTVE y Prime Video. Las ventas internacionales corren a cargo de eOne.

SINOPSIS: Tras hacerse cargo de un hotelito destartalado, comprado por error en una subasta por un precio desorbitado, los dos Javier García viven una nueva aventura, ayudados esta vez, muy a su pesar, por un grupo de niños superdotados que se alojan en el hotel para asistir a la Final Nacional de Talentos. Junto a su explosiva profe, Martina, los niños se enfrentarán al mafioso Benito Camarena, que con sus secuaces - su madre y su hermano - tratarán de arrebatar a los García el botín escondido en el hotel, antigua guarida de los facinerosos.

CINE Y FESTIVALES (LVI)

SURIA COMUNICACIÓN nos informa que “Upon Entry” dirigida por Alejandro Rojas y Juan Sebastián Vásquez tendrá su première norteamericana en la Sección Narrative Spotlight del Festival South by Southwest (SXSW) 

Tras obtener el Premio FIPRESCI en el prestigioso Tallinn Black Nights Film Festival (Estonia) y el Premio a la Mejor Película -Golden Royal Bengal Tiger Award for Best Film- en el Kolkata Film Festival (India), Upon Entry, la ópera prima de Alejandro Rojas y Juan Sebastián Vásquez, tendrá su première norteamericana en la Sección Oficial Narrative Spotlight del festival South by Southwest (SXSW), entre el 10 y el 18 de marzo en Austin, Texas.

Se trata de uno de los eventos culturales más importantes de EE. UU., considerado por la industria entre los 10 mejores festivales de cine del mundo. La participación en el festival, que pone el foco en películas producidas de forma independiente, así como en los talentos de dirección emergentes con visiones únicas, permite la inscripción del filme en los Spirit Awards.

Upon Entry -que es una coproducción entre Cataluña, Madrid y País Vasco- cuenta en sus principales papeles con dos ganadores del Premio Goya, como son el argentino Alberto Ammann (La noche más larga; Narcos) y la catalana Bruna Cusí (Verano 1993; Incierta gloria). El atractivo reparto internacional cuenta además con el estadounidense Ben Temple (Nadie quiere la noche; En el corredor de la muerte) y la dominicana Laura Gómez (Orange is the New Black).

Upon Entry es una producción de Zabriskie Films (Callback, El practicante), Basque Films (El hoyo) y Sygnatia (Los demonios de barro, The Monkey), que ha contado con el apoyo del Institut Català de les Empreses Culturals, la Comunidad de Madrid, el Gobierno Vasco, el programa MEDIA de Europa Creativa y la participación de TV3 Televisió de Catalunya. La película está producida por Carles Torras, Carlos Juárez, Xosé Zapata, Sergio Adrià y Alba Sotorra (El Retorno: La vida después del Isis).

SINOPSIS: Diego, urbanista venezolano, y Elena, bailarina contemporánea de Barcelona, se mudan a Estados Unidos con sus visados aprobados para empezar una nueva vida. Su intención es impulsar sus carreras profesionales y formar una familia en "la tierra de las oportunidades". Pero al entrar en la zona de inmigración del aeropuerto de Nueva York, son conducidos a la sala de inspección secundaria, donde serán sometidos a un desagradable proceso de inspección por los agentes de aduanas y a un interrogatorio psicológicamente extenuante, en un intento de descubrir si la pareja puede tener algo que ocultar.

DEAPLANETA nos informa que “El pequeño Nicolás se alza con el Premio Lumière a la Mejor Película de Animación

El pequeño Nicolás sumó un reconocimiento más la otra anoche, consiguiendo el Premio Lumière a la Mejor Película de Animación. Los Premios Lumières de la crítica internacional son los equivalentes a los Globos de Oro en el país galo, reuniendo a más de 200 periodistas internacionales con sede en París.

El filme de animación relata la historia detrás de "El pequeño Nicolás", la célebre serie de libros infantiles creada por el escritor René Goscinny (también creador de los personajes de "Asterix") y el reputado dibujante Jean-Jacques Sempé que ha vendido más de 15 millones de ejemplares en todo el mundo y ha sido traducida a más de 45 idiomas. 

Dirigen la película Amandine Fredon (C'est bon) y Benjamin Massoubre, que tras una larga carrera como montador de animación debuta en la dirección con esta película. Massoubre co-escribe el guion junto con Michel Fessler (Born) y Anne Goscinny, escritora e hija de René Goscinny. 

El pequeño Nicolás tuvo su premiere mundial en la 75ª edición del Festival de Cannes, donde compitió por la Caméra d'Or. En junio de 2022, la película se alzó con el Premio a la Mejor Película en el Festival de Annecy, el certamen más prestigioso en el terreno de la animación cinematográfica. Tras ser galardonada en distintos festivales de animación alrededor del mundo, la película recibió una nominación a la Mejor Película de Animación en los EFA (European Film Awards) y actualmente es candidata a los Premios César de la Academia Francesa y está presente en la lista de películas de animación elegibles para los Premios Oscar 2023. 

El pasado mes de noviembre, la película tuvo su premiere española en la 60ª edición del Festival de cine de Gijón, compitiendo en la Sección "Enfants Terribles". Dicha sección reivindica el cine como herramienta indispensable para la educación de los más jóvenes y propone una selección de títulos especialmente indicados para niños/as y adolescentes. Unos días más tarde, el filme formó parte de la Sección Oficial de Mi Primer Festival, un certamen internacional de cine para niños y niñas de entre 2 y 12 años celebrado paralelamente en Madrid y Barcelona, donde se alzó con el Premio del Jurado a la Mejor Película.

Sinopsis: Inclinados sobre un gran folio en blanco en algún lugar entre Montmartre y Saint-Germain-des-Prés, Jean-Jacques Sempé y René Goscinny dan vida a "El pequeño Nicolás", un niño risueño y travieso. La suya es una infancia alegre, llena de juegos, diversión, bromas, aprendizaje, complicidad, peleas y castigos.

Las aventuras de Nicolás le llevan al estudio de sus creadores, donde habla con ellos de forma distendida. Sempé y Goscinny le cuentan cómo se conocieron y se hicieron amigos, y también responden a preguntas sobre su carrera, su infancia y sus ambiciones.

Respecto el hecho de adaptar una obra clave de la literatura infantil a la gran pantalla, el co-director Benjamin Massoubre comenta: "Los libros han pasado de generación en generación en muchísimas familias francesas. En la mía, mi abuelo se lo leyó a mi padre, mi padre me lo leyó a mí y ahora yo hago lo propio con mis hijos. Al trabajar en un proyecto con tanto peso cultural, da algo de reparo que se malinterpreten las intenciones, pero la única forma de superar la presión ha sido crear una película que transmita nuestra sinceridad y amor por "El pequeño Nicolás". 

A su vez, el equipo también ha trabajado concienzudamente para honrar la memoria de Jean-Jacques Sempé y René Goscinny: "Teníamos que alcanzar el nivel de elegancia que caracteriza el arte de Sempé y trasladar el ingenio y el humor de Goscinny a la pantalla. [···] Gracias a Anne Goscinny, pudimos ver los dibujos y textos originales de "El pequeño Nicolás". Hoy en día, en nuestro mundo tan virtual, ha sido muy especial poder tocar los documentos, rotuladores y lápices de su padre y ver la mesa en la que trabajaba. Hemos intentado transmitir a los espectadores esa sensación de cercanía y la emoción que sentimos a través de la pantalla." añade Massoubre.

ELLAS COMUNICACIÓN y A CONTRACORRIENTE FILMS nos informan que “AS BESTAS” alcanza los 4 millones de recaudación en taquilla el mismo día que se alza con el premio Lumière a Mejor Coproducción Internacional.

“AS BESTAS” recibió el pasado 16 de enero, el Premio Lumière a mejor coproducción internacional. Los prestigiosos galardones, equivalentes a los Globos de Oro, son otorgados por la Académie Lumières, que reúne a más de 200 periodistas internacionales con sede en París, donde tiene lugar la ceremonia y donde ayer el director del filme, Rodrigo Sorogoyen, recibía este importante premio. Además de este reconocimiento, ‘AS BESTAS’ ha tenido una gran acogida en Francia, donde se estrenó el pasado mes de julio con gran éxito de público y crítica.

“AS BESTAS”, que cuenta con una excelente trayectoria desde su debut, ya ha alcanzado los 4 millones de recaudación en España, donde se estrenó el pasado mes de noviembre. La película lleva 10 semanas ininterrumpidas entre las 8 primeras de la taquilla española, resistiendo a estrenos importantes como “El menú”, “Whitney Houston”, “Mundo extraño” o “Black Panther”. Es el filme con mayor número de semanas en cartelera entre los títulos del Top 20, y va camino de alcanzar los 700.000 espectadores. Además, ha conseguido 17 nominaciones a los premios Goya y 10 a los premios Feroz (los galardones otorgados por la Asociación de Informadores Cinematográficos de España), lo que la convierte en la película con más nominaciones en ambos premios.

El Premio Lumière a mejor coproducción internacional se suma a los recibidos recientemente en el Festival Internacional de Cine de Tokio (Tokyo Grand Prix, el premio al mejor director y el premio a la mejor interpretación masculina para Denis Ménochet); en el Festival de San Sebastián (Premio del Público Ciudad de Donostia a la Mejor Película Europea), el Antalya International Film Festival de Turquía (mejor interpretación femenina para Marina Foïs), el Chicago International Film Festival (mejor reparto), el Festival Étoiles el Toiles du Cinéma européen celebrado en Estrasburgo (Prix Odyssee del Consejo de Europa a la creación artística), el Haifa International Film Festival (Honorable Mention-The International Cinema Competition), el Festival Internacional de Cine de Gáldar, en Gran Canaria (Guayarmina de Bronce al mejor largometraje) y el Almería Western Film Festival (mejor interpretación masculina para Luis Zahera, mejor interpretación femenina para Marina Foïs y mejor dirección de fotografía para Alex de Pablo). Recientemente, también se hizo con el Premio FECE 2022 Especial Película que concede la Federación de Cines de España.

“AS BESTAS”, dirigida por Rodrigo Sorogoyen y coescrita junto a Isabel Peña, tándem creativo de títulos como “Stockholm”, “Que Dios nos perdone”, “El reino” y la serie “Antidisturbios”, es un thriller de autor protagonizado por MARINA FOÏS, DENIS MÉNOCHET, LUIS ZAHERA, DIEGO ANIDO y MARIE COLOMB acompañados por actores no profesionales.  

En el equipo técnico destacan el director de fotografía Alex de Pablo (nominado a mejor dirección de fotografía en 2019 por “El reino”), Olivier Arson (Goya a mejor música original en 2019 por “El reino”) en la composición musical; el director de sonido Aitor Berenguer (Goya a mejor sonido en 2018 por ‘Verónica’), y Alberto del Campo (Goya a mejor montaje y Premio Platino en 2019 por “El reino”) en montaje. 

Producida por ARCADIA MOTION PICTURES, CABALLO FILMS y CRONOS ENTERTAINMENT en coproducción con LE PACTE, cuenta con la participación de RTVE, Movistar Plus+, Canal+, y Cine+, el apoyo de Eurimages y la financiación del ICAA, el ICEC y la CAM.  

Distribuida por A CONTRACORRIENTE FILMS. De las ventas internacionales se encarga LATIDO FILMS.  

DIAMOND FILMS nos informa que “GOLDA” protagonizada por Helen Mirren, se presentará en la Berlinale 2023.

Diamond Films distribuirá en España GOLDA, la nueva película protagonizada por la ganadora de un Premio Oscar®, tres Globos de Oro® y dos Premios Bafta® Helen Mirren, y tendrá su estreno mundial en el próximo Festival Internacional de Berlin 2023

GOLDA está dirigida por el ganador del Oscar® Guy Nattiv (Skin). La película, narra la historia de Golda Meir, a quien da vida Helen Mirren, que fue la Primera Ministra mujer de Israel, y enfrentó responsabilidades y decisiones intensamente dramáticas y de alto riesgo durante la Guerra de Yom Kippur.

En el reparto destacan Camille Cottin, en el papel de Lou Kaddar, asistente personal de Golda durante muchos años, quien estuvo a su lado durante toda la guerra, Liev Schreiber, como Henry Kissinger, el Secretario de Estado de EE.UU. durante la guerra, Rami Heuberger, quien interpreta al Ministro de Defensa de Meir, Moshe Dayan, y Lior Ashkenzi como el Jefe del Estado Mayor, David Elazar. Ashkenzi, uno de los actores de teatro, televisión y cine más destacados de Israel, ganó el premio al Mejor Actor en los Premios Ophir (La versión israelí de los Oscar) por su interpretación de Michael Feldmann en Foxtrot, de Samuel Maoz.

Escrita por Nicholas Martin (Florence Foster Jenkins), GOLDA es un thriller a contrarreloj en el que se narran los dramáticos acontecimientos, las responsabilidades de alto riesgo y las controvertidas decisiones a las que se enfrentó Meir, también conocida como la "Dama de Hierro de Israel", durante la Guerra del Yom Kippur de 1973. Sus acciones, en circunstancias imposibles, acabarían decidiendo el destino de millones de vidas.

Completan el reparto Ellie Piercy, Ed Stoppard, Rotem Keinan, Dvir Benedek, Dominic Mafham, Ben Caplan, Kit Rakusen y Emma Davies.

SURIA COMUNICACIÓN nos informa que Naomi Kawase, Premio Mirada Personal de MiradasDoc 2023.

La cineasta japonesa Naomi Kawase recibirá el próximo sábado, 28 de enero, en Guía de Isora (Tenerife) el Premio Mirada Personal del Festival MiradasDoc 2023. Con motivo de este reconocimiento, el certamen ofrecerá la premiére nacional de su última película previo paso por el Festival de Rotterdam: Official Film of the Olympic Games Tokyo 2020 Side B' (2022), cuya primera parte se presentó en la pasada edición del Festival de Cannes. 

Según las palabras del director del Festival, David Baute, para el certamen es muy relevante destacar su legado porque "su crianza en un entorno rural ahorma un cine respetuoso con los ancestros y vinculado al medioambiente, un cine que integra la expresión de lo real incorporando elementos mágicos. Un cine osado y poético, familiar y doloroso, afortunado por encontrar en la cotidianidad la misteriosa armonía entre el hombre y la naturaleza. Las películas de Kawase exigen de un público sosegado y lúcido, y esta es la propuesta que enamora a Miradasdoc desde sus inicios, un festival que nos distancia de los irracionales y los violentos, un festival que nos hace mejores y más sensatos". 

Naomi Kawase nació en Nara, Japón, en 1969. Se graduó en la Universidad de Artes Visuales de Osaka en 1989. Sus películas Embracing (1992) y Katatsumori (1994) supusieron sus primeros éxitos en el circuito internacional y fueron premiadas en el Festival de Cine Documental de Yamagata en 1995. En 1997 se convirtió en la ganadora de la Caméra d'Or más joven de la historia del Festival de Cannes, que recibió por su primer largometraje de ficción, Suzaku, presentado en la Quincena de los Realizadores. En 2000, Hotaru recibió además los Premios FIPRESCI y CICAE en el Festival de Locarno.

Los cuatro largometrajes que realizó después fueron seleccionados para participar en la Sección Oficial del Festival de Cannes: Shara, en 2003; El bosque del luto (Mogari no mori), en 2007, con la que ganó el Gran Premio del Jurado; Hanezu no tsuki (Hanezu), en 2011 y Aguas tranquilas (Futatsume no mado), en 2014.

Una pastelería en Tokio fue la película de inauguración de la Sección Un Certain Regard en 2015. Vision (2018) y Madres verdaderas (2020), su dos últimas obras de ficción, se presentaron en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián.

Entre otros reconocimientos, ha recibido el galardón honorífico Carrosse d’Or en la Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes (2009) y ha sido distinguida como Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia (2015). Por último, ha sido miembro del Jurado de la 66 edición del Festival de Cannes, presidido por Steven Spielberg.

En su trayectoria destaca además su mirada filantrópica ya que en 2010 creó el Festival Internacional de Cine de Nara, que se dedica a promocionar la creatividad de los jóvenes directores de cine. Official Film of the Olympic Games Tokyo 2020 Side B (2022), la segunda parte de la película oficial de los últimos Juegos Olímpicos, es el último trabajo de esta pionera dentro del cine nipón.

El ciclo dedicado a la cineasta está compuesto por los siguientes films: Tarachime (Nacimiento y maternidad, 2006) -un cortometraje documental en el que la directora se enfrenta a su madre adoptiva, que amenazó con abandonarla de niña, y ahora, ante el advenimiento de una nueva vida, el hijo de la propia Kawase, llega la hora de que la hija abandone a la madre en su vejez-; Somaudo monogatari (1997) -un documental que retrata la vida en un poblado de montaña en el que la soledad, el trabajo duro y la vejez son los ejes sobre los que pivota la vida diaria de unos campesinos- y Moe no Suzaku (1997), una cinta sobre la vida en un remoto pueblo maderero de Japón reflejada en el quehacer cotidiano de una familia. Ademas, la directora mantendrá un encuentro con el periodista y director de cine Javier Tolentino.

Naomi Kawase recibirá el 28 de enero el premio Mirada Personal que MiradasDoc ha otorgado en ediciones anteriores antes a directoras y directores como Claire Simon, Isabel Coixet, Gianfranco Rosi, Luis Ospina, Avi Mograbi, Montxo Armendáriz, José Luis Guerín, David Bradbury, Joaquín Jordá, Abbas Kiarostami, Basilio Martín Patino y Patricio Guzmán.

MADAVENUE PR. COMMUNICATIONS y EVA HERRERO nos informan que “MATRIA”, de Álvaro Gago, competirá en la sección Panorama de la Berlinale

Matria, ópera prima de Álvaro Gago, tendrá su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Berlín, que se celebra del 16 al 26 de febrero, a competición dentro de la sección Panorama. Su estreno comercial en salas está previsto el 24 de marzo.  

Se trata del primer largometraje del director gallego, y parte del personaje principal del cortometraje homónimo que llevó a Álvaro Gago a recibir innumerables reconocimientos a nivel nacional e internacional, como el Gran Premio del Jurado en el Festival de Sundance 2018 y la nominación al Goya a Mejor Cortometraje de Ficción en 2019.

Sinopsis: Ramona vive en un pueblo de Galicia sumida en un contexto laboral y personal tenso e impredecible. Siempre sacrificándolo todo por el futuro de su hija Estrella, se verá empujada a mirar hacia dentro y a pensar que, tal vez, haya algo nuevo por lo que vivir. 

María Vázquez interpreta a la protagonista y completan el reparto Soraya Luaces, Santi Prego, Eduardo R. Cunha ‘Tatán’, Susana Sampedro y Francisca Iglesias, protagonista del cortometraje y de la historia real en que se basa la película. 

Rodada en gallego en distintas localizaciones de las Rías Baixas (Pontevedra), Matria está producida por Matriuska Producciones, Avalon P.C, Elastica Films, Ringo Media y Felicidad La Película, AIE.
Avalon se encargará de su distribución nacional, con estreno en cines el 24 de marzo, y New Europe Film Sales se ocupa de las ventas internacionales. Cuenta con la financiación de ICAA y Agadic (Xunta de Galicia), la participación de Televisión de Galicia, Movistar y The Screen, y la colaboración de la Diputación de Pontevedra y Concello de Pontevedra.

Matria formó parte de La Incubadora de ECAM y ha participado en diferentes laboratorios y programas de desarrollo internacionales como C EU Soon del Mia Market (donde obtuvo un premio de difusión de Screen International),  L'Alternativa Mentoring, Abycine Lanza, Cinemed - From Short to Long, MFI Script Lab 2 Film Workshop, TIFF Academy, Sevilla Co-Production Market, Berlinale Co-Production Market o D'A Film Lab. 

El largometraje, un drama social protagonizado por María Vázquez, llegará a las salas de cine el 24 de marzo.

FILMAX nos informa que “MAMACRUZ”, de Patricia Ortega, aterriza en el Festival de Cine de Sundance.

La película “MAMACRUZ”, de Patricia Ortega, se presentará este viernes, 20 de enero en el Festival de Cine de Sundance, en competición, dentro de la categoría World Dramatic Competition. 

Para presentar la cinta, a Estados Unidos viajarán la directora, Patricia Ortega, la actriz Kiti Mánver, el productor de la cinta, Olmo Figueredo González-Quevedo, el coguionista, José Ortuño y la productora ejecutiva, Sara Gómez. La película se podrá ver a las 21h en el Library Center Theatre, de Park City (Utah).

El Festival de Sundance es la cita anual más importante para el cine independiente internacional y uno de los festivales más grandes de Estados Unidos.

“MAMACRUZ” está  protagonizada por Kiti Mánver. Completan el reparto Inés Benítez, Silvia Acosta, Mari Paz Sayago y Pepe Quero, entre otros, y narra la historia de una abuela que accidentalmente se topa con unas imágenes porno en la tableta de su nieta y esto provoca un cambio en su vida que la lleva a reencontrarse con su sexualidad ya olvidada. 

“MAMACRUZ” es una comedia íntima luminosa, alegre y vitalista. Un coming of age de la tercera edad que es un homenaje a las madres y a las abuelas que deciden tomar las riendas de su propio destino. Un homenaje, en definitiva, a cada ser humano que defiende su identidad y sus sueños, más allá de los dogmas establecidos.

El guion de la película está escrito por Patricia Ortega y José Ortuño. 

Sinopsis: Cruz es una abuela que lleva muchos años, décadas ya, sin saber lo que es un orgasmo. Ella, devota de sus creencias religiosas, no le daba importancia ni tampoco se lo había planteado… hasta que un día navegando por Internet empieza a sentir de nuevo deseos y sensaciones que ya creía extinguidas. Pero, ¿cómo compaginar sus creencias con este nuevo despertar sexual y sensual que ha llegado de pronto a su vida?

“MAMACRUZ” es una producción de Olmo Figueredo González-Quevedo para La Claqueta PC y Mamacruz AIE y de José Alba para Pecado Films, en coproducción con Mandrágora Films (Venezuela) y con la producción ejecutiva de Sara Gómez y Odile Antonio-Baez. Cuenta con la ayuda del Ministerio de Cultura ICAA, el apoyo de la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales y la participación de Canal Sur Radio y Televisión. De la distribución nacional se encarga Filmax.

NUEVE CARTAS nos informa que “LA QUIETUD EN LA TORMENTA” de Alberto Gastesi competirá en el Festival de Cine de Ibiza/Eivissa

La película “LA QUIETUD EN LA TORMENTA” (Gelditasuna ekaitzean), primer largometraje de Alberto Gastesi, protagonizado por Loreto Mauleón e Iñigo Gastesi, competirá en la 7.ª edición del Festival Internacional de Cine Independiente de Ibiza/Eivissa, que se celebrará en la isla balear entre el 17 y el 26 de febrero.

Tras su premiere mundial en la 70.ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, y su participación en el Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón, donde el filme tuvo excelente acogida, LA QUIETUD EN LA TORMENTA (Gelditasuna ekaitzean), cuyo estreno comercial en salas de cine tendrá lugar en 2023, se podrá ver el domingo 19 de febrero en un pase, a las 20:00 en el Can Jeroni Centre de Cultura, que contará con presentación y coloquio a cargo del director de la película.

Esta proyección se enmarca en el programa Humans in Focus, sección competitiva internacional con énfasis en personajes ficticios o reales con gran protagonismo, humanos diseccionados por el cine. Asimismo, opta al premio a Mejor Largometraje de Ficción dentro de la Sección Oficial. 

El Festival Internacional de Cine Independiente de Ibiza/Eivissa se caracteriza por su exquisita selección de cintas de autor, comprometidas y con puntos de vista que se mueven en fondo y forma hasta los márgenes de las normas del cine comercial.

La cinta está protagonizada por Loreto Mauleón (Patria, El secreto de Puente Viejo), en su primer trabajo protagonista en un largometraje, e Iñigo Gastesi (La línea invisible, Lasa eta Zabala). Les acompañan Aitor Beltrán (El Internado: Las cumbres; El hijo del acordeonista) y Vera Milán (Somos).

SINOPSIS: Lara vuelve de París con su pareja, Telmo, a instalarse definitivamente en Donostia. Daniel nunca ha salido de la ciudad; ahora vive con su novia, Vera, y trabaja para la inmobiliaria de su madre. Las vidas de Lara y Daniel se cruzan en la visita a un piso en venta, pero quizás esta no sea la primera vez que se hayan encontrado. A caballo entre el pasado y el presente, Gelditasuna ekaitzean explora la historia de amor de dos personas cuyas vidas, en otras circunstancias, en otros tiempos, pudieron haber tomado otros caminos.

ZENIT COMUNICACIÓN nos informa que Benicio del Toro recibirá el Premio de Honor de los X Premios PLATINO.

Benicio del Toro será el nuevo Premio de Honor en la próxima gala de entrega de los Premios PLATINO, que se celebrará el próximo 22 de abril de 2023 en Madrid. El actor y productor puertorriqueño será homenajeado en reconocimiento a su carrera interpretativa, que le ha valido elogios de la crítica y la industria reflejados en numerosos premios, y por su trabajo como representante del ámbito iberoamericano en todo el mundo.

Del Toro, que recoge el testigo de Carmen Maura como última galardonada con el Premio de Honor de los PLATINO, es una de las grandes figuras del cine y las series actuales, así como uno de los grandes talentos hispanos en el ámbito de Hollywood y un embajador de las regiones iberoamericanas. No en vano, el ganador de un premio Oscar, un Globo de oro, un premio BAFTA, dos premios Independent Spirit, un premio del Sindicato de Actores, el Oso de Plata del Festival de Berlín o la Palma de Oro del Festival de Cannes, es uno de los más destacados representantes de las cinematografías iberoamericanas en relevantes producciones internacionales.

Nacido en San Germán, Puerto Rico, en 1967, Benicio del Toro se trasladó a los 13 años a Pennsylvania. Tras graduarse, comenzó a estudiar comercio en la Universidad de California, en San Diego, centro educativo que decidió abandonar para acudir a la prestigiosa academia de interpretación de Stella Adler. Ya a finales de la década de 1980, Del Toro comenzó a aparecer en pequeños papeles en series de televisión, realizando papeles en producciones como Miami Vice y la miniserie Drug Wars: The Camarena Story.

La década de 1990 fue especialmente provechosa para el actor, que debutaría en la gran pantalla con Big Top Pee-wee y aparecería en créditos tan destacados como 007: Licencia para matar, con la que se convirtió en el actor más joven en interpretar a un villano de James Bond, Huevos de oro de Bigas Luna, Sospechosos habituales de Bryan Singer, con la que consiguió un premio Independen Spirit, Basquiat de Julian Schnabel, con la que ganaría su segundo premio Independent Spirit, o Miedo y asco en Las Vegas de Terry Gilliam.

DEL TORO, UNA ESTRELLA LATINA EN HOLLYWOOD

El año 2000 sería el de la eclosión definitiva del reconocimiento a Del Toro, que trabajó en dos de las películas más destacadas de la temporada: Snatch. Cerdos y diamantes, popular película de Guy Ritchie, y, especialmente, Traffic, de Steven Soderbergh. Y es que su papel como Javier Rodríguez le valió el premio Oscar al mejor actor de reparto, el premio al mejor actor de Festival de Berlín, el Globo de Oro a la mejor interpretación de reparto o el premio del Sindicato de Actores.

Del Toro comenzó el siglo continuando con su ascenso meteórico en Hollywood al participar en producciones de renombre como Sin City, de Robert Rodríguez, o 21 gramos, primera producción estadounidense del mexicano Alejandro González Iñárritu, con la que también fue nominado al Premio Oscar. Volvería a colaborar con Steven Soderbergh en el díptico que el director realizó sobre la figura del Ché Guevara, a quien el actor interpretó en Ché, el argentino, y Ché: Guerrilla, trabajos con los que consiguió la Palma de Oro a la mejor actuación en el Festival de Cannes.

Durante la década de 2010, el actor puertorriqueño continuó su carrera combinando su apuesta por exitosos blockbusters y películas de corte independiente en las que ha trabajado a las órdenes de autores de renombre. Así, sus incursiones en producciones como Thor: El mundo oscuro, Guardianes de la Galaxia, Star Wars: Los últimos jedi o Vengadores: Infinity War fueron en paralelo a su participación en obras como Escobar: Paraíso perdido, de Andrea Di Stefano, en la que fue productor ejecutivo y con la que consiguió una nominación al Premio PLATINO, Puro vicio, de Paul Thomas Anderson, Un día perfecto, de Fernando León de Aranoa, o Sicario, de Denis Villeneuve.

El actor y productor volvería a televisión en 2019 protagonizando Fuga en Dannemora, serie por la que sería nominado al Premio Emmy, mientras que su última aparición en la gran pantalla fue en La crónica francesa, de Wes Anderson.  A Del Toro se le podrá ver próximamente protagonizando Reptile de Netflix, película de Grant Singer que también protagonizan Justin Timberlake, Alicia Silvestone y Frances Fisher.

LOS PLATINO CUMPLEN DIEZ AÑOS

Con este premio, Del Toro sucede a Carmen Maura, última galardonada con el PLATINO de Honor, después de que en ediciones anteriores recibieran este reconocimiento figuras del mundo iberoamericano tan destacadas como Diego Luna (2021), Raphael (2019), Adriana Barraza (2018), Edward James Olmos (2017), Ricardo Darín (2016), Antonio Banderas (2015) y Sonia Braga (2014). La entrega del premio al actor puertorriqueño promete ser uno de los momentos más emotivos de la gala de los Premios PLATINO que se celebrará el 22 de abril en Madrid.

Con la décima edición del evento, los galardones festejarán, una vez más, las regiones de habla hispana y portuguesa, su diversidad, sus culturas y su audiovisual. Los PLATINO inician, además, este décimo aniversario, con la renovación de su imagen corporativa mediante un rediseño que, respetando la idea original con la que el artista Javier Mariscal creó la imagen de estos premios, estiliza y redondea las formas del logotipo para que éste pueda ser utilizado en entornos digitales.

La amplia repercusión mediática de los premios (con un valor publicitario que superó los 130 millones de dólares y más de 110.000 noticias publicadas) contribuyó la presencia de lo más granado de la cultura iberoamericana en la gala de entrega de los premios que presentaron Lali Espósito y Miguel Ángel Muñoz, televisada por 24 cadenas en 21 países que recalcan la amplia difusión y alcance con los que cuenta el evento.

En estas nueve ediciones, los premios han celebrado la diversidad de sus culturas otorgando el galardón a la Mejor Película Iberoamericana a cintas argentinas, chilenas, colombianas, españolas y mexicanas, mientras que, desde su creación en su cuarta edición, el galardón para las series ha ido a parar a Argentina, Cuba y España. En animación, Argentina, Brasil, España y Perú han sido las reconocidas, en documental, Brasil, Chile y España, y en el apartado de óperas primas, han destacado junto a regiones con mayor producción países como Guatemala, Paraguay o Venezuela.

Los Premios PLATINO, promovidos por EGEDA (Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales), con FIPCA (Federación Iberoamericana de Productores Cinematográficos y Audiovisuales) y la intensa colaboración de la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Madrid que se refleja en una intensa actividad especialmente beneficiosa para el sector audiovisual. Los PLATINO también cuentan con el apoyo de la Organización Mundial del Turismo y las Academias e Institutos de Cine iberoamericanos, y aúnan a los grandes talentos de las industrias de los 23 países iberoamericanos para ensalzar a las producciones y a los creadores más destacados de cada año con veintidós galardones y un Premio PLATINO de Honor.

Trabajan desde su primera edición en 2014 en la difusión del audiovisual iberoamericano, para que los éxitos que se consiguen en los festivales más prestigiosos se traduzcan también en excelentes resultados en las salas comerciales y que nuestro cine y series de ficción tengan la distribución que se merece.

ZENIT COMUNICACIÓN y ALEXANDRA HERNÁNDEZ nos informan que los Premios Cygnus se han entregado en una gala en la que se ha destacado la necesidad de defender los valores como la libertad, la justicia social y la paz.

Los Premios Cygnus cumplen un lustro este 2023 sin perder su esencia. Tal y como ha destacado su director, Javier Santamaría, para dar comienzo a la celebración “nuestro norte sigue siendo promover las producciones y proyectos audiovisuales de calidad, que difunden la cultura y valores universales, que son los que nos hacen auténticos humanos”.

El majestuoso Paraninfo de la Universidad de Alcalá ha sido testigo un año más de la entrega de estos galardones. El Excelentísimo y magnífico Sr. Rector de la institución, José Vicente Saz, ha reconocido “la necesidad de la defensa de valores como la libertad, la justicia social, la equidad y la paz, que se antoja cada vez más necesaria en estos tiempos que vivimos” y ha reflexionando sobre "las palabras habladas y cantadas en la televisión y en el cine, que se representan en las producciones que premiamos y reflejan la  generosidad y comprensión del otro." 

Ambos representantes han destacado el trabajo de las personas dedicadas al cine y a la televisión que se han distinguido en este empeño tan admirable como lo es la transmisión de valores positivos para la sociedad y que este año, según el jurado,  han sido los siguientes:

Mejor película

Los renglones torcidos de Dios de Oriol Paulo. Recogieron el premio los productores Rosa Pérez y Ángel Blasco.

Mejor dirección

Carlos Saura por Las Paredes Hablan. Recogió en su nombre María del Puy Alvarado, productora. 

Mejor productor 

Ramón Campos por Un año y una noche. Recogió el galardón Josep Cister Rubio de Bambú Producciones.

Mejor guion

los creadores de Reyes contra Santa. Recogieron los guionistas Carmen López-Areal y Jelen Morales recordando a sus también compañeros Eric Navarro y Benjamín Herranz.

Mejor película documental

Emilia, cuyo premio recogió Miguel Ángel Calvo Buttini, director.

Mejor película de animación

 Tadeo Jones 3. La Tabla Esmeralda. Recogió Enrique Gato, director y Álvaro Augustín, director general de Telecinco Cinema.

Premio doble a mejor banda sonora original y mejor serie de televisión

Raphaelismo, cuyo premio recibió en su nombre el maestro Luis Cobos, presidente de AIE y Juan Andrés García Ropero, director de entretenimiento de Movistar+.

Premio doble a mejor presentadora y mejor programa de televisión

Milá vs. Milá. Recogieron en su nombre David Moncasi y Gabriela Gutiérrez, directores, y Juan Andrés  García Ropero y María Ruiz Calzado productora ejecutiva.

Mejor actor

Eduard Fernández por Los renglones torcidos de Dios. Recogió en su nombre Rosa Pérez, productora Atresmediacine.

Mejor actriz

Laura Galán por Cerdita que recogió muy ilusionada este galardón. 

En esta quinta edición también se entregaron tres reconocimientos especiales a

Julissa Reynoso, Embajadora de los Estados Unidos de Norteamérica, por el apoyo a la Cultura, a la cultura latinoamericana, a la industria del Cine y al establecimiento de vínculos y alianzas entre España y los Estados Unidos. Entregó el premio Enrique Cerezo que destacó su carrera y el hito de ser "la primera mujer embajadora de su país en 238 años". Reynoso agradeció su galardón reconociendo que “España siempre ha tenido una gran cultura, un gran cine, y grandes valores como nación, y que yo pueda compartir ese cariño a la cultura latina en Norteamérica es un honor. El cine es la mejor manera de celebrar nuestra humanidad".

Canal 24 Horas, por su labor como servicio público de información, con información accesible, que se proyecta sobre ámbitos geográficos plurales y lejanos, destacando el trabajo que hace el programa "Secuencias" y la celebración de su 25 aniversario. Recogió el reconocimiento Cristina Ónega, directora del Canal 24 horas, que declaró "nos da mucha gasolina para seguir contando cada hora, minuto y segundo lo que ocurre y hacerlo con vocación de servicio público"

Fundación Atresmedia por la labor social, especialmente la audiovisual, mediante campañas de concienciación y acción social orientadas a la protección de los jóvenes en su relación con los medios, buscando la alfabetización mediática y la integración de personas con discapacidad en entornos audiovisuales, persiguiendo cambios reales y efectivos en los temas que afectan a la infancia y a la juventud. Lo recibió Patricia Pérez, directora de la Fundación Atresmedia que destacó la labor del último año en la que se han preocupado especialmente por “la infancia y los jóvenes, para que tengan pensamiento crítico y valores, que sean responsables cuando consumen y crean. Queremos construir una sociedad más libre y más crítica".

La Universidad de Alcalá y ACIVAS se unieron en 2019 para crear los Encuentros de Cine Solidario y de Valores desarrolladosdesde la Fundación General la Universidad de Alcalá a través de CIMUART (Instituto para el estudio y desarrollo de las artes y las ciencias audiovisuales) con los que se da a conocer el compromiso de la industria audiovisual a través de diferentes actividades, un evento que cada año culmina con estos citados premios que se entregarán el 19 de enero de 2023 en el Paraninfo de la Universidad de Alcalá. 

CARAMEL FILMS nos informa que “LOS HIJOS DE OTROS” de Rebecca Zlotowski, se presentó ayer viernes en el Festival de Cine de Sundance. 

La nueva película de Rebecca Zlotowski, “LOS HIJOS DE OTROS” se presentó ayer viernes 20 de enero en el Festival de Cine de Sundance en la sección SPOTLIGHT, que recoge una selección de las mejores películas presentadas en otros festivales, antes de su estreno en salas, el próximo 3 de febrero. “Los hijos de otros”, dirigida por Rebecca Zlotowski, está protagonizada por la estrella francesa Virginie Efira, Roschdy Zem y la pequeña Callie Ferreira-Goncalves.  Cuenta también con la participación de Chiara Mastroianni.

La película inauguró el pasado Festival de Sevilla, donde consiguió el premio al mejor montaje y también participó en la última Sección Oficial del Festival de Venecia.

Sinopsis: Rachel tiene 40 años, no tiene hijos. Ella adora su vida: sus estudiantes de secundaria, sus amigos, sus ex, sus lecciones de guitarra. Al enamorarse de Ali, se encariña con Leila, su hija de 4 años. Ella la arropa, y la cuida como si fuera suya. Pero amar a los hijos de otras personas es un riesgo que vale la pena correr...